Hoy termina el primer mes de 2011 con el cual se van varias personalidades del cine internacional físicamente, más su esencia queda con nosotros gracias al legado impreso en el celuloide. A continuación un pequeño homenaje a todos ellos:
- El primero en fallecer fue el primer actor Pete Postlethwaite, el mismo que en 1993 compartió merecidas nominaciones con sus compatriotas Daniel Day Lewis y Emma Thompson al Oscar a Mejor Actor de Reparto por la excelente película basada en un hecho de la vida real “En el Nombre del Padre” de Jim Sheridan. El actor murió el pasado domingo dos de enero víctima del cáncer a los 64 años de edad, no sin haber formado parte de los elencos de dos de las mejores películas del año pasado como lo fueron “El Origen” (“Inception”), de otro compatriota suyo como Christopher Nolan, y “Atracción Peligrosa” (“The Town”) de Ben Affleck.
- El segundo creativo británico en fallecer fue el director Peter Yates, el mismo que alcanzó notoriedad en la industria cinematográfica hollywoodense a finales de los años 70 al recibir un par de nominaciones tanto al Globo de Oro como al Oscar como Mejor Director del filme “Los Muchachos del Verano” (“Breaking Away”), de 1979, y repitiendo ese honor en 1983 por su excelente adaptación cinematográfica de la pieza teatral “El Vestidor” (“The Dresser”), pero curiosamente aunque no recibió su merecido reconocimiento es mayormente recordado por haber dirigido una de las cintas provista de una de una de las mejores secuencias de persecución automovilística en la historia del cine :“Bullit”. Falleció el pasado 9 de enero víctima de un infarto a los 81 años de edad.
- La tercera artista en fallecer fue la actriz Sussanah York, también a un par de Globos de Oro, tanto por su trabajo en el año de 1962 como Mejor Actriz Dramática en la cinta semibiográfica “Freud” de John Huston, así como en 1969 tanto a otro Globo de Oro como al Oscar en la categoría de Mejor Actriz Secundaria por su papel en la cinta “Maratón de Baile” (“They Shoot Horses, Don´t They?”), del director también norteamericano Sydney Pollack y al lado de la dos veces ganadora del Oscar Jane Fonda. Irónicamente la actriz es más recordada por su breve papel como la madre kryptoniana junto al padre que interpretó el primer actor Marlon Brando del héroe del clásico “Supermán”, de 1978, el cual repitió en su secuela “Supermán II”, de 1980. Su deceso se dio el pasado 15 de enero a los 72 años de edad víctima del cáncer.
- El cuarto creativo también de origen inglés, John Barry, dejó de existir el día de ayer a los 77 años de edad debido a un ataque cardiaco. Su legado se concentra en el área de la música que lo llevó a ser reconocido con cuatro premios Oscar a lo largo de su carrera empezando con "La leona de dos mundos" ("Born free"), de 1966; seguido por "El león en invierno" ("The lion in winter", de 1968); "Africa mía" ("Out of Africa", de 1985) y "Danza con lobos" ("Dances with wolves", de 1990). La última nominación que recibió fue en 1992 por su trabajo en "Chaplin", de 1992, pero también dejó su sello en la mayor parte de las películas de James Bond 007 prácticamente a partir de la primera película del agente de 1962, "Dr. No" donde colaboró con Monty Norman para encargarse de 11 títulos más entre los que destacan "Desde Rusia con amor" y "Goldfinger". Descansen en paz.
About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
Un día como hoy pero de 1984 dejó de existir a los 73 años de edad el actor de origen costarricense Crox Alvarado, nacido bajo el nombre de Crux Pío del Socorro Alvarado Bolano el 3 de mayo de 1910 en San José de Costa Rica. Crox se inicia como actor en el cine mexicano con el pie derecho al ser dirigido bajo las órdenes de quizás el mejor director del celuloide nacional de la década de los años 30, Fernando de Fuentes, haciendo un pequeño papel dentro de la película "Bajo el cielo de México", de 1937, donde al lado de primeros actores como Domingo Soler, Joaquín Pardavé y Carlos López "Chaflán" también actuó el legendario músico Manuel Esperón.
Esta primera década de actividades en la industria fílmica nacional la terminó Alvarado con un papel más "sustancial" dentro de la cinta "El cementerio de las águilas", dirigida por Luis Lezama, protagonizada por el ídolo Jorge Negrete y en la cual contando el episodio de los Niños Héroes de la historia mexicana tuvo su primer crédito en películas en el papel del Teniente Alemán.
Los años 40 los inicia también muy bien Crox Alvarado como protagonista bajo la dirección del primer actor de origen saltillense Fernando Soler en su segunda película como director "El barbero prodigioso", de 1941; actuando posteriormente junto a la diva del cine internacional Lupe Vélez en la versión que hizo el director de origen tabasqueño Celestino Gorostiza teniendo como codirector al maestro Roberto Gavaldón de "Naná", en 1943 y termina la década trabajando las órdenes del chileno Tito Davison como uno de los galanes de la diva María Félix en el clásico "Doña diabla", de 1949.
Los años 50 son decisivos en la carrera de Crox alvarado a partir de que bajo las órdenes de otro maestro como Chano Urueta protagoniza al lado de otra diva de la Epoca de Oro como lo fue Miroslava "La bestia magnífica/Lucha libre", de 1952, una de las primeras cintas del subgénero de luchadores y que según lo menciona la escritora Perla Ciuk en su "Diccionario de directores del cine mexicano" (CONACULTA, 2000) no sólo le significa a Urueta ser considerado como especialista en la realización de este tipo de películas sino le da la única nominación a los Arieles en su prolífica carrera en la categoría del Mejor Guión Adaptado de aquel año de una historia del escritor Neftalí Beltrán.
Pero volviendo a Crox Alvarado, fue precisamente "La bestia magnífica" un parteaguas de su carrera porque
a partir de esta fue un actor protagónico de cintas de este subgénero y otras de la denominada "clase B" ya que después de formar parte del multiestelar reparto de la cinta dirigida por el realizador coahuilense Emilio "Indio" Fernández bajo el título de "Reportaje" teniendo como director a René Cardona protagonizó antes que el mismo Santo la película "El enmascarado de plata".
Crox Alvarado termina la década delos 50 con varios títulos al hilo de películas de clase B que hoy son de culto como "Ladrón de cadáveres", de 1957; otra vez dirigido por el maestro Chano Urueta en "Los tigres del ring" y "El torneo de la muerte", de 1957; "La momia azteca", también de 1957; "La maldición de la momia azteca", otra de 1957 y "La momia azteca contra el robot humano", de 1958, en estas tres última sinterpretando el personaje de Pinacate.
Los años 60 es cuando siguiendo protagonizando este serie películas finalmente aparece en el elenco de una de las más exitosas cintas de Santo "El Enmascarado de Plata", en "Atacan las brujas", de José Díaz Morales, en 1964, y junto a Santo y el comediante Gaspar Henaine "Capulina" haciendo el papel del jefe de policía en "Santo contra Capulina", de René Cardona, en 1968.
A principios de los años 70 es el director y también actor d eorigen potosino Arturo martínez quien vuelve a llamar a Crox Alvarado a protagonizar una película de luchadores en el papel de Rodrigo Martínez "El Enmascarado Negro" en la película "Una rosa sobre el ring", de 1972, a la cual le sigue bajo la sórdenes dle mismo director "La corona de un campeón" al lado de Rogelio Guerra, Andrés García y Norma Lazareno. La última película de Crox Alvarado es nuevamente junto al comediante Gaspar Henaine "Capulina" que fue "El sargento Capulina", en 1983. Descanse en paz.
Esta primera década de actividades en la industria fílmica nacional la terminó Alvarado con un papel más "sustancial" dentro de la cinta "El cementerio de las águilas", dirigida por Luis Lezama, protagonizada por el ídolo Jorge Negrete y en la cual contando el episodio de los Niños Héroes de la historia mexicana tuvo su primer crédito en películas en el papel del Teniente Alemán.
Los años 40 los inicia también muy bien Crox Alvarado como protagonista bajo la dirección del primer actor de origen saltillense Fernando Soler en su segunda película como director "El barbero prodigioso", de 1941; actuando posteriormente junto a la diva del cine internacional Lupe Vélez en la versión que hizo el director de origen tabasqueño Celestino Gorostiza teniendo como codirector al maestro Roberto Gavaldón de "Naná", en 1943 y termina la década trabajando las órdenes del chileno Tito Davison como uno de los galanes de la diva María Félix en el clásico "Doña diabla", de 1949.
Los años 50 son decisivos en la carrera de Crox alvarado a partir de que bajo las órdenes de otro maestro como Chano Urueta protagoniza al lado de otra diva de la Epoca de Oro como lo fue Miroslava "La bestia magnífica/Lucha libre", de 1952, una de las primeras cintas del subgénero de luchadores y que según lo menciona la escritora Perla Ciuk en su "Diccionario de directores del cine mexicano" (CONACULTA, 2000) no sólo le significa a Urueta ser considerado como especialista en la realización de este tipo de películas sino le da la única nominación a los Arieles en su prolífica carrera en la categoría del Mejor Guión Adaptado de aquel año de una historia del escritor Neftalí Beltrán.
Pero volviendo a Crox Alvarado, fue precisamente "La bestia magnífica" un parteaguas de su carrera porque
a partir de esta fue un actor protagónico de cintas de este subgénero y otras de la denominada "clase B" ya que después de formar parte del multiestelar reparto de la cinta dirigida por el realizador coahuilense Emilio "Indio" Fernández bajo el título de "Reportaje" teniendo como director a René Cardona protagonizó antes que el mismo Santo la película "El enmascarado de plata".
Crox Alvarado termina la década delos 50 con varios títulos al hilo de películas de clase B que hoy son de culto como "Ladrón de cadáveres", de 1957; otra vez dirigido por el maestro Chano Urueta en "Los tigres del ring" y "El torneo de la muerte", de 1957; "La momia azteca", también de 1957; "La maldición de la momia azteca", otra de 1957 y "La momia azteca contra el robot humano", de 1958, en estas tres última sinterpretando el personaje de Pinacate.
Los años 60 es cuando siguiendo protagonizando este serie películas finalmente aparece en el elenco de una de las más exitosas cintas de Santo "El Enmascarado de Plata", en "Atacan las brujas", de José Díaz Morales, en 1964, y junto a Santo y el comediante Gaspar Henaine "Capulina" haciendo el papel del jefe de policía en "Santo contra Capulina", de René Cardona, en 1968.
A principios de los años 70 es el director y también actor d eorigen potosino Arturo martínez quien vuelve a llamar a Crox Alvarado a protagonizar una película de luchadores en el papel de Rodrigo Martínez "El Enmascarado Negro" en la película "Una rosa sobre el ring", de 1972, a la cual le sigue bajo la sórdenes dle mismo director "La corona de un campeón" al lado de Rogelio Guerra, Andrés García y Norma Lazareno. La última película de Crox Alvarado es nuevamente junto al comediante Gaspar Henaine "Capulina" que fue "El sargento Capulina", en 1983. Descanse en paz.
Un día como hoy pero de hace 80 años nació en Ciudad Juárez, Chihuahua, el actor y comediante Manuel "Loco" Valdés, quien si bien en sus primeros años de carrera artística era relacionado justificadamente a su hermano mayor Germán gracias a que las primeras películas en la sque participó fueron acompañando a quien los cinéfilos conocimos como "Tin Tán" con el paso de los años destacó por sí mismo con el apodo de "El Loco" tanto en cine, teatro y televisión.
Así fue como luego de aparecer sin crédito ó en muy pequeñas participaciones en algunas de las primeras películas de su hermano Germán como lo fueron "Calabacitas tiernas", en 1948; "Ay amor cómo me has puesto", de 1951; "Me traes de un ala", de 1953 y "Lo que le pasó a Sansón", de 1955, Manuel "Loco"Valdés comenzó a ser reconocido simplemente como Manuel Valdés a partir de dos vehículos estelares de Tin Tán titulados "El campeón ciclista" y "Locos peligrosos", dirigidas en 1957 por Fernando Cortés, siendo hasta el año de 1959 y gracias a la película "Dos fantasmas y una muchacha", del realizador regiomontano Rogelio A. González, donde el nombre de Manuel "Loco" Valdés apareció por primera vez como tal compartiendo créditos con Germán Valdés "Tin Tán" y la diva Ana Luisa Peluffo.
Los años 60 los inicia "El Loco" Valdés con el papel que en cine quizás es el que más se le recuerde aunque aparezca a lo largo de toda la cinta disfrazado de "El Lobo Feroz" de la adaptación que del clásico cuento de "La caperucita roja" que bajo la dirección de Roberto Rodríguez catapultó al éxito a la actriz infantil María Gracia y a Manuel un par de películas más en ese papel que fueron "Caperucita y sus tres amigos", de 1961 y "Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos", de 1962.
Los años 70 los inicia "El Loco" de lleno en la TV como parte del elenco de un programa cómico que hizo época como lo fue "Ensalada de locos", que inició transmisiones por Telesistema Mexicano (después Televisa) en el año de 1971 para al año siguiente de 1972 ya tener su propio programa bajo el título de "El show de El Loco Valdés" en un año en el que´se vio "congelado" del aire por haber hecho la broma de que ese año se conmemoraba el centenario de la muerte del "Benemérito de las Américas" a quien al referirse como "Bomberito" Juárez llevó a ser vetado de la pantalla chica por un tiempo debido a la censura extrema de la época.
