About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
Un día como hoy pero de 1917 nace en la ciudad de Aguascalientes, Aguascalientes, Ernesto Ramírez Alonso, a quien el cine, el teatro y la televisión conocieron como el actor Ernesto Alonso. Y aunque es mejor conocido como ¨El Señor Telenovela¨ por haber sido uno de los pioneros del género tanto delante como detrás de la cámara de la pantalla chica, antes de ello dejó un vasto legado en el cine donde se inicia a principios de la década de los 40 como actor fetiche de uno de los grandes directores de la llamada Epoca de Oro, Don Julio Bracho, bajo cuyas órdenes trabajó en ¨Historia de un gran amor¨, al lado de Jorge Negrete, Gloria Marín y el actor saltillense Andrés Soler y ¨La virgen que forjó una patria¨, la única película protagonizada en México por el astro hollywoodense de origen duranguense, Ramón Novarro, ambas de 1942, para a mediados de la década, después de filmar la que sería la primera de varias películas que filmó al lado de su inseparable amiga María Félix que fue ¨El monje blanco¨, otra vez bajo las órdenes de Julio Bracho, en 1946, bajo la dirección de Emilio Gómez Muriel, se topa por primera vez en un set cinematográfico con la ya para entonces primera figura del cine, Carmen Montejo, en el thriller ¨Crimen en la alcoba¨, donde también actuaba el actor Rafael Baledón. Doña Carmen, en una de las varias oportunidades que tuvimos oportunidad de charlar en su casa de Polanco de la Ciudad de México (la misma colonia de la que fue su vecino Ernesto Alonso hasta el momento de su muerte en agosto de 2007 a los 90 años de edad) me confesó que en aquel tiempo Alonso se le declaró como novio ¨de manita sudada sobre todo¨, pero con el tiempo y las obligaciones laborales de cada uno lo que se mantuvo firme y a pesar de la distancia que pudiera haber fue su gran amistad. Así, luego de que el resto de la década de los 40 siguió trabajando como actor fetiche del maestro Bracho en más cintas protagonizadas por ¨La Doña¨ como ¨La mujer de todos¨, de 1946, ó su protagónico en ¨Felipe de Jesús¨, de 1949, para los años 50 mientras la Montejo ganaba su primer Ariel por ¨Mujeres sin mañana¨, de Tito Davison, en 1951, a partir de 1950 Alonso inicia una muy prolífica mancuerna con el renombrado cineasta de origen español, Luis Buñuel, a partir de que hace para él la narrción de ¨Los olvidados¨, de quien se convierte a partir de entonces en su actor fetiche al formar parte de la adaptación de Buñuel al clásico texto de Emily Bronté ¨Cumbres Borrascosas¨, que bajo el título de ¨Abismos de pasión¨ protagonizó Alonso al lado de figuras como la actriz brasileña Irasema Dilián y Jorge Mistral. y bajo cuyas órdenes obtiene la única nominación de su filmografía como Mejor Actor por el que fue sin lugar a dudas el mejor papel de su carrera cinematográfico, el de Archibaldo de la Cruz en el clásico ¨Ensayo de un crimen¨, de 1955, donde actuó al lado de la malograda actriz de origen checo Miroslava. A finales de los 80 se inicia con fuerza la televisión en México y Alonso es convocado a no sólo actuar sino dirigir una serie de melodramas seriados a partir de 1960 para los que convoca a primeras actrices como las españolas Amparo Rivelles y la misma Carmen Montejo quien hace junto a la Rivelles el papel de la villana de la historia de Caridad Bravo Adams titulada ¨Estafa de amor¨ y que en cine ya había protagonizado junto a otra primera actriz como Elsa Aguirre en 1955 donde en su caso Elsa Aguirre hizo el papel antagónico y la Montejo a la heroína. En 1963 Ernesto Alonso llama a otra primera actriz española como Ofelia Guilmáin a integrar el trío de primeras damas de la actuación que protagonizaron para la pantalla chica la adaptación del texto de humor negroque produce y dirige también junto a José Morris, ¨Doña Macabra¨; de 1963 es también otra producción de Ernesto Alonso que es ¨Destino¨, donde la señora Montejo actúa junto a otro primer actor como Rafael Banquells; de 1965 es ¨Secreto de ¨confesión¨, donde Carmen Montejo comparte créditos con otros primeros actores como Roberto Cañedo y Bertha Moss; de 1966 la producción de Alonso del serial ¨La razón de vivir¨ reúne a la Montejo con el actor Aldo Monti y la actriz de origen coahuilense Carmen Salinas, entre otros; de 1967 es el clásico ¨El juicio de los hijos¨, que otra producción de Alonso que protagoniza Carmen Montejo y la década de los 70 la inician de nueva cuenta la mancuerna de Amparo Rivelles y Carmen Montejo en una de las primeras telenovelas de larga duración que fue ¨La cruz de Marisa Cruces¨, de 1970, donde actuaron las dos primeras actrices acompañadas de Carlos Bracho, Otto Sirgo, Norma Herrera y Raquel Olmedo, entre otros más, bajo las órdenes en la dirección de Raúl Araiza y la producción de Ernesto Alonso; este último vuelve a trabajar frente a las cámaras en una historia que se desarrolla en el contexto revolucionario titulada ¨La tierra¨, de 1973, donde la Montejo participa de nueva cuenta y es la primera en la que coincide con la joven actriz Lucía Méndez quien en 1975 comparte nuevamente créditos con ella al igual que los protagonistas de ¨Paloma¨, Ofelia Medina y Andrés García, interpretando Carme Montejo a la madre de la Medina. Aquel mismo año, sin embargo, Carmen Montejo vuelve a ser llamada por Ernesto Alonso para ahora interpretar a una mujer humilde de una vecindad que es madre de los