Los finales d elos 70 devolvió a Manuel "Loco" Valdés a otra exitosa franquicia del cine, en su caso del viciado género de cabareteras comenzando por "Las cariñosas" y "Muñecas de medianoche", de 1979; "Las tentadoras", de 1980 y la trilogía de cintas de "La pulquería", de 1980 a 1984 con "Entre ficheras anda el diablo-La pulquería 3".
La primera década del siglo XX representó el debut de "El Loco" Valdés en las telenovelas al ser llamado por el productor Juan Osorio para participar en el refrito del clásico "Lo impedonable", de 1975 bajo el título de "Siempre te amaré", en el año 2000, y luego de regresar al cine infantil haciendo la voz de un personaje de nombre Lorenzo Villavicencio en la cinta animada "La leyenda de la nahuala" en el año 2007 a partir de este próximo lunes 31 de enero vuelve al género de la telenovela con "Rafaela", serial que sustituye a la exitosa "Para volver a amar". ¡Muchas felicidades y que sigan los éxitos!
Así fue como luego de aparecer sin crédito ó en muy pequeñas participaciones en algunas de las primeras películas de su hermano Germán como lo fueron "Calabacitas tiernas", en 1948; "Ay amor cómo me has puesto", de 1951; "Me traes de un ala", de 1953 y "Lo que le pasó a Sansón", de 1955, Manuel "Loco"Valdés comenzó a ser reconocido simplemente como Manuel Valdés a partir de dos vehículos estelares de Tin Tán titulados "El campeón ciclista" y "Locos peligrosos", dirigidas en 1957 por Fernando Cortés, siendo hasta el año de 1959 y gracias a la película "Dos fantasmas y una muchacha", del realizador regiomontano Rogelio A. González, donde el nombre de Manuel "Loco" Valdés apareció por primera vez como tal compartiendo créditos con Germán Valdés "Tin Tán" y la diva Ana Luisa Peluffo.
Los años 60 los inicia "El Loco" Valdés con el papel que en cine quizás es el que más se le recuerde aunque aparezca a lo largo de toda la cinta disfrazado de "El Lobo Feroz" de la adaptación que del clásico cuento de "La caperucita roja" que bajo la dirección de Roberto Rodríguez catapultó al éxito a la actriz infantil María Gracia y a Manuel un par de películas más en ese papel que fueron "Caperucita y sus tres amigos", de 1961 y "Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos", de 1962.
Los años 70 los inicia "El Loco" de lleno en la TV como parte del elenco de un programa cómico que hizo época como lo fue "Ensalada de locos", que inició transmisiones por Telesistema Mexicano (después Televisa) en el año de 1971 para al año siguiente de 1972 ya tener su propio programa bajo el título de "El show de El Loco Valdés" en un año en el que´se vio "congelado" del aire por haber hecho la broma de que ese año se conmemoraba el centenario de la muerte del "Benemérito de las Américas" a quien al referirse como "Bomberito" Juárez llevó a ser vetado de la pantalla chica por un tiempo debido a la censura extrema de la época.
Los finales d elos 70 devolvió a Manuel "Loco" Valdés a otra exitosa franquicia del cine, en su caso del viciado género de cabareteras comenzando por "Las cariñosas" y "Muñecas de medianoche", de 1979; "Las tentadoras", de 1980 y la trilogía de cintas de "La pulquería", de 1980 a 1984 con "Entre ficheras anda el diablo-La pulquería 3".
La primera década del siglo XX representó el debut de "El Loco" Valdés en las telenovelas al ser llamado por el productor Juan Osorio para participar en el refrito del clásico "Lo impedonable", de 1975 bajo el título de "Siempre te amaré", en el año 2000, y luego de regresar al cine infantil haciendo la voz de un personaje de nombre Lorenzo Villavicencio en la cinta animada "La leyenda de la nahuala" en el año 2007 a partir de este próximo lunes 31 de enero vuelve al género de la telenovela con "Rafaela", serial que sustituye a la exitosa "Para volver a amar". ¡Muchas felicidades y que sigan los éxitos!
Un día como hoy pero de 1945 nació la actriz de origen suizo Marthe Keller, quien "de este lado del charco" comenzó a ser conocida particularmente en el cine norteamericano a partir de mediados de la década de los 70 como el "interés romántico" de actores de la talla de ganadores del Oscar como Dustin Hoffman y Al Pacino, pero también de directores también ganadores de la estatuilla como John Schlsinger, Billy Wilder y Sydney Pollack hasta la fecha en que puede ser vista en pantalla como parte de la más reciente película del realizador norteamericano Clint Eastwood nominada a un Oscar bajo el título de "Más allá de la vida" ("Hereafter").
Los primeros pasos de Marthe Keller en el celuloide se remontan a películas alemanas como "Funeral en Berlín", de 1966, ó "Wilder Reiter Gmbh", de 1967, porque en Berlín fue donde estudió actuación a partir de los 16 años de edad después de que por un accidente en esquíes ya no pudo continuar sus estudios de ballet que llevaba desde niña. Los años 70 fue cuando hizo sus pininos en el cine francés con películas como "Un cave", de 1971; "La raison du plus fou", de 1973 y el compilado de varias historias femeninas "Toute un vie", de 1974, bajo la dirección del director galo Claude Lelouch, donde su protagónico cautivó al productor norteamericano Robert Evans (responsable de clásicos como "El padrino", de 1972 y "Barrio chino", de 1974) que no dudó en invitarla a protagonizar el que sería su debut en el cine norteamericano como la novia del personaje de Dustin Hoffman en el thriller "Maratón de la muerte" ("Marathon man"), compartiendo créditos con otros primeros actores de la talla de Laurence Olivier y Roy Scheider bajo la dirección del realizador inglés ganador del Oscar al Mejor Director de 1969 por el clásico "Perdidos en la noche" ("Midnight cowboy"), John Schlesinger.
Su participación en dicho filme no sólo le dio una nominación al Globo de Oro a la Mejor Coactuación Femenina de 1976 sino que la catapultó de inmediato al estrellato en la Meca del Cine al hacer al año siguiente dos proyectos totalmente diferentes pero igualmente memorables como lo fueron el drama romántico "Bobby Deerfiled: Un isntante, una vida", de Sydney Pollack, como el interés romántico del primer actor Al Pacino, pero también el thriller del realizador John Frankenheimer "Domingo negro", junto a Robert Shaw y Bruce Dern donde interpretó a una terrorista árabe que encabeza un ataque a un estadio norteamericano completamente lleno debido a un Super Bowl. Como "cereza del pastel", ese mismo año Marthe Keller fue invitada a formar parte del jurado del prestigiado Festival de Cine de Cannes.
El punto más alto de la filmografía de Marthe Keller en Hollwyood se dio en 1978 al protagonizar junto a otro ganador del Oscar como William Holden el filme "Fedora", donde
Holden volvía a ser dirigido por el maestro Billy Wilder en el clásico "El ocaso de una vida" ("Sunset Boulevard") con paralelismos inclusive con aquella historia pues se trataba sobre una diva del cine recluida en su hogar a la que en este caso un productor busca para sacar de su retiro.
La década de los 80 la inicia Marthe Keller compartiendo créditos con otros dos ganadores del Oscar como George C. Scott y Marlon Brando en el thriller ""La fórmula", de 1980, bajo la dirección del realizador John G. Avildsen ("Rocky"; "El Karate Kid") para terminarla bajo las órdenes del prestigiado cineasta ruso Nikita Mikalhov dentro de la cinta "Ojos negros", por la cual el actor d eorigen italiano Marcelo Mastroiani recibió una merecida nominación a la estatuilla dorada por su papel de un hombre de mediana edad que durante un viaje en barco le cuenta su historia de amor a una mujer rusa.
En la década de los 90 Marthe Keller ´se concentró particularmente en el cine francés de entre cuyas películas destaca en especial una de 1998 que bajo el título de "La escuela de la carne" ("L' ecole d la chair"), del director Benoit Jacquot y protagonizada junto a otra primera actriz francesa como Isabelle Huppert, nos presentó a Marthe Keller como una muje rmadura de nombre Madame Thorpe a la que le gustaba pagar por tener sexo.
Hace una década con exactitud, Marthe Keller hizo su debut en Broadway con el pie derecho cuando en 2001 interpretó en la puesta de escena "Judgement in Nuremberg" el mismo papel que en la película de 1961 interpretó la diva de origen alemán Marlene Dietrich la cual le dio una merecida nominación al Tony a la Mejor Actriz y aunque los últimos años ha estado principalmente concentrada en el teatro y la ópera (en 2004 llevó a cabo la dirección escénica de la obra "Don Giovanni", en 2010 fue gratificante verla en un breve pero importante papel en la más reciente cinta del director norteamericano Clint Eastwood "Más allá de la vida", como una doctora a la que visita el personaje de la actriz francesa Cecile de France en los Alpes suizos. ¡Muchas felicidades!
Los primeros pasos de Marthe Keller en el celuloide se remontan a películas alemanas como "Funeral en Berlín", de 1966, ó "Wilder Reiter Gmbh", de 1967, porque en Berlín fue donde estudió actuación a partir de los 16 años de edad después de que por un accidente en esquíes ya no pudo continuar sus estudios de ballet que llevaba desde niña. Los años 70 fue cuando hizo sus pininos en el cine francés con películas como "Un cave", de 1971; "La raison du plus fou", de 1973 y el compilado de varias historias femeninas "Toute un vie", de 1974, bajo la dirección del director galo Claude Lelouch, donde su protagónico cautivó al productor norteamericano Robert Evans (responsable de clásicos como "El padrino", de 1972 y "Barrio chino", de 1974) que no dudó en invitarla a protagonizar el que sería su debut en el cine norteamericano como la novia del personaje de Dustin Hoffman en el thriller "Maratón de la muerte" ("Marathon man"), compartiendo créditos con otros primeros actores de la talla de Laurence Olivier y Roy Scheider bajo la dirección del realizador inglés ganador del Oscar al Mejor Director de 1969 por el clásico "Perdidos en la noche" ("Midnight cowboy"), John Schlesinger.
Su participación en dicho filme no sólo le dio una nominación al Globo de Oro a la Mejor Coactuación Femenina de 1976 sino que la catapultó de inmediato al estrellato en la Meca del Cine al hacer al año siguiente dos proyectos totalmente diferentes pero igualmente memorables como lo fueron el drama romántico "Bobby Deerfiled: Un isntante, una vida", de Sydney Pollack, como el interés romántico del primer actor Al Pacino, pero también el thriller del realizador John Frankenheimer "Domingo negro", junto a Robert Shaw y Bruce Dern donde interpretó a una terrorista árabe que encabeza un ataque a un estadio norteamericano completamente lleno debido a un Super Bowl. Como "cereza del pastel", ese mismo año Marthe Keller fue invitada a formar parte del jurado del prestigiado Festival de Cine de Cannes.
El punto más alto de la filmografía de Marthe Keller en Hollwyood se dio en 1978 al protagonizar junto a otro ganador del Oscar como William Holden el filme "Fedora", donde
Holden volvía a ser dirigido por el maestro Billy Wilder en el clásico "El ocaso de una vida" ("Sunset Boulevard") con paralelismos inclusive con aquella historia pues se trataba sobre una diva del cine recluida en su hogar a la que en este caso un productor busca para sacar de su retiro.
La década de los 80 la inicia Marthe Keller compartiendo créditos con otros dos ganadores del Oscar como George C. Scott y Marlon Brando en el thriller ""La fórmula", de 1980, bajo la dirección del realizador John G. Avildsen ("Rocky"; "El Karate Kid") para terminarla bajo las órdenes del prestigiado cineasta ruso Nikita Mikalhov dentro de la cinta "Ojos negros", por la cual el actor d eorigen italiano Marcelo Mastroiani recibió una merecida nominación a la estatuilla dorada por su papel de un hombre de mediana edad que durante un viaje en barco le cuenta su historia de amor a una mujer rusa.
En la década de los 90 Marthe Keller ´se concentró particularmente en el cine francés de entre cuyas películas destaca en especial una de 1998 que bajo el título de "La escuela de la carne" ("L' ecole d la chair"), del director Benoit Jacquot y protagonizada junto a otra primera actriz francesa como Isabelle Huppert, nos presentó a Marthe Keller como una muje rmadura de nombre Madame Thorpe a la que le gustaba pagar por tener sexo.
Hace una década con exactitud, Marthe Keller hizo su debut en Broadway con el pie derecho cuando en 2001 interpretó en la puesta de escena "Judgement in Nuremberg" el mismo papel que en la película de 1961 interpretó la diva de origen alemán Marlene Dietrich la cual le dio una merecida nominación al Tony a la Mejor Actriz y aunque los últimos años ha estado principalmente concentrada en el teatro y la ópera (en 2004 llevó a cabo la dirección escénica de la obra "Don Giovanni", en 2010 fue gratificante verla en un breve pero importante papel en la más reciente cinta del director norteamericano Clint Eastwood "Más allá de la vida", como una doctora a la que visita el personaje de la actriz francesa Cecile de France en los Alpes suizos. ¡Muchas felicidades!