actores Jorge Luke y Lucía Méndez en la telenovela ¨Mundos opuestos¨, y en 1976 el cineasta de ascendencia rusa y perteneciente la generación del llamado ¨nuevo cine mexicano de los 70¨, Sergio Olhovich, convocar a Ernesto Alonso a un nuevo reto actoral en el cine como nieto él de la abuela que haría Carmen Montejo en la adaptación cinematográfica de la novela del chileno José Donoso, ¨Coronación¨, de 1976, que contrario a lo que pudiera pensarse la Montejo acepta hacer de abuela de Ernesto Alonso a pesar de ser siete años menor que él y logrando una química en pantalla de primer nivel. El resto de la década Carmen Montejo sigue actuando para producciones de telenovela de Alonso como ¨Pecado de amor´, en 1978, protagonizada entre otros por Jacqueline Andere y Enrique Alvarez Félix para en 1983ser otra vez compañeros en una de las más vistas telenovelas en la historia del género, ¨El maleficio¨, de 1983, donde el personaje de Carmen Montejo, quien intepretaba a la suegra del personaje de Jacqueline Andere, morir en manos de un personaje maquiavélico y literalmente endemoniado que interpretaba Alonso bajo el nombre de ¨Enrique de Martino¨ quien aprovecha la precaria salud que tiene la mujer para despojarla del crucifijo que la protege para aseinarla. Doña Carmen recordaba con una sonrisa en el rostro dicha escena puesto que como los actores y amigos que eran disfrutaron mucho de esos momentos. Con el paso de los años Alonso y la señora Montejo se embarcaron en nuevos proyectos, con nuevos actore sy productores, y aunque no volvieron a coincidir en proyectos juntos el cariño y amistad que los reunió durante varios años de su vida prevaleció por siempre. Descansen en paz.
Este día en el que la diva del cine Elizabeth Taylor cumpliría 81 años de edad y otra primera actriz hollywoodense como ella como Joanne Woodward cumple 83 ya en un espacio de este mismo blog con fecha de este día pero de 2011 había escrito de los paralelismos de estas dos actrices con la primera actriz mexicana que pasó a mejor vida el pasado lunes 25 de febrero en la Ciudad de México a los 87 años de edad, Carmen Montejo. Ahí, comentésobre el hecho de que el segundo Oscar de Elizabeth Taylor, ganado por su intepretación de la alcohólica Martha en la adaptación al cine hecha por otro maestro como Mike Nichols del clásico texto de Edward Albee ¨¿ Quién le teme a Virginia Woolf?¨ la señora Montejo lo representó de forma tan magistral que el mismo Albee al haber sido testigo de su interpretación sobre el escenario la hizo su favorita según se puede corroborar en el libro ¨Carmen Montejo: Una mujer alta¨, de la autoría de Jesús Ibarra. Tanto así, que Albee no dudó dos veces en que Carmen montara otra importante pieza suya como la de ¨Tres mujeres altas¨, a finales de los años 90, donde Doña Carmen hizo mancuerna con otra desaparecida primera actriz mexicana como Blanca Sánchez y que dio lugar además a la muy apropiada referencia a la que hace el título del libro en cuestión. Con respecto a Joanne Woodward, Carmen Montejo tiene también un paralelismo directo ya que el mismo papel de la desaliñada y trastornada ama de casa Beatriz del texto de Paul Zindel ganador del Pulitzer ¨Los efectos de los rayos gamma sobre las caléndulas¨ si bien le dio a la señora Woodward el premio a la Mejor Actriz de Festival de Cannes en 1972 por la adaptación al cine que hizo su esposo y también primer actor Paul Newman en aquel año, con Carmen Montejo y bajo la dirección de la reconocida dramaturga coahuilense Nancy Cárdenas dicho montaje no sólo ganó tres de los premios más importantes otorgados por la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro a la Mejor Obra, la Mejor Dirección (Nancy Cárdenas) y la Mejor Actriz (Carmen Montejo) de 1970, sino que al llevarla de gira a Norteamérica estando en Nueva York y al ser Zindel testigo de la interpretación de la Montejo sobre el escenario según lo declaró la actriz a mi documental ¨Nadie es libre¨ (México, 2011), ¨ ... se puso de pie y gritó en español ¨¡Bravo Carmen! ¡Bravo Carmen! Con todo y su acento¨. Ya que hablamos de la relación profesional y de muy estrecha amistad que hubo entre Nancy Cárdenas y Carmen Montejo a partir de esa experiencia, así como del documental en el que pude volver a unirlas a las dos gracias a la documentación en video, otros paralelismos entre estas tres primeras actrices es que fueron protagonistas de películas que cada una en su tiempo fueron vanguardistas en sus propuestas relacionadas a la homosexualidad: La primera de ellas, y tal y como lo comentamos hace algunas semanas con motivo del cumpleaños del gran cineasta norteamericano Joseph L. Mankiewicz, fue la que Elizabeth Taylor protagonizó en 1959 al lado de otra primerísima actriz como Katharine Hepburn y un primer actor como Montgomery Clift que fue ¨De repente en el verano¨¨(¨Suddenly, Las Summer¨), cinta que le dio a la Taylor su segunda nominación al Oscar y que basada en un texto autobiográfico del también prestigiado autor teatral norteamericano Tennessee Williams giraba, sin hacerlo abiertamente por el tabú que el tema era para la época, de un crimen de odio por homofobia del que el personaje de la Taylor había sido testigo pero que por mantener las ¨buenas apariencias¨de la familia del muchacho estaba amenazada con ser sometida a una lobotomía para borrar el hecho de su memoria. En 1993 Joanne Woodward interpreta a la