Un día como hoy pero de hace 56 años nació la actriz de origen guanajuatense Lucía Méndez, quien luego de ser elegida en el año de 1972 como "El rostro del Heraldo" incursionó en la industria de cine y televisión mexicana con tan buena fortuna que para el año de 1974 no sólo participó en la película por la que se hizo acreedora a la Diosa de Plata como Mejor Revelación Femenina de aquel año por su participación en la película "El desconocido", de Gilberto Gazcón, al lado del actor Valentín Trujillo, sino en una de las cintas que conformaron parte de la filmografía de uno de los mejores realizadores del género del cine de terror en México, el maestro Carlos Enrique Taboada ("Hasta el viento tiene miedo"; "El libro de piedra") quien la dirigió junto a otras jóvenes actrices de aquellos años como Claudia Islas, Susana Dosamantes y Helena Rojo en la cinta ""Más negro que la noche".
Para 1975 fue igualmente afortunada de que el reconocido cómico Mario Moreno "Cantinflas" la invitara a ser su "dama joven" del clásico "El ministro y yo", y para 1978 formó parte del no menos relevante elenco de la coproducción Estados Unidos y México "Los hijos de Sánchez" ("The children of Sánchez"), donde interpretó a una de las hijas del controversial personaje de Jesús Sánchez de la obra de Oscar Lewis interpretado por el dos veces ganador del Oscar Anthony Quinn, en la última película de la filmografía de la diva del cine mexicano Dolores del Río y cobijada por otros primeros actores de la talla de Katy jurado, Ignacio López Tarso, Carmen Montejo, Patricia Reyes Spíndola y otros más.
El problema con la ascendente carrera de Lucía Méndez en el cine tanto mexicano e internacional es que para 1979 ya era una "estrella" de Televisa gracias a su primer gran protagónico de 1978 que fue la telenovela "Viviana" y fue así como la entonces naciente área de cine de esa empresa denominada por lo mismo Televicine destinó un vehículo estelar para ella con un tema muy controvertido desde entonces como lo era la inmigración ilegal de mexicanos a Estados Unidos bajo el título de "La ilegal".
Para dicho filme fue contratado el director de renombre Arturo Ripstein, para entonces ganador de varios reconocimientos a nivel nacional e internacional por clásicos como "El castillo de la pureza", de 1972; "El lugar sin límites", de 1977 ó "Cadena perpetua", de 1978, pero es el mismo Ripsten en su autobiografía de 1988 editada por la Universidad de Guadalajara bajo el título de "Arturo Ripstein habla de su cine" quien confirma que la Méndez estaba tan "inflada" como estrella televisiva que lo menos que tuvo fue la humildad necesaria de todo buen actor para interpretar con el realismo necesario el personaje que se le ofrece que no sólo en una escena de "striptease" que la protagonista hace en un burdel fronterizo lo más que se quita es una mascada para quedarse en los pantalones "spandex" muy d emoda de la época sino que pero todavía, su personaje en lugar de cruzar el Río Bravo con la prisa y angustia de quien así lo hace en la realidad lo más que le importó fue ponerse sus zapatos de tacones para hacerlo y de ahí que el maestro Emilio García Riera, en la misma publicación, sugiere a Risptein en la conversación que da pie a la obra en cuestión que más que una espalda mojada el personaje de Lucía Méndez fue ahí una "tacón mojado".
Con todo, la década de los 80 la sigue combinando Lucía Méndez entre la televisión y el cine, ya que después de sus telenovelas "Colorina", de 1980, y "Vanessa", de 1982, realizó otra vez para Televicine la adaptación cinematográfica dle best seller original de Torcuato Luca de Tena titulado "Los renglones torcidos de Dios" bajo la dirección de un realizador de mucha trayectoria en la industria cinematográfica nacional como lo fue Don Tulio Demichelli y al lado de primeros actores como Gonzalo Vega, Manuel Ojeda y Alejandro Camacho, para después de la no menos exitosa "Tú ó nadie", de 1984, en 1985 otra vez en Televicine es la estrella femenina de "El maleficio II", una especie de secuela del éxito televisivo de 1983 que contó con la dirección de otro maestro como Raúl Araiza al lado de primeros actores como Ernesto Alonso, José Carlos Ruiz y María Teresa Rivas , entre otros más.
Así, para mediados de la década de los 80 Lucía Méndez tenía el mundo a sus pies, ya que gracias al impacto de la televisión aunque no hacía cine en inglés desde su incursión en 1978 al cine norteamericano a través de "Los hijos de Sánchez" pero gracias a vehículos protagónicos como "Tú ó nadie" que a nivel mundial compitió con el rating de clásicas teleseries norteamericanas de aquellos años como "Dallas" ó "Dinastía" su fama en la Unión Americana particularmente entre las audiencias latinas hizo que los productores de una película a realizarse en 1986 con el título de "Stakeout", dirigida por el realizador John Badham, reponsable de éxitos como "Fiebre de sábado por la noche", de 1977, ó los thrillers "Relámpago azul" y "Juegos de guerra", de 1983, justo después de filmar la no menos exitosa "Corto circuito" ("Short circuit") requirió a Lucía Méndez para que hiciera el casting para interepretar el papel de una chica atractiva que era vigilada por una pareja de policías interpretada por el ganador del Oscar Richard Dreeyfuss y Emilio Estevez.
Dice la leyenda que debido a que por la naturaleza de la historia al personaje los policías la cachaban desnuda en una de las escenas de la misma a la Méndez argumentó que "su público de telenovelas" no la iba a aceptar haciendo esas cosas y en lugar de incusrsionar de lleno en la industria del cine hollywoodense con ese proyecto prefirió regresar a Televisa y hacer una de sus más exitosas telenovelas titulada "El extraño retorno de Diana Salazar" en 1988. El papel de la Méndez se le asignó a la actriz Madeleine Stowe, quien en los años 90 ascendió a grandes proyectos de cine acompañada de figuras como los ganadores del Oscar Kevin Costner en "Venganza", de 1990; Jack Nicholson en "Barrio Chino II", también de 1990 y Daniel Day Lewis en "El último d elos mohicanos", de 1992, así como bajo la direcciónd el amestro Terry Gilliam la cinta "Doce monos", de 1995, que le diera al actor Brad Pitt su primera nominación al Oscar, entre otras.
Volviendo a Lucía Méndez su internacionalización en la televisión se concoslidó en los años 90 al protagonizar para la cadena Telemundo la telenovela "Marielena", de 1992; en 1998 regresa a México a las pantallas de TV Azteca con la telenovela "Tres veces Sofía" y en 2007 regresa en plan estelar a las telenovelas de Televisa nada menos que otra vez como la hija de la primera actriz Carmen Montejo (la primera vez fue en la telenovela "Mundos opuestos", de 1976) en el serial de poca fortuna "Amor sin maquillaje". A finales de 2010 anunció su regreso al Sépptimo Arte como la protagonista de una cinta con el título singular de "Labios eléctricos". Felicidades y los mejores deseos para este "segundo aire" de la otrora protagonista de "La ilegal".
Para 1975 fue igualmente afortunada de que el reconocido cómico Mario Moreno "Cantinflas" la invitara a ser su "dama joven" del clásico "El ministro y yo", y para 1978 formó parte del no menos relevante elenco de la coproducción Estados Unidos y México "Los hijos de Sánchez" ("The children of Sánchez"), donde interpretó a una de las hijas del controversial personaje de Jesús Sánchez de la obra de Oscar Lewis interpretado por el dos veces ganador del Oscar Anthony Quinn, en la última película de la filmografía de la diva del cine mexicano Dolores del Río y cobijada por otros primeros actores de la talla de Katy jurado, Ignacio López Tarso, Carmen Montejo, Patricia Reyes Spíndola y otros más.
El problema con la ascendente carrera de Lucía Méndez en el cine tanto mexicano e internacional es que para 1979 ya era una "estrella" de Televisa gracias a su primer gran protagónico de 1978 que fue la telenovela "Viviana" y fue así como la entonces naciente área de cine de esa empresa denominada por lo mismo Televicine destinó un vehículo estelar para ella con un tema muy controvertido desde entonces como lo era la inmigración ilegal de mexicanos a Estados Unidos bajo el título de "La ilegal".
Para dicho filme fue contratado el director de renombre Arturo Ripstein, para entonces ganador de varios reconocimientos a nivel nacional e internacional por clásicos como "El castillo de la pureza", de 1972; "El lugar sin límites", de 1977 ó "Cadena perpetua", de 1978, pero es el mismo Ripsten en su autobiografía de 1988 editada por la Universidad de Guadalajara bajo el título de "Arturo Ripstein habla de su cine" quien confirma que la Méndez estaba tan "inflada" como estrella televisiva que lo menos que tuvo fue la humildad necesaria de todo buen actor para interpretar con el realismo necesario el personaje que se le ofrece que no sólo en una escena de "striptease" que la protagonista hace en un burdel fronterizo lo más que se quita es una mascada para quedarse en los pantalones "spandex" muy d emoda de la época sino que pero todavía, su personaje en lugar de cruzar el Río Bravo con la prisa y angustia de quien así lo hace en la realidad lo más que le importó fue ponerse sus zapatos de tacones para hacerlo y de ahí que el maestro Emilio García Riera, en la misma publicación, sugiere a Risptein en la conversación que da pie a la obra en cuestión que más que una espalda mojada el personaje de Lucía Méndez fue ahí una "tacón mojado".
Con todo, la década de los 80 la sigue combinando Lucía Méndez entre la televisión y el cine, ya que después de sus telenovelas "Colorina", de 1980, y "Vanessa", de 1982, realizó otra vez para Televicine la adaptación cinematográfica dle best seller original de Torcuato Luca de Tena titulado "Los renglones torcidos de Dios" bajo la dirección de un realizador de mucha trayectoria en la industria cinematográfica nacional como lo fue Don Tulio Demichelli y al lado de primeros actores como Gonzalo Vega, Manuel Ojeda y Alejandro Camacho, para después de la no menos exitosa "Tú ó nadie", de 1984, en 1985 otra vez en Televicine es la estrella femenina de "El maleficio II", una especie de secuela del éxito televisivo de 1983 que contó con la dirección de otro maestro como Raúl Araiza al lado de primeros actores como Ernesto Alonso, José Carlos Ruiz y María Teresa Rivas , entre otros más.
Así, para mediados de la década de los 80 Lucía Méndez tenía el mundo a sus pies, ya que gracias al impacto de la televisión aunque no hacía cine en inglés desde su incursión en 1978 al cine norteamericano a través de "Los hijos de Sánchez" pero gracias a vehículos protagónicos como "Tú ó nadie" que a nivel mundial compitió con el rating de clásicas teleseries norteamericanas de aquellos años como "Dallas" ó "Dinastía" su fama en la Unión Americana particularmente entre las audiencias latinas hizo que los productores de una película a realizarse en 1986 con el título de "Stakeout", dirigida por el realizador John Badham, reponsable de éxitos como "Fiebre de sábado por la noche", de 1977, ó los thrillers "Relámpago azul" y "Juegos de guerra", de 1983, justo después de filmar la no menos exitosa "Corto circuito" ("Short circuit") requirió a Lucía Méndez para que hiciera el casting para interepretar el papel de una chica atractiva que era vigilada por una pareja de policías interpretada por el ganador del Oscar Richard Dreeyfuss y Emilio Estevez.
Dice la leyenda que debido a que por la naturaleza de la historia al personaje los policías la cachaban desnuda en una de las escenas de la misma a la Méndez argumentó que "su público de telenovelas" no la iba a aceptar haciendo esas cosas y en lugar de incusrsionar de lleno en la industria del cine hollywoodense con ese proyecto prefirió regresar a Televisa y hacer una de sus más exitosas telenovelas titulada "El extraño retorno de Diana Salazar" en 1988. El papel de la Méndez se le asignó a la actriz Madeleine Stowe, quien en los años 90 ascendió a grandes proyectos de cine acompañada de figuras como los ganadores del Oscar Kevin Costner en "Venganza", de 1990; Jack Nicholson en "Barrio Chino II", también de 1990 y Daniel Day Lewis en "El último d elos mohicanos", de 1992, así como bajo la direcciónd el amestro Terry Gilliam la cinta "Doce monos", de 1995, que le diera al actor Brad Pitt su primera nominación al Oscar, entre otras.
Volviendo a Lucía Méndez su internacionalización en la televisión se concoslidó en los años 90 al protagonizar para la cadena Telemundo la telenovela "Marielena", de 1992; en 1998 regresa a México a las pantallas de TV Azteca con la telenovela "Tres veces Sofía" y en 2007 regresa en plan estelar a las telenovelas de Televisa nada menos que otra vez como la hija de la primera actriz Carmen Montejo (la primera vez fue en la telenovela "Mundos opuestos", de 1976) en el serial de poca fortuna "Amor sin maquillaje". A finales de 2010 anunció su regreso al Sépptimo Arte como la protagonista de una cinta con el título singular de "Labios eléctricos". Felicidades y los mejores deseos para este "segundo aire" de la otrora protagonista de "La ilegal".
Un día como hoy pero de 1985 dejó de existir el director de origen potosino Emilio Gómez Muriel (nace en la ciudad de San Luis Potosí el 22 de mayo de 1910), quien según lo comenta la escritora Perla Ciuk en su libro "Diccionario de Directores de Cine Mexicano" (CONACULTA, 2000) mientras estudia la preparatoria trabaja en el Departamento de Publicidad de Producing and Distributing Corporation, empresa distribuidora de películas, para en 1928 al terminar dichos estudios marcharse a los Estados Unidos donde trata de ingresar en la industria cinematográfica y donde conoce a Carlos Navarro, futuro director de la película "Janitzio", de 1934, quien entonces trabajaba como asistente de dirección en Hollywood y le permite asistir como extra algunas filmaciones.