madre de Tom Hanks en la película ¨Filadelfía¨, de Jonathan Demme, misma que es la primera gran producción hollywoodense no sólo en abordar el tema de la homosexualidad sino también del sida en un caso de discriminación que sufre el personaje de Hanks en una firma de abogados al descubrirse a raíz de la notificación de que padece de VIH de que es homosexual. El mismo año de 1993 Nancy Cárdenas, ya enferma en su caso de cáncer de mama cuya propagación finalmente la llevó a la muerte el 23 de marzo de 1994, escribe el guión cinematográfico de ¨Marcados¨, sobre un crimen de homofobia que la abuela de una víctima que interpretaría Carmen Montejo y la mujer se esmera en encontrar al culpable o culpables. Yo me enteré de la existencia de ese guión cuando en 2005, poco después de terminar el proyecto que me llevó a conocer a la señora Montejo que fue el largometraje ¨Las ladrilleras¨, me dijo que quería que hiciéramos el proyecto en homenaje a Nancy y teniéndome a mi en la dirección puesto que se había sentido muy cómoda con la experiencia que tuvimos en mi tierra natal de Saltillo con ese proyecto. El levantar ese proyecto no fue una tarea nada fácil y que merece otros espacios, pero en resumidas cuentas al no poder materializarse y para no quedar sin hacer el correspondiente homenaje a Nancy, a su vez la pionera en México del activismo homosexual puesto que fue la primera en externar su orientación sexual lésbica abiertamente, hicimos entre 2010 y 2011 el documental ¨Nadie es libre¨ (cuyo trailer puede verse en el sitio de You Tube como Nadie es libre.mov) y que fue por tanto el último trabajo de la señora Montejo, en su caso en el género documental, de un largometraje. Gracias por su legado a todas ellas
Este 25 de febrero de 2013 fue muy significativo para mi historia personal puesto que pasa a mejor vida una muy querida maestra y amiga que el mundo y un servidor conocimos como la primera actriz Carmen Montejo. Contrario a otros blogs este no puede indicarlo sino hasta finales del mismo día en que al filo del mediodía me entero de la noticia de su muerte a los 87 años de edad y después de haber intentado hablar con ella porque dormía el pasado 14 de febrero, Día del Amor y la Amistad. Al enterarme se vino como avalancha la cantidad de momentos inolvidables que viví a su lado desde 2005 hasta la fecha en que a pesar de que muchos me decían que estaba loco, que como creía que alguien de su nivel podría hacerme caso siquiera, tuve la oportunidad de ser el último director que trabajo con ella tanto en un largometraje de ficción como documental. A Carmen Montejo la conocí por primera vez en octubre de 2005 cuando junto a su gran amiga y gran actriz también aterriza en mi terruño, Saltillo, Coahuila, para hacer lo que originalmente era una mediometraje que se convirtió en largometraje que se distribuyo en Estados Unidos bajo el sello de Venevision bajo el título Prueba de fuego cuando en realidad era Las ladrilleras, fue un largometraje que con mucha alegría presentamos en festivales en países que van de Estados Unidos a Venezuela pero que por todas las tribulaciones que adolece nuestra agónica industria fílmica sólo vio la luz en México en un festival de cintas coahuilenses tuvo su sede en los hoy también moribundos Cinemark-México en marzo de 2007. Sobre toda esta experiencia me hizo el honor el escrito Jesús Ibarra de hablar en el libro biográfico de Doña Carmen titulado "Carmen Montejo: Un mujer alta", editado en coordinación con CONACULTA en 2010 y donde además de la petición de Jesús y de ella misma fui honrado en escribir su prólogo. En ese 2010 fue la última vez que por diversas circunstancias pude ver en persona a Doña Carmen para su vasto testimonio para el documental "Nadie es libre" cuyo trailer se puede ver en You Tube como Nadie es libre.mov y en donde Doña Carmen es el hilo conductor de la historia de Nancy Cárdenas, una reconocida dramaturga de origen coahuilense también con la que Carmen Montejo hizo obras magistrales como Los efectos de los rayos gamma sobre las caléndulas, en 1970, y quien en esa época fue la pionera en el movimiento a favor de los derechos de los homosexuales en México ya que Nancy fue desde entonces abiertamente homosexual y orgullo de su condición en México. De hecho se quedo en el tintero de nuestras colaboraciones juntos el proyecto del largometraje de ficción "Fuera del closet", basado en el que hubiera sido el primer proyecto fílmico de Nancy Cárdenas como directora de cine pero que no pudo concretar al morir e cáncer de seno en 1994, u otro proyecto de una obra que en teatro hicieron en su tiempo histriones de la talla del primer actor saltillense Andrés Soler y Prudencia Griffel ahora con su gran amigo Ignacio López Tarso bajo el título de Un divorcio a los ochenta bajo una nueva adaptación de la escritora de "Las ladrilleras", Carmen Paz. No me queda más que darle un inmenso gracias a esa gran mujer alta que fue Doña Carmen Montejo por esa enseñanza de humildad de los grandes, pasión por el trabajo y vigor incansable al que sólo la venció su cansancio físico pero cuyo espíritu inquebrantable trascenderá a la eternidad particularmente del celuloide del que fue uno de los grandes iconos del cine mexicano. Descanse en paz, maestra y amiga y queda pendiente la cita en esa dimensión en la que hoy a aterrizado y sus grandes y numerosos amigos y familiares la reciben con alegría.
Hoy es la 85 entrega del Óscar y con ello se cumplen 85 años en que se ha otorgado esta estatuilla a lo mejor en cine .... pero que se desconoce la identidad de quien fue el modelo del hombre que lleva el nombre propio que hasta hoy es sinónimo de la distinción más alta del celuloide hollywoodense. Según Wikipedia versión en inglés en 1928, el director de arte Cedric Gibbons, uno de los miembros originales de la Academia que otorga estos premios, supervisaba el diseño del trofeo y requirió de un modelo para la misma. Fue así como su futura esposa, la actriz mexicana Dolores del Río le presentó al entonces aspirante a director Emilio "El Indio" Fernández, quien en un principio se rehusó a posar desnudo para crear lo que hoy conocemos como el Óscar pero finalmente accedió. "El Indio" gozaba de una complexion atletica que mantenia por actividades como las del baile que lo llevaron a conocer a Dolores del Rio en una de las peliculas mudas que protagonizo ya establecida en la Meca del Cine y que ya como actor en los años 30 luce particularmente en la cinta mexicana "Janitzio", dirigida por Carlos Navarro. En 1941 El Indio debuta en la direccion de cine con al cinta "La isla de la pasion", donde uno de sus actores principales es quien se convertiria en uno de los actores fetiche de sus peliculas y quien a partir de 1943 es pareja de otra de las actrices fetiches en la filmografia de El Indio en el cine mexicano que fue precisamente Dolores del Rio. Curiosamente, en 1943 en la trama de una de las películas más reconocidas del director de origen coahuilense que fue "María Candelaria", el personaje protagónico de Dolores del Río es linchada por una multitud por una confusión que se da de su identidad con la de una modelo que posa desnuda para un pintor en el México previo a la Revolución Mexicana. La amistad de El Indio con directores de primer nivel en Hollywood lo llevaron a actuar bajo sus órdenes en diversos clásicos de directores como Sam Peckinpah ("La pandilla salvaje"; "Tráiganme la cabeza de Alfredo García") y John Huston ("La noche de la iguana"; "Bajo el volcán"), entre otras. Felicidades a Óscar ... y al modelo coahuilense que inspiro el diseño de la estatuilla.
Un día como hoy pero de 1934 nace en Buenos Aires, Argentina, María Victoria Moya Burges, quien como algunas de sus compatriotas Marga López o Libertad Lamarque, decide viajar a México en su caso a principios de los años 50 para iniciarse en la actuación y es a los 18 años de edad cuando comienza a hacer sus pininos en el cine mexicano con un pequeño papel sin creditos en la película "Cuando levanta la niebla", de 1952, bajo la dirección del cineasta coahuilense Emilio "Indio" Fernández, donde los papeles protagónicos los llevaban Arturo de Cordova, Maria Elena Marques y Columba Domínguez; en 1953 en el clásico dirigido por otro gran cineasta como Chano Urueta en la primera película del género de luchadores que fue "La bestia magnífica", también aún sin créditos entre los que los principales los llevaban Crox Alvarado, Miroslava y José Elías Moreno, siendo en ese mismo año su primer crédito en la comedia "Genio y figura", del cineasta michoacano Fernando Méndez, al lado de Luis Aguilar, Antonio Badu, Esther Fernández y Evangelina Elizondo; de 1954 es su primer protagónico justo compartiendo créditos con el mencionado Luis Aguilar en "Con el diablo en el cuerpo", de Raúl de Anda, con quienes vuelve a hacer mancuerna en 1955 en "El 7 Leguas", iniciandose de esta manera en el cine mexicano en el genero del western para en 1956 hacer su cross over a Hollywood con su primera western norteamericano que fue "Comanche", de George Sherman, al lado de Dana Andrews, el mismo año en que sigue trabajando en México en otro western bajo la dirección de Raúl de Anda titulado "Enemigos", compartiendo créditos con Víctor Parra y Fernando Casanova; de 1957 es otro western en México titulado "El diablo desaparece" ahora dirigida por Rolando Aguilar y donde su pareja protagónica fue Fernando Casanova; en 1958 es llamada de nuevo oor el director norteamericano George Sherman para protagonizar con el mexicano Gilbert Roland y Jock Mahoney en "The Last of the Fast Guns"; al lado del futuro productor de clasicos como El bebe de Rosemary, Historia de amor o El Padrino, Robert Evans, protahoniza un remake en el genero western de la cinta de cine negro "Kiss of Death" ahora titulada "The Fiend that walked the west", de Gordon Douglas, para hacer un exitoso traspaso al henero e la comedia bJo la direccion del maestro Blake Edwards en "The Perfect Furlough", al lado de la pareja en la vida real que entonces formaban Tony Curtis y Janet Leigh. Con todo, Linda Cristal cierra la decada de los 50 haciendo sus primeras participaciones en la televisión norteamericana compartiendo créditos con el futuro ganador del Óscar Clint Eastwood en la famosa serie televisiva del genero del western "Rawhide". Fue esta proyección que le dio tanto el cine como TV en Estados Unidos