En la meca del cine Gómez Muriel se familiariza con las teorías de montaje de Serguei Eisenstein y el estilo narrativo de D.W. Griffith cuya infuelcnia se ve reflejada en la sobresaliente cinta de 1934 "Redes", una de las mejores películas mexicanas de la década de los años 30 que codirige con el maestro Fred Zinnemann, autor entre otros del clásico western "A la hora señalada", de 1952 y "De aquí a la eternidad", de 1953.
Luego de ser productor asociado, editor y guionistas de varios títulos importantes del resto de la década, Gómez Muriel debutra formalmente en el cine industrial con la cinta "La guerra de los pasteles", del año de 1943, la cual narra el hecho histórico suscitado durante la invasión francesa en México en 1838 y fue protagonizada por Mapy Cortés, Domingo Soler y Pedro Arméndariz. Del resto de aquella década sobresalen títulos suyos como director como "La monja alférez", de 1944, protagonizada por María Félix y José Cibrián; "La pajarera", de 1945, con la actriz coahuilense Beatriz Aguirre, Ernesto Alonso y Eduardo Arozamena; "Crimen en la alcoba", de 1946, otra vez con Ernesto Alonso, Rafael Baledón, Carmen Montejo y el saltillense Andrés Soler y "El ropavejero", con Joaquín Pardavé y Sara García, también de 1946, y "Ojos d ejuventud", de 1948, otra vez con Joaquín Pardavé y Elsa Aguirre, entre otras más.
Es en los años 50 cuando Gómez Muriel consolida su prestigio como director al ser nominado por primera vez a un Ariel como Mejor Director por el drama "Un divorcio", de 1952, protagonizado por Marga López y Carlos López Moctezuma, por la cual el actor infantil Raúl Farrell gana el Ariel a la Mejor Actuación Juvenil; en aquel año también hace un melodrama glorioso protagonizado otra vez por Marga López y un excelente Julio Villarreal en la historia de "Eugenia Grandet", que ganó aquel año para Gonzalo Curiel la Mejor Música para película y en 1954 por su aproximación a "El joven Juárez" obtiene un Ariel Especial por la realización de una película "de mayor interés nacional" por centrarse en la historia juvenil del también llamado "Benemérito de las América" Benito Juárez.
Del resto de aquella década destacan también otros títulos como "Un minuto de bondad", de 1953; "Historia de un abrigo de mink", de 1954, ó el vehículo estelar de María Félix "La estrella vacía", de 1958, para iniciar los años 60 con quizás us película más conocida como lo es el lacrimógeno drama de "Simitrio", la historia de un maestro de pueblo que se va quedando ciego que protagonizada por el primer actor José Elías Moreno curiosamente no obtuvo ningún reconocimiento en nuestro país cuando se estrenó pero sí en el prestigiado Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en España, donde obtuvo el premio a la Mejor Película en idioma español.
Aquella década la concluye el realizador haciendo filmes de géneros diversos como lo fueron de luchadores con "Blue Demon, destructor de espías", de 1967; una versión más "fuerte" del clásico texto de "Santa", de Federico Gamboa, protagonizada en su versión de 1968 por Julissa, a quien dirige también en la versión cinematográfica de la exitosa telenovela y radionovela "La mentira", en 1969. Las últimas películas que dirige Emilio Gómez Muriel son de la primera mitad de la década de los 70 y van de títulos como el de "En estas camas nadie duerme", de 1970, con Julio Alemán, Zulma Faiad y Jacqueline Andere; la cinta basada en una popular tira cómica mexicana "El payo/Un hombre contra el mundo", de 1971, protagonizada por Jorge Rivero y Helena Rojo y la coproducción con Argentina "Basuras humanas", de 1972, protagonizada por Isela vega y otra vez Jorge Rivero, entre otras más. Descanse en paz.
En la meca del cine Gómez Muriel se familiariza con las teorías de montaje de Serguei Eisenstein y el estilo narrativo de D.W. Griffith cuya infuelcnia se ve reflejada en la sobresaliente cinta de 1934 "Redes", una de las mejores películas mexicanas de la década de los años 30 que codirige con el maestro Fred Zinnemann, autor entre otros del clásico western "A la hora señalada", de 1952 y "De aquí a la eternidad", de 1953.
Luego de ser productor asociado, editor y guionistas de varios títulos importantes del resto de la década, Gómez Muriel debutra formalmente en el cine industrial con la cinta "La guerra de los pasteles", del año de 1943, la cual narra el hecho histórico suscitado durante la invasión francesa en México en 1838 y fue protagonizada por Mapy Cortés, Domingo Soler y Pedro Arméndariz. Del resto de aquella década sobresalen títulos suyos como director como "La monja alférez", de 1944, protagonizada por María Félix y José Cibrián; "La pajarera", de 1945, con la actriz coahuilense Beatriz Aguirre, Ernesto Alonso y Eduardo Arozamena; "Crimen en la alcoba", de 1946, otra vez con Ernesto Alonso, Rafael Baledón, Carmen Montejo y el saltillense Andrés Soler y "El ropavejero", con Joaquín Pardavé y Sara García, también de 1946, y "Ojos d ejuventud", de 1948, otra vez con Joaquín Pardavé y Elsa Aguirre, entre otras más.
Es en los años 50 cuando Gómez Muriel consolida su prestigio como director al ser nominado por primera vez a un Ariel como Mejor Director por el drama "Un divorcio", de 1952, protagonizado por Marga López y Carlos López Moctezuma, por la cual el actor infantil Raúl Farrell gana el Ariel a la Mejor Actuación Juvenil; en aquel año también hace un melodrama glorioso protagonizado otra vez por Marga López y un excelente Julio Villarreal en la historia de "Eugenia Grandet", que ganó aquel año para Gonzalo Curiel la Mejor Música para película y en 1954 por su aproximación a "El joven Juárez" obtiene un Ariel Especial por la realización de una película "de mayor interés nacional" por centrarse en la historia juvenil del también llamado "Benemérito de las América" Benito Juárez.
Del resto de aquella década destacan también otros títulos como "Un minuto de bondad", de 1953; "Historia de un abrigo de mink", de 1954, ó el vehículo estelar de María Félix "La estrella vacía", de 1958, para iniciar los años 60 con quizás us película más conocida como lo es el lacrimógeno drama de "Simitrio", la historia de un maestro de pueblo que se va quedando ciego que protagonizada por el primer actor José Elías Moreno curiosamente no obtuvo ningún reconocimiento en nuestro país cuando se estrenó pero sí en el prestigiado Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en España, donde obtuvo el premio a la Mejor Película en idioma español.
Aquella década la concluye el realizador haciendo filmes de géneros diversos como lo fueron de luchadores con "Blue Demon, destructor de espías", de 1967; una versión más "fuerte" del clásico texto de "Santa", de Federico Gamboa, protagonizada en su versión de 1968 por Julissa, a quien dirige también en la versión cinematográfica de la exitosa telenovela y radionovela "La mentira", en 1969. Las últimas películas que dirige Emilio Gómez Muriel son de la primera mitad de la década de los 70 y van de títulos como el de "En estas camas nadie duerme", de 1970, con Julio Alemán, Zulma Faiad y Jacqueline Andere; la cinta basada en una popular tira cómica mexicana "El payo/Un hombre contra el mundo", de 1971, protagonizada por Jorge Rivero y Helena Rojo y la coproducción con Argentina "Basuras humanas", de 1972, protagonizada por Isela vega y otra vez Jorge Rivero, entre otras más. Descanse en paz.
Un día como hoy pero de 1960 falleció un prolífico creador cinematográfico mexicano como Carlos Orellana, quien nacido el 28 de diciembre del año de 1900 en el municipio Santiago Tezontlale hizo historia en nuestra industria fílmica nacional desde el momento de debutar junto a la actriz oaxaqueña Lupita Tovar en la primera cinta sonora mexicana "Santa", que bajo la dirección de Antonio Moreno se realizó en el año de 1931. Orellana interpretó el papel del ciego Hipólito, enamorado incodnicional de la heroína trágica del clásico texto original de Federico Gamboa, el mismo que se llevó otras dos veces por lo menos a la pantalla grande en los años 40 y en los años 60 y una a la pantalla chica en la década de los 70.
Pero volviendo a Don Carlos Orellana, "Santa" fue tan sólo la primera de un total de 66 películas como actor, aunque pocos saben que también fue reponsable de 51 cintas como guionista y 16 como director. De hecho su única nominación al Ariel se dio precisamente en la categoría de Mejor Argumento Original en 1954 al hacer en conjunción con el maestro Ismael Rodríguez el responsable del "drama cómico" de "Maldita ciudad", un filme que el mismo Ismael Rodríguez refriteó en los años 80 bajo el título de "Corrupción" y del que además se extrajo un personaje muy popular que la actriz María Victoria interpretó en dos películas como protagonista bajo el título de "Los paquetes de Paquita" y "Cupido pierde a Paquita", del año 1955, donde el mismo Orellana interpretó a uno de los enamorados de Paquita.
Sin embargo, mucho antes de estos reconocimientos Orellana terminó la década de los 30 en que se inició en la industria con 16 títulos en su filmografía como actor siendo el último de los 30s nada menos que sua ctuación en el papel de un doctor en el clásico de Mario Moreno "Cantinflas" titulado "El signo de la muerte", de 1939, bajo la dirección del maestro Chano Urueta.
Fue en el mismo año de 1939 cuando Orellana hizo "sus pininos" como escritor de los diálogos de la cinta "En un burro tres baturros", del director José Benavides hijo misma que protagonizó junto a la actriz Sara García, y en 1941 se dio su debut en la dirección con su ópera prima titulada "Noche de recién casados" que también escribió y fue protagonizada en su caso por Consuelo Abascal, Carolina Barret e Isabelita Blanch, entre otros.
En el rubro de actuación los años 40 fueron la consolidación de Orellana como uno de los histriones más conocidos de la industria, y luego de haber trabajado bajo las órdenes del coahuilense Emilio "Indio" Fernández en otra importante adaptación de un texto literario como "Pepita Jiménez", de 1945, y de Emilio Gómez Muriel en el thriller "Crimen en la alcoba", al lado de los primeros actores como Ernesto Alonso, Carmen Montejo,Rafael Baledón y el saltillense Andrés Soler, en 1946, su papel del sacerdote en un par de películas que inició su mancuerna actoral con Ismael Rodríguez como lo fueron las clásicas "Los tres García" su secuela "Vuelven los García", en 1948, que lo convirtieron en uno de los actores más reconocidos de la llamada Epoca de Oro del Cine Mexicano
Los 50 los inicia Carlso Orellana con uno de sus protagónicos más exitosos titulado "Acá las tortas", de 1951, en el cual bajo la dirección de otro maestro como Juan Bustillo Oro otra vez haciendo mancuerna con la primera actriz Sara García interpretaron aquí a una pareja de torteros de la Ciudad de México que son menospreciados por sus dos hijos cuando ellos se devivieron por darles los lujos y estudios por los cuales los hacen menos. Del año de 1952 es otro clásico donde es dirigido por Ismael Rodríguez y en el cual fue también coguionista como "Dos tipos de cuidado", filme que reunió por primera y única vez como protagónicos a los íconos del cine mexicano de entonces Jorge Negrete y Pedro Infante; en 1953 vuelve a ser dirigido por el coahuilense Emilio "Indio" Fernández en la película que reunió a los más importantes nombres de la industria cinematográfica de entonces bajo el título de "Reportaje", y en 1957 su papel como Don Pancho García en la película "Tizoc", terminó su relacíón laboral tanto con Ismael Rodríguez como con su protagónico Pedro Infante en la última cinta completa que el ídolo filmó.
La última película de la filmografía como actor de Carlos Orellana fue "Dos corazones y un cielo", bajo la dirección de Rafael Baledón, cinta que también Orellana coescribió, siendo su último guión filmado de manera p´sotuma en 1982 bajo el título de "Fieras contra fieras", dirigido por Sergio Véjar y estelarizado pór Adalberto Martínez "Resortes" y la coahuilense Carmen Salinas, mientras que su última cinta como director fue "Un trío de tres", una comedia con tintes de drama y misterio escrita por el actor de origen chiapaneco Pancho Córdova y protagonizada por Martha Roth, el también desaparecido Pompín Iglesias y otrso más. Descanse en paz.
Pero volviendo a Don Carlos Orellana, "Santa" fue tan sólo la primera de un total de 66 películas como actor, aunque pocos saben que también fue reponsable de 51 cintas como guionista y 16 como director. De hecho su única nominación al Ariel se dio precisamente en la categoría de Mejor Argumento Original en 1954 al hacer en conjunción con el maestro Ismael Rodríguez el responsable del "drama cómico" de "Maldita ciudad", un filme que el mismo Ismael Rodríguez refriteó en los años 80 bajo el título de "Corrupción" y del que además se extrajo un personaje muy popular que la actriz María Victoria interpretó en dos películas como protagonista bajo el título de "Los paquetes de Paquita" y "Cupido pierde a Paquita", del año 1955, donde el mismo Orellana interpretó a uno de los enamorados de Paquita.
Sin embargo, mucho antes de estos reconocimientos Orellana terminó la década de los 30 en que se inició en la industria con 16 títulos en su filmografía como actor siendo el último de los 30s nada menos que sua ctuación en el papel de un doctor en el clásico de Mario Moreno "Cantinflas" titulado "El signo de la muerte", de 1939, bajo la dirección del maestro Chano Urueta.
Fue en el mismo año de 1939 cuando Orellana hizo "sus pininos" como escritor de los diálogos de la cinta "En un burro tres baturros", del director José Benavides hijo misma que protagonizó junto a la actriz Sara García, y en 1941 se dio su debut en la dirección con su ópera prima titulada "Noche de recién casados" que también escribió y fue protagonizada en su caso por Consuelo Abascal, Carolina Barret e Isabelita Blanch, entre otros.
En el rubro de actuación los años 40 fueron la consolidación de Orellana como uno de los histriones más conocidos de la industria, y luego de haber trabajado bajo las órdenes del coahuilense Emilio "Indio" Fernández en otra importante adaptación de un texto literario como "Pepita Jiménez", de 1945, y de Emilio Gómez Muriel en el thriller "Crimen en la alcoba", al lado de los primeros actores como Ernesto Alonso, Carmen Montejo,Rafael Baledón y el saltillense Andrés Soler, en 1946, su papel del sacerdote en un par de películas que inició su mancuerna actoral con Ismael Rodríguez como lo fueron las clásicas "Los tres García" su secuela "Vuelven los García", en 1948, que lo convirtieron en uno de los actores más reconocidos de la llamada Epoca de Oro del Cine Mexicano
Los 50 los inicia Carlso Orellana con uno de sus protagónicos más exitosos titulado "Acá las tortas", de 1951, en el cual bajo la dirección de otro maestro como Juan Bustillo Oro otra vez haciendo mancuerna con la primera actriz Sara García interpretaron aquí a una pareja de torteros de la Ciudad de México que son menospreciados por sus dos hijos cuando ellos se devivieron por darles los lujos y estudios por los cuales los hacen menos. Del año de 1952 es otro clásico donde es dirigido por Ismael Rodríguez y en el cual fue también coguionista como "Dos tipos de cuidado", filme que reunió por primera y única vez como protagónicos a los íconos del cine mexicano de entonces Jorge Negrete y Pedro Infante; en 1953 vuelve a ser dirigido por el coahuilense Emilio "Indio" Fernández en la película que reunió a los más importantes nombres de la industria cinematográfica de entonces bajo el título de "Reportaje", y en 1957 su papel como Don Pancho García en la película "Tizoc", terminó su relacíón laboral tanto con Ismael Rodríguez como con su protagónico Pedro Infante en la última cinta completa que el ídolo filmó.
La última película de la filmografía como actor de Carlos Orellana fue "Dos corazones y un cielo", bajo la dirección de Rafael Baledón, cinta que también Orellana coescribió, siendo su último guión filmado de manera p´sotuma en 1982 bajo el título de "Fieras contra fieras", dirigido por Sergio Véjar y estelarizado pór Adalberto Martínez "Resortes" y la coahuilense Carmen Salinas, mientras que su última cinta como director fue "Un trío de tres", una comedia con tintes de drama y misterio escrita por el actor de origen chiapaneco Pancho Córdova y protagonizada por Martha Roth, el también desaparecido Pompín Iglesias y otrso más. Descanse en paz.
Un día como hoy pero de 1989 recuerdo que el mundo del arte a nivel mundial se cimbró al darse a conocer la muerte del controvertido pintor surrealista Salvador Dalí. Nacido con el nombre de Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech el 11 de Mayo de 1904 en la ciudad de Figueres Girona de Cataluña, España (misma ciudad en la que murió) Dali perteneció a una generación de ruptura que compartió las pasión por no sólo cuestionar al orden establecido sino ir por encima de la realidad al menos palpable al buscarla en los sueños y el inconsciente que lo llevó a incursionar a finales de los años 20 junto a uno de sus amigos, el entonces nóble cineasta Luis Buñuel, en la creación no sólo en la escritura del guión de la ópera prima del no menos controversial realizador ue fue "El perro andaluz", de 1929, sino también en el de la siguiente película de Buñuel, "La edad de oro", de 1930.
"El perro andaluz", a pocos más de ochenta años de su realización, aún es fecha que estremece a quien se acerca a ella no sólo por imágenes estrujantes como en la que gracias al brillante manejo del montaje la mutilación del ojo de una vaca en la realidad es igualmente perturbadora que el hacernos creer que es el ojo de la protagonista de la historia que es fusión tanto de dos sueños tanto de Buñuel con esa imagen del ojo y de Dalí de una mano siendo invadida por un montón de hormigas.
Poco después de que Buñuel emigró a América como resultado de la Guerra Civil en España, Dalí lo hizo y su talento gráfico no pudo pasar desapercibido para otros maestros del cine como Alfred Hitchock y Salvador Dalí, trabajando para el primero como el director de arte de una antológica secuencia onírica incluida en la historia de un hombre perturbado psicológicamente al grado de creerse un asesino como sucedió en "Spellbound", en 1944, y para Disney al año siguiente para ser asistente de la animación de un cortometraje titulado "Destino", el cual fue cancelado habiéndose completado únicamente 15 segundos de animación para concretarse en 2003 como un ocrtometraje de 7 minutos de duración que alcanzó una merecida nominación al Oscar en la categoría de Mejor Cortometraje Animado de aquel año. ¡Felicidades!
"El perro andaluz", a pocos más de ochenta años de su realización, aún es fecha que estremece a quien se acerca a ella no sólo por imágenes estrujantes como en la que gracias al brillante manejo del montaje la mutilación del ojo de una vaca en la realidad es igualmente perturbadora que el hacernos creer que es el ojo de la protagonista de la historia que es fusión tanto de dos sueños tanto de Buñuel con esa imagen del ojo y de Dalí de una mano siendo invadida por un montón de hormigas.
Poco después de que Buñuel emigró a América como resultado de la Guerra Civil en España, Dalí lo hizo y su talento gráfico no pudo pasar desapercibido para otros maestros del cine como Alfred Hitchock y Salvador Dalí, trabajando para el primero como el director de arte de una antológica secuencia onírica incluida en la historia de un hombre perturbado psicológicamente al grado de creerse un asesino como sucedió en "Spellbound", en 1944, y para Disney al año siguiente para ser asistente de la animación de un cortometraje titulado "Destino", el cual fue cancelado habiéndose completado únicamente 15 segundos de animación para concretarse en 2003 como un ocrtometraje de 7 minutos de duración que alcanzó una merecida nominación al Oscar en la categoría de Mejor Cortometraje Animado de aquel año. ¡Felicidades!
Un día como hoy pero de hace 55 años nació la primera actriz norteamericana Geena Davis, quien en el año de 1988 ganó su primer y único Oscar hasta la fecha en la categoría de Mejor Actriz Secundaria por su memorable papel de una entrenadora de perros que se relaciona con un hombre que vive el deterioro de su relación marital interpretado por otro primer actor como William Hurt en el drama "Un tropiezo llamado amor" ("The accidental tourist"), de Lawrence Kasdan.
Con este filme prácticamente Geena Davis cerraba "con broche de oro" una década en la que se inició en el Séptimo Arte con el pie derecho al debutar en la industria hollywoodense en un fugaz papel de la película "Tootise", de Sydney Pollack, compartiendo créditos con los ganadores de la estatuilla Dustin Hoffman y Jessica Lange. Sin embargo, cuando en realidad los cinéfilso del mundo comenzamos a saber de ella fue al protagonizar con quien posteriormente sería también su pareja sentimental, el actor Jeff Goldblum, el exitoso remake de 1986 realizado por el maestro canadiense David Cronenberfg del clásico de 1958 "La mosca" ("The fly").
Ese status adquirido de manera instantánea como "dama joven" fue el que convenció al entonces néofito realizador Tim Burton para su primer gran proyecto del cine industrial norteamericano que fue "Beetlejuice: El superfantasma", filme hoy considerado de culto que protagonizó Geena Davis junto a primeros actores como Michael Keaton, Alec Baldwin y Winona Ryder, entre otros más, en 1988.
Precisamente gracias a que en el mismo año de 1988 Geena Davis combinó de manera muy inteligente el cine comercial en el que trabajó con "Beetlejuice" con uno más artístico como sucedió con "Un tropiezo llamado amor" fue que el director de origen británico Ridley Scott la considerara la excelente opción en mancuerna con otra primera actriz como Susan Sarandon para el clásico de corte eminentemente feminista "Un final inesperado" ("Thelma and Louise"), por la cual ambas actrices recibieron merecidas nominaciones en la terna a la Mejor Actriz de 1991 y aunque no ganaron la estatuilla sí lo consiguió la guionista del filem Callie Khouri.
En 1992 Geena Davis forma parte de una de las cintas más taquilleras de la temporada veraniega de aquel año curiosamente como la suplente del personaje protagónico femenino que originalmente iba a intepretar la actriz Debra Winger en "Un equipo muy especial" ("A league of their own"), de la realizadora Penny Marshall, la historia del primer equipo oficial de beisbol de mujeres en la Unión Americana donde compartió créditos con otro ganador del Oscar como Tom Hanks, la cantante Madonna y otros más.
En 1994 la Davis combina otra cinta dirigida por otra mujer como Martha Coolidge titulada "Angie" con uan comedia romántica titulada en español por incluir un tema intepretado por el cantante Luis Miguel "No sé tú" ("Speechless") donde volvió a reunirse en la pantalla con el intérprete de "Beetlejuice", Michael Keaton, pero es en 1995 cuando al protagonizar la superproducción "La pirata" ("Cuttthroat island"), de su entonces prometido Renny Harlin, que muchos consideran "cavó su tumba" como actriz al volcar sus dotes histriónicos hacia un género eminentemente de acción.
Bajo esa tendencia fue que en 1996 realiza bajo la dirección de su ya esposo Harlin "Memoria explosiva" ("The last kiss goodnight"), que como curiosidad además de protagonizar junto al nominado al Oscar Samuel L. Jackson estuvo basada en el guión con la venta más alta hasta ese momento por parte del escritor Shane Black (autor, entre otras, de la original "Arma mortal"), y ya separada de él le da un "instinto maternal" que explota al máximo en la cinta de corte familiar "Stuart Little", de 1999, como "la mamá" de un ratoncito virtual que propició la realización de dos cintas más, la más reciente estrenada en directo al video en 2005.
Cuando muchos creían "perdida" a la actriz "resurgió" en la pantalla chica como la protagonista de la teleserie que bajo el título de "Commander in chief", en 2006, su papel de presidenta del país más poderoso del mundo le dio un merecido Globo de Oro a la Mejor Actriz de Serie Dramática para este 2011 protagonizar una muy anticipada película para televisión titulada "Exit 21". ¡Felicidades y que sigan los éxitos!
Con este filme prácticamente Geena Davis cerraba "con broche de oro" una década en la que se inició en el Séptimo Arte con el pie derecho al debutar en la industria hollywoodense en un fugaz papel de la película "Tootise", de Sydney Pollack, compartiendo créditos con los ganadores de la estatuilla Dustin Hoffman y Jessica Lange. Sin embargo, cuando en realidad los cinéfilso del mundo comenzamos a saber de ella fue al protagonizar con quien posteriormente sería también su pareja sentimental, el actor Jeff Goldblum, el exitoso remake de 1986 realizado por el maestro canadiense David Cronenberfg del clásico de 1958 "La mosca" ("The fly").
Ese status adquirido de manera instantánea como "dama joven" fue el que convenció al entonces néofito realizador Tim Burton para su primer gran proyecto del cine industrial norteamericano que fue "Beetlejuice: El superfantasma", filme hoy considerado de culto que protagonizó Geena Davis junto a primeros actores como Michael Keaton, Alec Baldwin y Winona Ryder, entre otros más, en 1988.
Precisamente gracias a que en el mismo año de 1988 Geena Davis combinó de manera muy inteligente el cine comercial en el que trabajó con "Beetlejuice" con uno más artístico como sucedió con "Un tropiezo llamado amor" fue que el director de origen británico Ridley Scott la considerara la excelente opción en mancuerna con otra primera actriz como Susan Sarandon para el clásico de corte eminentemente feminista "Un final inesperado" ("Thelma and Louise"), por la cual ambas actrices recibieron merecidas nominaciones en la terna a la Mejor Actriz de 1991 y aunque no ganaron la estatuilla sí lo consiguió la guionista del filem Callie Khouri.
En 1992 Geena Davis forma parte de una de las cintas más taquilleras de la temporada veraniega de aquel año curiosamente como la suplente del personaje protagónico femenino que originalmente iba a intepretar la actriz Debra Winger en "Un equipo muy especial" ("A league of their own"), de la realizadora Penny Marshall, la historia del primer equipo oficial de beisbol de mujeres en la Unión Americana donde compartió créditos con otro ganador del Oscar como Tom Hanks, la cantante Madonna y otros más.
En 1994 la Davis combina otra cinta dirigida por otra mujer como Martha Coolidge titulada "Angie" con uan comedia romántica titulada en español por incluir un tema intepretado por el cantante Luis Miguel "No sé tú" ("Speechless") donde volvió a reunirse en la pantalla con el intérprete de "Beetlejuice", Michael Keaton, pero es en 1995 cuando al protagonizar la superproducción "La pirata" ("Cuttthroat island"), de su entonces prometido Renny Harlin, que muchos consideran "cavó su tumba" como actriz al volcar sus dotes histriónicos hacia un género eminentemente de acción.