para fines de la década de los 50 a Linda Cristal la que la llevó a ser ganadora de su primer Globo de Oro a la mejor debutante de 1959 en empate junto a figuras como la nominada al Oscar Susan Kohner (hija en la vida real de la actriz mexicana Lupita Tovar) y Tina Louise e hizo que un ícono del género como lo era John Wayne la llamara para ser parte de su ópera prima como director como lo fue la superproducción ganadora del Oscar ¨El Alamo¨, en 1960, con lo cual la actriz consolida esa década su trabajo tanto en la pantalla grande como en la televisión cuando para 1967 protagoniza la serie de televisión que por su parte le da su mayor proyección en la pantalla chica en la clásica teleserie ¨El Gran Chaparral¨, misma que le dio otras dos nominaciones al Oscar a la Mejor Actriz de Drama en 1967 y 1971 de lss cuales gana el primero y pierde el segundo pero quedan dos en su haber. En los años 70 Linda Cristal continúa haciendo historia en la televisión y el cine norteamericano, participando en otras famosas teleseries del género western como ¨Bonanza¨, en 1971, para en 1974 ahora haciendo pareja con otro ícono del cine de acción y westerns norteamericanos, Charles Bronson, en el clásico de culto de aquel año basada en un texto de Elmore Leonard ¨Mr. Majestyk¨, sobre un granjero que cultiva melones en California quien se ve involucrado en su propia defensa así como la de los migrantes indocumentados que trabajam bajo su supervisión (entre ellos una muy sensual intepretada por Linda Cristal) cuando un criminal se esmera en terminar con él así como con su patrimonio, y ese mismo año la actriz viaja requerida por ¨El Señor Telenovela¨, Ernesto Alonso, para protagonizar la que sería su única telenovela en México, ¨El chofer¨, actuando al lado de Jorge Rivero, Carlos Piñar, Susana Alexander y Susana Dosamantes, entre otros. La década de los 70 la termina Linda Cristal volviendo a la pantalla chica norteamericana para participar en otros clásicos como ¨Barnaby Jones¨, e inicia los 80 de la misma forma interviniendo en memorables teleseries como ¨El crucero del amor¨ ó ¨La isla de la fantasía¨, protagonizada por el actor mexicano criado en Coahuila, Ricardo Montalbán, para a mediados de la década regresar a su natal Argentina para protagonizar la que sería su única telenovela en aquellas latitudes titulada ¨Roseé¨, de 1985, con la cual se despide de igual forma de su quehacer artístico hasta la fecha. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Este día en que se cumplen 100 años de la muerte del presidente coahuilense Francisco I. Madero y el vicepresidente José María Pino Suárez por órdenes del usurpador Victoriano Huerta vale la pena recordar un documento fílmico relacionado a este hecho que bajo el título de "Cuartelazo" que a finales de los años 70 dirigió un importante realizador de nuestra industria como lo fue el desaparecido Alberto Isaac, primer director del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE). Isaac, poco después de haber tenido en el sexenio echeverrista éxitos de crítica y público como lo fueron "Los Días del Amor" (1972) o "Tívoli" (1974) aprovechando que a diferencia que en décadas anteriores en lugar de censurar obras fílmicas de temas históricos controvertidos como "La sombra del caudillo" (Julio Bracho, 1960) o "La Rosa Blanca" (Roberto Gavaldon, 1961), entre otras, se alentaron y apoyaron propuestas de un nutrido grupo de noveles cineastas mexicanos luego de ganar un premio por el guión de "Cuartelazo" por parte de la SOGEM la cinta tenía asegurada su "luz verde" para su producción. Así, es como "Cuartelazo" ve la luz en 1977 a pesar de ofrecer la narración de uno de los más sangrientos episodios de la historia mexicana a partir de uno de los testigos de todo ese momento histórico, el senador Belisario Domínguez, quien a la larga viene a ser el como Madero o Pino Suárez otra de las víctimas del usurpador Huerta. La cinta, si bien inicia en octubre de 1914 cuando los restos de Belisario Dominguez son descubiertos en un panteón gracias a la confesión de uno e los involucrados en el asesinato, se remonta en el tiempo a más de un año antes, cuando en febrero de 1913 se da la ejecución de Madero y Pino Suárez a manos de otros cómplices de Huerta así como la de los también generales Bernardo Reyes, Manuel Mondragón y Félix Díaz, al tiempo que Domínguez llega de la provincia a la capital del país con sus antecedentes de educación pero tan revolucionario como Madero por lo que desde su trinchera en el Congreso de la Nación se hace tanto de enemigos como de algunos simpatizantes para criticar y combatir el cuartelazo realizado por Huerta. "Cuartelazo" se puede encontrar en un DVD de la colección IMCINE e incluye extras, entrevistas con su director y actores entre los que se cuenta el Romero actor Héctor Ortega en el papel de Belisario Domínguez y que técnicamente filmado en blanco y negro es un clásico que vale la pena rescatar para la historia del celuloide nacional.