Bajo esa tendencia fue que en 1996 realiza bajo la dirección de su ya esposo Harlin "Memoria explosiva" ("The last kiss goodnight"), que como curiosidad además de protagonizar junto al nominado al Oscar Samuel L. Jackson estuvo basada en el guión con la venta más alta hasta ese momento por parte del escritor Shane Black (autor, entre otras, de la original "Arma mortal"), y ya separada de él le da un "instinto maternal" que explota al máximo en la cinta de corte familiar "Stuart Little", de 1999, como "la mamá" de un ratoncito virtual que propició la realización de dos cintas más, la más reciente estrenada en directo al video en 2005.
Cuando muchos creían "perdida" a la actriz "resurgió" en la pantalla chica como la protagonista de la teleserie que bajo el título de "Commander in chief", en 2006, su papel de presidenta del país más poderoso del mundo le dio un merecido Globo de Oro a la Mejor Actriz de Serie Dramática para este 2011 protagonizar una muy anticipada película para televisión titulada "Exit 21". ¡Felicidades y que sigan los éxitos!
Un día como hoy pero de hace 65 años nació uno de los más vanguardistas cineastas norteamericanos: David Lynch. Su nombre es sinónimo de un cine que no es para todos los gustos, pero que hasta los académicos de su país no hay podido dejar de aplaudir y nominar por lo menos en tres ocasiones al Oscar en la categoría de Mejor Director, mientras que en el resto del mundo ha tenido igualmente merecidos reconocimientos como el haber ganado dos veces la Palma de Oro a la Mejor Película tanto de 1990 por "Salvaje de corazón", protagonizada por Nicolas Cage y Laura Dern, como en 1999 por "Una historia sencilla" ("The straight story"), y una tercera vez la de Mejor Director del año 2001 por "Mullholland Drive".
Su carrera de éxitos se remonta justo a su ópera prima de 1977 que bajo el título de "Eraserhead", una cinta experimental en la que reflejó de alguna forma el haber sido criado por un padre científico (es la historia de un hombre que tiene un hijo mutante) que hoy es un clásico de culto y cuyo estilo curiosamente llamó la atención de un maestro de la comedia como el actor, guionista y productor Mel Brooks quien contrató a Lynch a pesar de que muchos lo criticaron a Lynch para dirigir a su hoy desaparecida esposa Anne Bancroft en la que vendría a ser la primera cinta por la que el realizador fue nominado en la categoría al Mejor Director de 1980 por su excelente desempeño al contar la historia real de "El Hombre Elefante".
Aunque la película fue a su vez agraciada con la nominación a la estatuilla en otras siete categorías incluyendo la de Mejor Película y no ganó ninguna, es también hoy considerada un clásico que a su vez catapultó a Lynch a "las grandes ligas" de la Meca del Cine y por lo mismo fue contratado para dirigir un ambicioso proyecto de ciencia ficción como lo fue "Dunas", de 1984, la cual entre otras cosas lo trajo a filmar a los Estudios Churubusco de la Ciudad de México para dirigir al cantante Sting y otras caras conocidas (entre ellas la del conductor de televisión mexicano Ernesto Laguardia) pero resultó en un gran fracaso que orilló prácticamente a Lynch a regresar al cine independiente en el que se inició con "Eraserhead" casi una década atrás.
Su decisión fue por demás acertada puesto que así fue como nos brindó una de las mejores cintas norteamericanos de los años 80, "Terciopelo azul" ("Blue velvet"), una película cuyo inicio del hallazgo de una oreja rajada en el patio de una hermosa vivienda de un pueblo de los Estados Unidos de los años 50 es de los mejores de los filmes realizados en el mundo en el siglo XX y eso aunado al resto de la desconcertante pero loable trama es que justificó que fuera su segunda obra nominada en la categoría de Mejor Director en el año de 1986. La cinta además consolidó su relación laboral con un par de sus actores "fetiches" empezando con el protagonista masculino Kyle MacLachlan, con quien ya había trabajado previamente en "Dunas", así como con Laura Dern, con quien hasta la fecha todavía trabajaría en dos cintas más.
Como dijimos anteriormente, el maestro Lynch inició con el pie derecho la década de los 90 primero al ganar la Palma de Oro a la Mejor Película con "Salvaje de corazón", una fusión bizarra de película de Elvis Presley con "El Mago de Oz" teniendo a los también mencionados Nicolas Cage y Laura Dern como protagonistas, y después al producir y dirigir la serie televisiva de culto "Twin Peaks" que tuvo a su actor fetiche Kyle Maclachlan como protagonista y que prácticamente "lo obligó" a hacer una versión cinematográfica de la misma en 1992 titulada "Twin Peaks: Fire walk with me".
De 1996 es una de sus películas más amadas pero también odiadas por sus fans titulada en español "En el lado oscuro del camino" ("Lost highway"), que se destacó primero por haber tenido al controvertido actor Robert Blake (recordado por el clásico "A sangre fría", de Richard Brooks ó la serie de TV "Baretta") en una caracterización espeluznante pero también por haber invitado a colaborar junto a su músico "de cabecera" Angelo Badalameti al hoy ganador del Globo de Oro por su score de "La red social", Trent Reznor, con un tema musical de su banda Nine Inch Nails titulado "The Perfect Drug".
El nuevo milenio lo inicia Lynch con su tercera cinta de galardones y nominaciones que fue "Mullholand Drive", de 2001, que además de darle la Palma de Oro como Mejor Director de aquel año le dio su tercera nominación en esa misma terna en la estatuilla dorada le dio su primer gran papel a la actriz de origen australiano Naomi Watts así como a la actriz de origen hispano Laura Herring. El más reciente largometraje de Lynch hasta la fecha es un platillo de lujo para sus seguidores bajo el título de "Inland empire", filme que la volvió a reunir en 2006 con una de sus actrices "fetiche" de años anteriores Laura Dern. Felicidades y que sigan los éxitos (¡Ya estamos esperando la que sigue de su "imperio de lo bizarro"!).
Su carrera de éxitos se remonta justo a su ópera prima de 1977 que bajo el título de "Eraserhead", una cinta experimental en la que reflejó de alguna forma el haber sido criado por un padre científico (es la historia de un hombre que tiene un hijo mutante) que hoy es un clásico de culto y cuyo estilo curiosamente llamó la atención de un maestro de la comedia como el actor, guionista y productor Mel Brooks quien contrató a Lynch a pesar de que muchos lo criticaron a Lynch para dirigir a su hoy desaparecida esposa Anne Bancroft en la que vendría a ser la primera cinta por la que el realizador fue nominado en la categoría al Mejor Director de 1980 por su excelente desempeño al contar la historia real de "El Hombre Elefante".
Aunque la película fue a su vez agraciada con la nominación a la estatuilla en otras siete categorías incluyendo la de Mejor Película y no ganó ninguna, es también hoy considerada un clásico que a su vez catapultó a Lynch a "las grandes ligas" de la Meca del Cine y por lo mismo fue contratado para dirigir un ambicioso proyecto de ciencia ficción como lo fue "Dunas", de 1984, la cual entre otras cosas lo trajo a filmar a los Estudios Churubusco de la Ciudad de México para dirigir al cantante Sting y otras caras conocidas (entre ellas la del conductor de televisión mexicano Ernesto Laguardia) pero resultó en un gran fracaso que orilló prácticamente a Lynch a regresar al cine independiente en el que se inició con "Eraserhead" casi una década atrás.
Su decisión fue por demás acertada puesto que así fue como nos brindó una de las mejores cintas norteamericanos de los años 80, "Terciopelo azul" ("Blue velvet"), una película cuyo inicio del hallazgo de una oreja rajada en el patio de una hermosa vivienda de un pueblo de los Estados Unidos de los años 50 es de los mejores de los filmes realizados en el mundo en el siglo XX y eso aunado al resto de la desconcertante pero loable trama es que justificó que fuera su segunda obra nominada en la categoría de Mejor Director en el año de 1986. La cinta además consolidó su relación laboral con un par de sus actores "fetiches" empezando con el protagonista masculino Kyle MacLachlan, con quien ya había trabajado previamente en "Dunas", así como con Laura Dern, con quien hasta la fecha todavía trabajaría en dos cintas más.
Como dijimos anteriormente, el maestro Lynch inició con el pie derecho la década de los 90 primero al ganar la Palma de Oro a la Mejor Película con "Salvaje de corazón", una fusión bizarra de película de Elvis Presley con "El Mago de Oz" teniendo a los también mencionados Nicolas Cage y Laura Dern como protagonistas, y después al producir y dirigir la serie televisiva de culto "Twin Peaks" que tuvo a su actor fetiche Kyle Maclachlan como protagonista y que prácticamente "lo obligó" a hacer una versión cinematográfica de la misma en 1992 titulada "Twin Peaks: Fire walk with me".
De 1996 es una de sus películas más amadas pero también odiadas por sus fans titulada en español "En el lado oscuro del camino" ("Lost highway"), que se destacó primero por haber tenido al controvertido actor Robert Blake (recordado por el clásico "A sangre fría", de Richard Brooks ó la serie de TV "Baretta") en una caracterización espeluznante pero también por haber invitado a colaborar junto a su músico "de cabecera" Angelo Badalameti al hoy ganador del Globo de Oro por su score de "La red social", Trent Reznor, con un tema musical de su banda Nine Inch Nails titulado "The Perfect Drug".
El nuevo milenio lo inicia Lynch con su tercera cinta de galardones y nominaciones que fue "Mullholand Drive", de 2001, que además de darle la Palma de Oro como Mejor Director de aquel año le dio su tercera nominación en esa misma terna en la estatuilla dorada le dio su primer gran papel a la actriz de origen australiano Naomi Watts así como a la actriz de origen hispano Laura Herring. El más reciente largometraje de Lynch hasta la fecha es un platillo de lujo para sus seguidores bajo el título de "Inland empire", filme que la volvió a reunir en 2006 con una de sus actrices "fetiche" de años anteriores Laura Dern. Felicidades y que sigan los éxitos (¡Ya estamos esperando la que sigue de su "imperio de lo bizarro"!).
Un día como hoy pero del año de 1906 nació uno de los más prolíficos e influyentes cineastas del cine mexicano: Don Gilberto Martínez Solares. Y es que su nombre se asocia a por lo menos dos docenas de los más importantes títulos de la filmografía del clásico pachuco del cine nacional, Germán Valdés "Tin Tan", de quien así como Cantinflas tuvo como su mayor guía en la dirección de la mayor parte de sus películas a Miguel M. Delgado bien podríamos asegurar que en una equivalencia similar Martínez Solares bien podría ser considerado "el padre cinematográfico" de Tin Tán.
De su vasta filmografía podemos destacar su ópera prima de "El señor alcalde", de 1938, protagonizada por la diva del cine Andrea Palma y Alberto Galán; "Resurrección", de 1943, protagonizada por la hoy actriz centenaria Lupita Tovar y en la cual debutó en el cine la primera actriz Carmen Montejo; "La señora de enfrente", de 1945, con Sara García, Rafael Baledón y Carmen Montejo; la clásica comedia "La familia Pérez", con Sara García; Joaquín Pardavé y la actriz coahuilense Beatriz Aguirre, de 1948, y a partir de "Calabacitas tiernas", del mismo año y la primera en la que dirigió a Tin Tán al lado de Rosita Quintana, una serie de títulos memorables que hizo con el actor.
Entre algunos de esos títulos podemos destacar: ""No me defiendas compadre" y "El rey del barrio", de 1949; "La marca del zorrillo", "Simbad el mareado" y "¡Ay amor, cómo me has puesto!", de 1950; "El revoltoso", "El ceniciento", "Chucho el remendado" y "Las locuras de Tin Tan", de 1951; "El bello durmiente" y "Me traes de un ala", de 1952; "El mariachi desconocido/Tin Tan en La Habana", de 1953; "Los líos de Barba Azul", "El sultán descalzo" y "El vizconde de Montecristo", de 1954; "Lo que le pasó a Sansón" y "El vividor", de 1955; "Los tres mosqueteros y medio", de 1956; "Una estrella y dos estrellados", de 1959; "El violetero", de 1960; "Tintansón Crusoe", de 1964; "El ángel y yo", de 1966; "Chanoc en las garras de las fieras", de 1970 y "Chanoc contra el tigre y el vampiro", de 1972, su última colaboración con el actor.
Como a partir de 1970 Don Gilberto ya había iniciado una buena colaboración con otro reconocido comediante del cine como Gaspar Henaine "Capulina" a partir de la cinta "El metiche", remake de "El revoltoso", con Tin Tán, fallecido Germán Valdés el director siguió trabajando con Capulina en títulos como "El carita" y "El investigador Capulina", en 1973; ""El guía de turistas", de 1974; "Capulina chisme caliente", de 1975 y "El circo de Capulina", de 1977, filmada en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, entre otras.
Los años 70 los termina Don Gilberto dirigiendo a María Elena Velasco "La India María", en la cinta "OK Mister Pancho", de 1979 e inicia los 80 con otra colaboración con la actriz en el filme "El que no corre vuela" para el resto de la década enfocarse en películas olvidables del género de los albures como "El vecindario", "El día de los albañiles" y "El ratero de la vecindad", así como sus correspondientes secuelas. Su última película fue "La mujer de los dos", de 1996, un vechículo protagónico para el grupo musical Los Temerarios. Fallece el 18 de enero de 1997 en la Ciudad de México a un día de cumplir 91 años de edad.
De su vasta filmografía podemos destacar su ópera prima de "El señor alcalde", de 1938, protagonizada por la diva del cine Andrea Palma y Alberto Galán; "Resurrección", de 1943, protagonizada por la hoy actriz centenaria Lupita Tovar y en la cual debutó en el cine la primera actriz Carmen Montejo; "La señora de enfrente", de 1945, con Sara García, Rafael Baledón y Carmen Montejo; la clásica comedia "La familia Pérez", con Sara García; Joaquín Pardavé y la actriz coahuilense Beatriz Aguirre, de 1948, y a partir de "Calabacitas tiernas", del mismo año y la primera en la que dirigió a Tin Tán al lado de Rosita Quintana, una serie de títulos memorables que hizo con el actor.
Entre algunos de esos títulos podemos destacar: ""No me defiendas compadre" y "El rey del barrio", de 1949; "La marca del zorrillo", "Simbad el mareado" y "¡Ay amor, cómo me has puesto!", de 1950; "El revoltoso", "El ceniciento", "Chucho el remendado" y "Las locuras de Tin Tan", de 1951; "El bello durmiente" y "Me traes de un ala", de 1952; "El mariachi desconocido/Tin Tan en La Habana", de 1953; "Los líos de Barba Azul", "El sultán descalzo" y "El vizconde de Montecristo", de 1954; "Lo que le pasó a Sansón" y "El vividor", de 1955; "Los tres mosqueteros y medio", de 1956; "Una estrella y dos estrellados", de 1959; "El violetero", de 1960; "Tintansón Crusoe", de 1964; "El ángel y yo", de 1966; "Chanoc en las garras de las fieras", de 1970 y "Chanoc contra el tigre y el vampiro", de 1972, su última colaboración con el actor.
Como a partir de 1970 Don Gilberto ya había iniciado una buena colaboración con otro reconocido comediante del cine como Gaspar Henaine "Capulina" a partir de la cinta "El metiche", remake de "El revoltoso", con Tin Tán, fallecido Germán Valdés el director siguió trabajando con Capulina en títulos como "El carita" y "El investigador Capulina", en 1973; ""El guía de turistas", de 1974; "Capulina chisme caliente", de 1975 y "El circo de Capulina", de 1977, filmada en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, entre otras.
Los años 70 los termina Don Gilberto dirigiendo a María Elena Velasco "La India María", en la cinta "OK Mister Pancho", de 1979 e inicia los 80 con otra colaboración con la actriz en el filme "El que no corre vuela" para el resto de la década enfocarse en películas olvidables del género de los albures como "El vecindario", "El día de los albañiles" y "El ratero de la vecindad", así como sus correspondientes secuelas. Su última película fue "La mujer de los dos", de 1996, un vechículo protagónico para el grupo musical Los Temerarios. Fallece el 18 de enero de 1997 en la Ciudad de México a un día de cumplir 91 años de edad.
Un día como hoy pero hace 86 años nació en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, una mujer que fue bautizada como María Cristina Estrella Marcela Jurado pero el cine conoció como Katy Jurado, y que fue pionera de los premios y reconocimientos en la Meca del Cine puesto que en 1952 se convirtió en la primera mexicana en ganar el Globo de Oro de Hollywood y dos años después en la primera actriz mexicana en ser nominada a un Oscar.
El camino de Katy al alcanzar estos honores se remonta al año de 1943, cuando compartiendo créditos con la actriz Sara García, Emilio Tuero y su contemporánea Carmen Montejo debuta en el cine mexicano con la película "No matarás", del maestro Chano Urueta, a la cual siguen clásicos que van de "La vida inútil de Pito Pérez", de Miguel Contrereas Torres, en 1944, al lado del comediante Manuel Medel, hasta "Nosotros los pobres", en 1947, bajo la dirección de otro maestro como Ismael Rodríguez en donde en el papel de "la que se levanta tarde" formó parte de un elenco donde destacaron Pedro Infante, Blanca Estela Pavón y otra vez su compañera en "No matarás", Carmen Montejo, entre otros más.
La faceta que pocos conocen de Katy es que alternando su carrera como actriz, y para mantener a una familia venida a menos cuando el gobierno expropió varias de sus tierras en Jalisco, ella escribía una columna sobre cine y era reportera en la radio, oficio que más que su trabajo en la pantalla grande fue lo que primeramente la acercó a la industria de cine hollywoodense gracias a que conoció al actor John Wayne en el camino y el director Budd Boetticher quien la llamó para actuar en el año de 1951 haciendo el papel de la esposa de un torero venido a menos en la película "Bullfigther and a lady", y de esta participación fue de donde hiló la cinta que le daría el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto en 1952 gracias a su papel de la amante previa del héroe que interpretó el ganador del Oscar Gary Cooper en el clásico western del maestro Fred Zinneman "A la hora señalada"("High noon").
A partir de ese año fue que Katy Jurado combinó su carrera fílmica tanto en México como en Estados Unidos, y así fue como después de su Globo de Oro ganó su primer Ariel en la categoría de Mejor Coactuación Femenina por el trabajo que realizó bajo la dirección de otro maestro como el español Luis Buñuel en el clásico "El bruto", de 1952, al lado del primer actor Pedro Armendáriz, y tan pronto como en el año de 1954 bajo la dirección de Edward Dmytryk y el papel de la esposa indígena de otro ganador del Oscar como Spencer Tracy obtuvo una nominación al Oscar como Mejor Actriz Secundaria por el western "Broken lance", lo cual la convirtió automáticamente en la primera actriz mexicana en ser nominada a la prestigiada estatuilla muchos años antes de compatriotas suyas como Salma Hayek ó Adriana Barraza.
El año de 1958 marcó la vida de Katy Jurado en el plano profesional personal como profesional puesto que en el set de otro western hollywoodense titulado "The Badlanders", bajo la dirección de Delmes Daves, compartió créditos con otro ganador del Oscar como el actor Ernest Borgnine, quien deslumbrado por la belleza y porte de la mexicana la hizo su esposa al año siguiente.
Luego de una relación tempestuosa que terminó en un sonado divorcio en 1961 la pareja se separó pero para fortuna de Katy su carrera siguió viento en popa puesto que el primer actor Marlon Brando la mandó llamar para su ópera prima como director de aquel mismo año que se tituló en español "Un rostro impenetrable" ("One eyed jacks"), la cual Brando también protagonizó y en la que la señora Jurado interpretó a la esposa de otro ganador del Oscar con quien Brando había compartido créditos en "Un tranvía llamado deseo", Karl Malden, y madre de otra mexicana en ascenso como la malograda Pina Pellicer.
En 1962 compartió créditos con su compatriota Anthony Quinn en el clásico "Barrabás", de Richard Fleischer, con quien ya en México a finales de los años 70 volvió a actuar en la coproducción "Los hijos de Sánchez", de Hal Bartlett, en 1978, última película en la filmografía de la diva mexicana Dolores del Río y teniendo en el elenco a otros primeros actores como Ignacio López Tarso, Carmen Montejo y otros más.
Sin embargo, Katy Jurado no terminó la década de los 70 sin volver a ganar reconocimientos por su trabajo actoral, ya que en el año de 1972 por su magistral interpretación de una madre de vecindad que se enfrenta a la burocracia mexicana ganó su primer y único Ariel como Mejor Actriz por el episodio "Caridad", dirigido por Jorge Fons, del compilado de tres cortos titulado "Fé, esperanza y caridad", al tiempo que en la meca del cine seguía trabajando bajo las órdenes de maestros como Sam Peckinpah en el clásico western de 1973 "Pat Garret y Billy the Kid", donde es clásica la escena donde teniendo como fondo el clásico tema de "Knockin on heaven's door" del cantante Bob Dylan (quien también actuaba en al cinta) el personaje de Katy Jurado llora frente a un río.
Los años 80 los inicia Katy Jurado bajo las órdenes del prestigiado director Arturo Ripstein, cuando en 1980 filma "La seducción" donde interpretó a la madre del personaje de la actriz Viridiana Alatriste y que fuera su primera colaboración con el director que le diera a ganar su segundo Ariel en la categoría de Mejor Coactuación Femenina de 1998 por su papel de la matriarca de una secta religiosa llamada Mamá Dorita en "El evangelio de las maravillas". De los años 80 destaca en su filmografía otra participación en el cine norteamericano en la adaptación al cine de la clásica novela de Malcolm Lowry "Bajo el volcán", bajo la dirección del destacado realizador John Huston en 1984.
Los años 90 representan la incursión de Katy Jurado en la televisión en el papel de la madre del actor Omar Fierro en el serial "Más allá del puente", de 1993, bajo la producción de Carla Estrada, productora que la volvió a requerir en 1997 para su exitosa telenovela "Te sigo amando", protagonizada por la actriz Cluaida Ramírez y el actor venezolano Luis José Santander, pero que destacó principalmente por haber interpretado a la nada Justina del villano que interpretó el actor Sergio Goyri y que la volvió a reunir en su reparto con la también primera actriz Carmen Montejo, la actriz de origen saltillense Magda Guzmán y María Rojo, entre otras más.
La última participación en el cine hollywoodense de la señora Jurado fue en el año de 1998 en otro western titulado "The Hi Lo Country", bajo la dirección del británico Stephen Frears ("Relaciones peligrosas"; "La reina") en la que compartió créditos con el nominado al Oscar Woody Harrelson y la ganadora Penélope Cruz, y principios del nuevo milenio Katy Jurado al ser requerida por el director mexicano Leopoldo Laborde para el papel protagónico de "Un secreto de Esperanza" en el año 2002 no sólo consiguió uno de los mejores trabajos histriónicos de la actriz sino un último reconocimiento en este caso póstumo como Mejor Actriz del Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2003 y en la que dio "la patadita de la suerte" a nóbeles actores del cine como Imanol Landeta y la veracruzana Ana de la Reguera. Muchas felicidades y gracias por este legado grandiosa Katy.
El camino de Katy al alcanzar estos honores se remonta al año de 1943, cuando compartiendo créditos con la actriz Sara García, Emilio Tuero y su contemporánea Carmen Montejo debuta en el cine mexicano con la película "No matarás", del maestro Chano Urueta, a la cual siguen clásicos que van de "La vida inútil de Pito Pérez", de Miguel Contrereas Torres, en 1944, al lado del comediante Manuel Medel, hasta "Nosotros los pobres", en 1947, bajo la dirección de otro maestro como Ismael Rodríguez en donde en el papel de "la que se levanta tarde" formó parte de un elenco donde destacaron Pedro Infante, Blanca Estela Pavón y otra vez su compañera en "No matarás", Carmen Montejo, entre otros más.
La faceta que pocos conocen de Katy es que alternando su carrera como actriz, y para mantener a una familia venida a menos cuando el gobierno expropió varias de sus tierras en Jalisco, ella escribía una columna sobre cine y era reportera en la radio, oficio que más que su trabajo en la pantalla grande fue lo que primeramente la acercó a la industria de cine hollywoodense gracias a que conoció al actor John Wayne en el camino y el director Budd Boetticher quien la llamó para actuar en el año de 1951 haciendo el papel de la esposa de un torero venido a menos en la película "Bullfigther and a lady", y de esta participación fue de donde hiló la cinta que le daría el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto en 1952 gracias a su papel de la amante previa del héroe que interpretó el ganador del Oscar Gary Cooper en el clásico western del maestro Fred Zinneman "A la hora señalada"("High noon").
A partir de ese año fue que Katy Jurado combinó su carrera fílmica tanto en México como en Estados Unidos, y así fue como después de su Globo de Oro ganó su primer Ariel en la categoría de Mejor Coactuación Femenina por el trabajo que realizó bajo la dirección de otro maestro como el español Luis Buñuel en el clásico "El bruto", de 1952, al lado del primer actor Pedro Armendáriz, y tan pronto como en el año de 1954 bajo la dirección de Edward Dmytryk y el papel de la esposa indígena de otro ganador del Oscar como Spencer Tracy obtuvo una nominación al Oscar como Mejor Actriz Secundaria por el western "Broken lance", lo cual la convirtió automáticamente en la primera actriz mexicana en ser nominada a la prestigiada estatuilla muchos años antes de compatriotas suyas como Salma Hayek ó Adriana Barraza.
El año de 1958 marcó la vida de Katy Jurado en el plano profesional personal como profesional puesto que en el set de otro western hollywoodense titulado "The Badlanders", bajo la dirección de Delmes Daves, compartió créditos con otro ganador del Oscar como el actor Ernest Borgnine, quien deslumbrado por la belleza y porte de la mexicana la hizo su esposa al año siguiente.
Luego de una relación tempestuosa que terminó en un sonado divorcio en 1961 la pareja se separó pero para fortuna de Katy su carrera siguió viento en popa puesto que el primer actor Marlon Brando la mandó llamar para su ópera prima como director de aquel mismo año que se tituló en español "Un rostro impenetrable" ("One eyed jacks"), la cual Brando también protagonizó y en la que la señora Jurado interpretó a la esposa de otro ganador del Oscar con quien Brando había compartido créditos en "Un tranvía llamado deseo", Karl Malden, y madre de otra mexicana en ascenso como la malograda Pina Pellicer.