Un día como hoy pero de 1925 nace en Fresno, California, David Samuel Peckinpah, quien para el cine mundial fue conocido como Sam Peckinpah, quien le diera una inyección al género del western en los años 60 paralelamente al boom de los spaghetti westerns que revitalizaron el género desde Europa con el maestro Sergio Leone tras las cámaras y Coint Eastwood como el actor principal de casi todas sus obras. La historia de Peckinpah se inicia en Hollywood luego de que en su natal Fresno se gradúa en la Licenciatura de Drama en 1948 y en la Universidad del Sur de California termina la Maestría en Drama en 1952. Es la década cuando empieza a incursionar en cine y no es gratuito que su padrino en este ámbito haya sido uno de los cineastas más reconocidos del western como Don Siegel, con quien su inicia como director de diálogos en el clásico "Riot in Cell Block 11", de 1954, y lo asiste en varias películas posteriores entre ellas el clásico de culto de 1956 "La invasión de los usurpadores de cuerpos" y "The Rifleman", de 1958. Con estos antecedentes no fue sorpresa que su ópera prima como director fuera un western titulado "The Deadly Companions", protagonizada por Brian Keith y Maureen O'Hara, aunque fue a partir de su segunda película, "Ride The High Country", de 1962, la que cimenta su reputación como director siendo ya que protagonizada por Joel McCrea y Randolph Scott (en su última película) y contando la historia de dos pistoleros veteranos anticipo varios de los temas que trato en sus películas venideras. Es así como se le asigna su primer proyecto importante como realizador en 1965 dirigiendo al ganador del Óscar Charlton Heston en el western Major Dundee, el cual por su parte consolida a su vez la reputación volátil del cineasta ya que estando en plenas filmaciones en México por haber consumido alcohol y mariguana en grandes cantidades la cinta sufrió retrasos en produccion que significan perdidas economicas considerables que estuvieron a punto de ocasionar que fuera reemplazado como director si no es que Heston aboga por el y hasta acepta no cobrar el tiempo extra de filmaciones con tal de que la cinta se terminara bajo las órdenes de Peckinpah. Con todo, a pesar del perdon por parte del productor Jerry Bresler, yodavia faltaba la etapa de postrproduccion durante la cual hubo discrepancias todavia mas fuertes entre Bresler y el estudio productor, Columbia Pictures, en relacion al corte final de la misma en el que al no estar de acuerdo ninguno de ellos salio una cinta irregular que fracaso en la taquilla. Aunado a todo ello, este incidente hace que la que hubiera sido su primera colaboración con otro reconocido actor hollywoodense como Steve McQueen en The Cincinatti Kid no se efectuara al ser reemplazado antes de iniciar filmaciones por otro importante director de la epoca como Norman Jewison. En ese inter Peckinpah contrajo nupcias con su segunda esposa, la actriz mexicana Begoña Palacios, y en los dos años que estuvo relegado de la industria del cine es una producción para TV que ganó dos Emmys basada en el texto de Katherine Anne Porter ¨Noon Wine¨ se tituló ¨ABC Stage 67: Noon Wine¨, de 1966, le da las cartas suficientes para que otro gran estudio como Warner Bros. le asigne el mayor reto de su carrera y que viene a ser su total consolidación como cineasta; el clásico ¨La pandilla salvaje¨(¨The wild bunch¨), el cual es protagonizado por dos ganadores del Oscar William Holden y Ernest Brognine, además de contar con la destacada presencia de actores mexicanos como el coahuilense Emilio ¨Indio¨ Fernández, Alfonso Arau y Sonia Amelio, entre otros. De hecho las filmaciones de la película se realizan en su totalidad a lo largo del año de 1968 en el estado norteño de Coahuila, donde la base es el poblado de Parras, Coahuila, donde según el documental adjunto en la más reciente edición de la película en DVD se dice que se pagó el contrato de luz por seis meses para acceder a las necesidades de producción aunque para algunas tomas como la explosión de un puente se tuvieron que trasladar al entonces todavía muy caudaloso Río Nazas cercano a la ciudad de Torreón. Quizás por ser afines tanto a la creatividad como a la bebida fue que Peckinpah y el controvertido creador qu etambién era El Indio Fernández fue que lograron entablar una amistad que seguiría con los años, pero en el caso específico de ¨La pandilla salvaje¨ la asociación fue tan fructífera según lo dice el mismo documental que para la secuencia inicial de un asalto se hace un acercamiento a unos alacranes siendo devorados por unas hormigas misma que surgió a raíz de una plática del Peckinpah con el Indio y era una metáfora más que adecuada para esta historia de un grupo de bandidos que encuentra la rendención en el marco de la Revolución Mexicana. El premio para Sam Peckinpah con esta cinta que posteriormente fue influencia para el estilo de cineastas como Quentin Tarantino, Robert Rodríguez y otros más,fue que se convirtiera en un clásico automático del género por su manejo visual de tomas y montaje, e incluso a partir de la adaptación de la historia que le valió su primera y única nominación al Oscar como Mejor Guión Adaptado de 1969.Además d etodo esto, el éxito de crítica y taquilla de ¨La pandilla salvaje¨ propició que Sam Peckinpah iniciara su década más prolífica como director de cine al dirigir a otro ganador del Oscar como Dustin Hoffman en el clásico de culto ¨Perros de paja¨, de 1971; en 1972 al ya mencionado Steve McQueen y Ali MacGraw en otro clásico como ¨La huída¨; en 1973 salirse con la suya de conseguir que le autorizaran el debut en el cine como actor del cantautor Bob Dylan en el no menos clásico western ¨Pat Garret y Billy the Kid¨, protagonizada por James Coburn, Kris Kristofferson y la mexicana nominada al Oscar Katy Jurado, esta última participando en una memorable secuencia en un río donde se escucha de fondo el clásico de Dylan ¨Knocking on heaven´s door¨. Hablando de presencia mexicana para el también clásico de culto ¨Tríganme la cabeza de Alfredo García¨, de 1974, además de ser protagonizada por uno de los integrantes de ¨La pandilla salvaje¨, Warren Oates, la