En 1962 compartió créditos con su compatriota Anthony Quinn en el clásico "Barrabás", de Richard Fleischer, con quien ya en México a finales de los años 70 volvió a actuar en la coproducción "Los hijos de Sánchez", de Hal Bartlett, en 1978, última película en la filmografía de la diva mexicana Dolores del Río y teniendo en el elenco a otros primeros actores como Ignacio López Tarso, Carmen Montejo y otros más.
Sin embargo, Katy Jurado no terminó la década de los 70 sin volver a ganar reconocimientos por su trabajo actoral, ya que en el año de 1972 por su magistral interpretación de una madre de vecindad que se enfrenta a la burocracia mexicana ganó su primer y único Ariel como Mejor Actriz por el episodio "Caridad", dirigido por Jorge Fons, del compilado de tres cortos titulado "Fé, esperanza y caridad", al tiempo que en la meca del cine seguía trabajando bajo las órdenes de maestros como Sam Peckinpah en el clásico western de 1973 "Pat Garret y Billy the Kid", donde es clásica la escena donde teniendo como fondo el clásico tema de "Knockin on heaven's door" del cantante Bob Dylan (quien también actuaba en al cinta) el personaje de Katy Jurado llora frente a un río.
Los años 80 los inicia Katy Jurado bajo las órdenes del prestigiado director Arturo Ripstein, cuando en 1980 filma "La seducción" donde interpretó a la madre del personaje de la actriz Viridiana Alatriste y que fuera su primera colaboración con el director que le diera a ganar su segundo Ariel en la categoría de Mejor Coactuación Femenina de 1998 por su papel de la matriarca de una secta religiosa llamada Mamá Dorita en "El evangelio de las maravillas". De los años 80 destaca en su filmografía otra participación en el cine norteamericano en la adaptación al cine de la clásica novela de Malcolm Lowry "Bajo el volcán", bajo la dirección del destacado realizador John Huston en 1984.
Los años 90 representan la incursión de Katy Jurado en la televisión en el papel de la madre del actor Omar Fierro en el serial "Más allá del puente", de 1993, bajo la producción de Carla Estrada, productora que la volvió a requerir en 1997 para su exitosa telenovela "Te sigo amando", protagonizada por la actriz Cluaida Ramírez y el actor venezolano Luis José Santander, pero que destacó principalmente por haber interpretado a la nada Justina del villano que interpretó el actor Sergio Goyri y que la volvió a reunir en su reparto con la también primera actriz Carmen Montejo, la actriz de origen saltillense Magda Guzmán y María Rojo, entre otras más.
La última participación en el cine hollywoodense de la señora Jurado fue en el año de 1998 en otro western titulado "The Hi Lo Country", bajo la dirección del británico Stephen Frears ("Relaciones peligrosas"; "La reina") en la que compartió créditos con el nominado al Oscar Woody Harrelson y la ganadora Penélope Cruz, y principios del nuevo milenio Katy Jurado al ser requerida por el director mexicano Leopoldo Laborde para el papel protagónico de "Un secreto de Esperanza" en el año 2002 no sólo consiguió uno de los mejores trabajos histriónicos de la actriz sino un último reconocimiento en este caso póstumo como Mejor Actriz del Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2003 y en la que dio "la patadita de la suerte" a nóbeles actores del cine como Imanol Landeta y la veracruzana Ana de la Reguera. Muchas felicidades y gracias por este legado grandiosa Katy.
Este fin de semana además del estreno nacional de nuestra recomendación de “Los Próximos Tres Días”, de Paul Haggis, llega como con “Tron” otra esperada secuela.
Ésta se trata de la tercera entrega (y con el resultado final esperamos que sea la última) de una serie de películas del género de comedia iniciada justo hace una década con la muy simpática película “La Familia de mi Novia” y seguida de manera regular en 2004 con “La Familia de mi Esposo”.
Sin embargo, haciendo justo honor a su título, ahora sí exacto tanto en inglés como en español de “Los Pequeños Focker”, esta cinta dirigida por el irregular realizador de ascendencia mexicana Paul Weitz (su abuela es la actriz de origen oaxaqueño Lupita Tovar) es la menor de las tres películas en cuestión, ya que lo que inició con el hasta cierto punto natural recelo de un padre (Robert De Niro) ante el prometido de su hija (Ben Stiller), además enfermero y con un apellido muy particular en inglés, seguida por el encuentro con la no menos peculiar y extravagante familia de él para la boda de la pareja, termina siendo aquí de manera literal ¡un juego de niños!
“Los Pequeños Focker” inicia precisamente con los preparativos para la fiesta de cumpleaños de los gemelos de la pareja Focker, alrededor de los cuales el padre de la hoy mamá, Jack Byrnes (Robert De Niro), se encuentra en medio de la recopilación de información para el árbol genealógico de su familia; su yerno se ve involucrado en el asunto y el meollo es la promoción de un nuevo medicamento equivalente al viagra para los adultos mayores denominado Sustengo. En ese contexto es en el que Jack, en su afán por comprobar, después de sufrir un infarto, que cuando él falte su legado pueda ser continuado por el correcto “padrino” de sus descendientes, en este caso su yerno Greg Focker, que no sólo se ve expuesto a peligros serios por accidentalmente ser “conejillo de indias” del medicamento, sino a poner en peligro el venidero festejo familiar al ver el acoso de la sensual enfermera.
Con todos estos antecedentes, podemos entender el porqué a falta del involucramiento tras las cámaras del director inglés Jay Roach, como sucediera en las dos cintas anteriores,“Los Pequeños Focker” a lo más que llega es al nivel de “American Pie” (la primera cinta que Paul Weitz dirigió) con la mayor pena para primeros actores, no sólo como los ganadores del Oscar Barbra Streisand o Dustin Hoffman, sino Robert De Niro y Harvey Keitel, quienes aquí comparten un “duelo de actuaciones” que en nada se parece al que alguna vez hicieron dirigidos por Scorsese en “Calles Peligrosas” o “Taxi Driver”.
Comentarios: alfredogalindo@hotmail.com
Ésta se trata de la tercera entrega (y con el resultado final esperamos que sea la última) de una serie de películas del género de comedia iniciada justo hace una década con la muy simpática película “La Familia de mi Novia” y seguida de manera regular en 2004 con “La Familia de mi Esposo”.
Sin embargo, haciendo justo honor a su título, ahora sí exacto tanto en inglés como en español de “Los Pequeños Focker”, esta cinta dirigida por el irregular realizador de ascendencia mexicana Paul Weitz (su abuela es la actriz de origen oaxaqueño Lupita Tovar) es la menor de las tres películas en cuestión, ya que lo que inició con el hasta cierto punto natural recelo de un padre (Robert De Niro) ante el prometido de su hija (Ben Stiller), además enfermero y con un apellido muy particular en inglés, seguida por el encuentro con la no menos peculiar y extravagante familia de él para la boda de la pareja, termina siendo aquí de manera literal ¡un juego de niños!
“Los Pequeños Focker” inicia precisamente con los preparativos para la fiesta de cumpleaños de los gemelos de la pareja Focker, alrededor de los cuales el padre de la hoy mamá, Jack Byrnes (Robert De Niro), se encuentra en medio de la recopilación de información para el árbol genealógico de su familia; su yerno se ve involucrado en el asunto y el meollo es la promoción de un nuevo medicamento equivalente al viagra para los adultos mayores denominado Sustengo. En ese contexto es en el que Jack, en su afán por comprobar, después de sufrir un infarto, que cuando él falte su legado pueda ser continuado por el correcto “padrino” de sus descendientes, en este caso su yerno Greg Focker, que no sólo se ve expuesto a peligros serios por accidentalmente ser “conejillo de indias” del medicamento, sino a poner en peligro el venidero festejo familiar al ver el acoso de la sensual enfermera.
Con todos estos antecedentes, podemos entender el porqué a falta del involucramiento tras las cámaras del director inglés Jay Roach, como sucediera en las dos cintas anteriores,“Los Pequeños Focker” a lo más que llega es al nivel de “American Pie” (la primera cinta que Paul Weitz dirigió) con la mayor pena para primeros actores, no sólo como los ganadores del Oscar Barbra Streisand o Dustin Hoffman, sino Robert De Niro y Harvey Keitel, quienes aquí comparten un “duelo de actuaciones” que en nada se parece al que alguna vez hicieron dirigidos por Scorsese en “Calles Peligrosas” o “Taxi Driver”.
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Luego de haber protagonizado la más reciente versión de “Robin Hood”, de Ridley Scott, el ganador del Oscar Russell Crowe vuelve a las salas de cine.
Esto como parte del estreno nacional de “Los Próximos tres Días”, la más reciente obra de Paul Haggis, ganador de dos Oscares consecutivos por los guiones originales tanto de “Golpes del Destino”, como de “Crash: Alto Impacto”, que él mismo dirigió con tan buen tino que se alzó por sobre la controvertida “Secreto en la Montaña” con su respectivo Oscar a la Mejor Película de aquel año.
En “Los Próximos tres Días” es precisamente su buen oficio como director el que a final de cuentas rescata una historia que curiosamente no es de su autoría sino basada en una exitosa cinta francesa de 2007 titulada “Pour Elle” que trasladada a la ciudad de Pittsburgh llega a caer en varias situaciones inverosímiles que la llevan a quedarse apenas unos pasos atrás del clásico contemporáneo que resultó ser la adaptación cinematográfica de la serie de TV “El Fugitivo”.
Es así como en esta cinta los primeros diez minutos de su trama enganchan eficazmente al espectador al mostrarnos por un lado al personaje de “John Brennan” (Russell Crowe) manejando desesperado salpicado de sangre un vehículo, intercortando a una cena con su esposa “Laura” (Elisabeth Banks) quien se torna sorpresivamente agresiva con otra pareja de amigos para a su llegada a su casa entre que descubrimos su enfermedad de diabética al inyectarse insulina en la pierna y que también se ha salpicado aún más de sangre el abrigo que portaba desde la salida de su trabajo, es detenida violentamente en su propio domicilio por la policía.
A partir de ahí la trama se va desenvolviendo para enteramos que este suceso ocurrió hace tres años cuando “Laura” fue acusada de haber asesinado a su jefa en el estacionamiento de su oficina y sentenciada a purgar una condena de 20 años de prisión, algo que a partir de que su abogado “Meyer Finks” (Daniel Stern) le dice a “John” no tendrá ningún resultado esperanzador puesto que todas las evidencias señalan a “Laura” como la culpable, “John” se propone con tal de sacar a la madre de su hijo y la mujer que ama de aquel encierro orquestar una fuga para el que se asesora inclusive con “Damon Pennington”, un ex convicto interpretado por el actor Liam Neeson cuyas fugas diversas lo llevaron a escribir un libro. Dicho todo esto, “Los Próximos tres Días” funciona para quienes gustaron, de la mencionada “El Fugitivo” y buscan un entretenimiento sin complicaciones en estos días de guardar.
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Esto como parte del estreno nacional de “Los Próximos tres Días”, la más reciente obra de Paul Haggis, ganador de dos Oscares consecutivos por los guiones originales tanto de “Golpes del Destino”, como de “Crash: Alto Impacto”, que él mismo dirigió con tan buen tino que se alzó por sobre la controvertida “Secreto en la Montaña” con su respectivo Oscar a la Mejor Película de aquel año.
En “Los Próximos tres Días” es precisamente su buen oficio como director el que a final de cuentas rescata una historia que curiosamente no es de su autoría sino basada en una exitosa cinta francesa de 2007 titulada “Pour Elle” que trasladada a la ciudad de Pittsburgh llega a caer en varias situaciones inverosímiles que la llevan a quedarse apenas unos pasos atrás del clásico contemporáneo que resultó ser la adaptación cinematográfica de la serie de TV “El Fugitivo”.
Es así como en esta cinta los primeros diez minutos de su trama enganchan eficazmente al espectador al mostrarnos por un lado al personaje de “John Brennan” (Russell Crowe) manejando desesperado salpicado de sangre un vehículo, intercortando a una cena con su esposa “Laura” (Elisabeth Banks) quien se torna sorpresivamente agresiva con otra pareja de amigos para a su llegada a su casa entre que descubrimos su enfermedad de diabética al inyectarse insulina en la pierna y que también se ha salpicado aún más de sangre el abrigo que portaba desde la salida de su trabajo, es detenida violentamente en su propio domicilio por la policía.
A partir de ahí la trama se va desenvolviendo para enteramos que este suceso ocurrió hace tres años cuando “Laura” fue acusada de haber asesinado a su jefa en el estacionamiento de su oficina y sentenciada a purgar una condena de 20 años de prisión, algo que a partir de que su abogado “Meyer Finks” (Daniel Stern) le dice a “John” no tendrá ningún resultado esperanzador puesto que todas las evidencias señalan a “Laura” como la culpable, “John” se propone con tal de sacar a la madre de su hijo y la mujer que ama de aquel encierro orquestar una fuga para el que se asesora inclusive con “Damon Pennington”, un ex convicto interpretado por el actor Liam Neeson cuyas fugas diversas lo llevaron a escribir un libro. Dicho todo esto, “Los Próximos tres Días” funciona para quienes gustaron, de la mencionada “El Fugitivo” y buscan un entretenimiento sin complicaciones en estos días de guardar.
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