dama joven es la sonorense Isela Vega mientras que quien da la orden de que le traigan la cabeza del título es nada menos que una vez más el amigo y colega del realizador Emilio ¨Indio¨ Fernández, para en la segunda mitad de la década seguir trabajando en filmes como la cinta de acción ¨Killer Elite¨, de 1975, protagonizada por dos integrantes del elenco de ¨El Padrino¨, Robert Duvall y James Caan; ¨The Cross Iron¨, de 1977, otra vez dirigiendo a James Coburn con el ganador del Oscar Maximilian Schell y el primer actor británico James Mason, y ¨Convoy¨, de 1978, un filme sobre camioneros en protesta donde vuelve a dirigir a Kris Kristofferson, Ali MacGraw y Ernest Borgnine. Los años 80 los inicia Sam Peckinpah aún con muchos proyectos en puerta, y justo tras terminar la que sería su última película, ¨The Osterman Weekend¨, de 1983, mientras consideraba seriamente dirigir una adaptación del texto de Stephen King ¨The Shotgunners¨ que bajo su visión hubiera sido algo de lujo, en diciembre de 1984 cuando se dirigía de México a la Unión Americana su exceso con las drogas y el alcohol que nunca pudo dejar del todo le cobró la factura y muere de un infarto en un hospital de Inglewood, California, el 28 de diciembre de 1984 a los 59 años de edad. Descanse en paz y gracias por su legado.
Ayer 19 de febrero se apagó una de las últimas leyendas vivientes del universo de la época de oro del cine mexicano al morir el primer actor Joaquín Cordero a los 90 años de edad. Nacido como Joaquín Cordero Aurecochea en la ciudad de Puebla el 16 de agosto de 1922 hizo sus primeros trabajos en el cine a finales de la década de los años 40 haciendo participaciones esporádicas al lado de estrellas ya consolidadas para entonces como Mario Moreno "Cantinflas" en clásicos como "A volar joven", de 1947. Sin embargo, tan pronto como para los inicios de los años 50 no sólo logra imponerse como un reconocido actor al ganar el Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de 1950 por la cinta "Las dos huerfanitas", de Roberto Rodríguez, al lado de Evita Muñoz "Chachita" y María Eugenia Llamas "La Tucita"; en 1951 vuelve a trabajar bajo las ordenes de Roberto Rodriguez en la primera pelicula donde hace mancuerna con dos primeras actrices como Blanca de Castejon y Carmen Montejo en "Todo son mis hijos", y en 1952 otra vez al lado de Blanca de Castejon, el primer actor saltillense Fernando Soler y la tambien primera actriz Silvia Derbez protagoniza la clasica comedia "Mama nos quita los novios", para 1953, al tiempo que bajo las ordenes de otro gran director de la epoca como Roberto Gavaldon hace de hijo de Carmen Montejo (luego de haber interpretado a su pareja romantica en "Todos son mis hijos" y ser ella menor en edad que el), la argentina Libertad Lamarque y Miguel Torruco el clasico melodrama "Acuerdate de vuvir", es llamado por otro reconocido cineasta de la Época de Oro del Vine Nacional como el hermano de Roberto Rodríguez, Ismael, al ponerse al "tu por tu" con la estrella consolidada que para entonces era Pedro Infante en el clásico Pepe el Toro", automáticamente se establece como la estrella cinematográfica que reconocimos en el hasta el momento de su muerte. Así, el resto de la década de los 50 es dirigido por otro grande como Luis Buñuel en "El Río y la muerte", al lado de Columba Domínguez y otra vez Miguel Torruco, ganadora del Ariel a la Mejor Música en 1955 hecha por Raul Lavista; "La dulce enemiga", de Tito Davison, filme por el cual Davison gana el Ariel a la Mejor Dirección y su protagonista femenina Silvia Pinal gana el Ariel a la Mejor Actriz de aquel año, o la impactante "Manicomio", de José Díaz Morales, donde al lado de primeras actrices como Luz María Aguilar, Olivia Michel y Yolanda Mérida, en 1959 cierra con broche de oro esa década con este estrujante filme que retrataba como sucedía a nivel mundial con otras películas relacionadas a temas de manicomios o de temática relacionada a trastornos psicológicos. Los 60 Joaquín Cordero se diversifica participando en cintas de terror o luchadores a partir de "El infierno de Frankenstein", de Rafael Baledon, en 1960; "Santo contra el cerebro del mal" de 1961, dirigido ahora por otro hermano Rodríguez, Joselito, y en 1968 es protagonista junto a la primera actriz Marga López del clásico dirigido por el maestro del género Carlos Enrique Taboada "El libro de piedra". En los 70 Cordero es galán en comedias picarescas de la época dirigido otra vez por José Díaz Morales en "El manantial del amor", de 1970, al lado de Rosa María Vázquez y la venezolana Lupita Ferrer o "Dos esposas en mi cama", también de ese año dirigido por Julián Soler y al lado de Tere Velázquez para terminar la década dirigido otra vez por Tito Davison en el melodrama "Te quiero", de 1979, en uno de los primeros protagónicos de la actriz Daniela Romo, el joven galán Fernando Allende y la primera actriz Evangelina Elizondo. En los años 80 destacan cintas comerciales pero relacionadas a tematicas sociales importantes como "Ratas de la ciudad", de 1985, bajo la dirección de Rodolfo de Anda protagonizando al lado de Valentín Trujillo, Angélica Chain y la coahuilense Isaura Espinoza, o la cinta de acción "El cafre", de Gilberto Gazcon, en 1986, donde la hace de un trailero que a la manera del clásico de "El salario del miedo" se ve forzado a transportar una carga explosiva con tal de salir de problemas económicos familiares haciendo de sus hijos primeros actores como Blanca Guerra y Sergio Goyri y acompañado por su su buen amigo también desaparecido Julio Alemán. En los años 90 es llamado por uno de sus directores de cabecera, Ismael Rodríguez, para participar en el testamento fílmico del maestro que fue la serie de películas "Reclusorio", de 1995, para en 2011 participar en la que sería respectivamente la última película de su filmografia "Los inadaptados", un compilado de varios directores donde actuó al lado de primeros actores como la coahuilense Beatriz Aguirre, la son órdenes Isela Vega y Patricio Castillo, entre otros, la cual gano el Premio del Público del Festival de Cine de Guadalajara de ese año. Descanse en paz y gracias por su legado.
La noticia se dio a conocer el lunes 18 de febrero y el mismo día fue el tema obligado a tratar en las redes sociales que compartimos los creadores cinematográficos mexicanos. Que las 29 salas cinematográficas del país que operaba la trasnacional Cinemark en nuestro pais fueran vendidas a Cinemex resultaba en que sólo quedan dos grandes cadenas exhibidoras en México, Cinemex y Cinepolis, pero dado el reciente litigio de esta última en contra de la exhibición de un excelente documental como el de "Cuates de Australia", el maestro Everardo González, que lo redujeron a complejos y horarios poco favorables para una cuando menos justa afluencia de espectadores, pareciera que el cierre de Cinemark como tal representa el más reciente agravio para los creadores cinematográficos del país. Esto debido a que Cinemark, más bien que mal, había estado dentro de sus posibilidades, como una de las cadenas trasnacionales a las que se les dio manga ancha a partir del Tratado de Libre Comercio que entro en vigor a partir del 1 de enero de 1994 en México, darle espacio a material mexicano aunque fuera un día al año en septiembre con u ciclo denominado "Cinemark a la Mexicana" cuyas ganancias eran destinadas en su totalidad al Fondo de Fidecine para inversión de nuevos proyectos cinematográficos. Y no sólo eso: En provincia, de donde un servidor es originario, en 2007 Cinemark fue receptivo en aceptar la renta por parte del entonces Instituto Coahuilense de Cultura y CINCO, Cineastas Coahuilenses A.C., gremio de cineastas que entonces un servidor presidía, para un primer Festival CINCO días de cine, durante el cual por espacio de cinco días en el complejo de salas que hasta hoy se encuentra en la capital del estado, Saltillo, se exhibió con la presencia a mediados de marzo de aquel año de la recién nombrada directora del IMCINE, Marina Stavenhagen, y teniendo como madrina del gremio a la primera actriz tambien de origen coahuilense Carmen Salinas, puro material realizado por Coahuilenses tanto delante como detrás de cámaras a nivel nacional como regional donde destacaron la proyección del documental nominado al Ariel "La guerrilla y la esperanza", de Gerardo Tort, fotografiado por el saltillense Héctor Ortega; el cortometraje documental nominado al Ariel "Gertrudis Blues", de la también saltillense Patricia Carrillo; "La última mirada", ópera prima de la cineasta Patricia Arriaga también fotografiada por el saltillense Héctor Ortega; "Kilómetro 31", de Rigoberto Castañeda, protagonizada por el actor coahuilense Raúl Méndez y "Morirse en domingo", de Daniel Gruener, también co protagonizada por Méndez pero producida por Gruener también con la actriz ganadora del Ariel oriunda de Monclova, Coahuila, Susana Zabaleta, eso si contar los cortometrajes o largometrajes de realizadores activos en la región que ahí también tuvieron cabida así como un merecido homenaje a la trayectoria de Carmen Salinas. Eso es parte de lo que en salas de Cinemark destaco el cine nacional de una forma u otra, y de entrada, como gremio de cineastas coahuilenses que hicimos un consenso previo para rentar las salas que proyectarían todos estos materiales, inicialmente se hizo la consideración de Cinepolis que además de darnos precios más altos y nada negociables nos restringía horarios y días para la exhibición de los mismos. Ahora en medio de lo que sucede en el caso del compañero Everardo en la defensa por su obra frente a Cinepolis, y a, enterarme de esta venta, escribí en el Facebook como comentario ante la noticia que "la buena es que quedan sólo cadenas nacionales, y no trasnacionales de exhibición en el país. La mala, que los servicios que dan y sobre todo la programación que parece sólo favorecer a intereses trasnacionales así que no sabemos si llorar o aplaudir" a lo que el amigo y colega Sebastián Hiriart, autor de ese muy destacable trabajo fílmico "A tiro de piedra",agrego: "Alfredo Galindo. Estoy bajo la impresión de que Cinemex es parte de una trasnacional y cito de Wikipedia: En junio de 2002 el conglomerado canadiense ONEX Corp y Oaktree Capital Managment adquirieron Cinemex, bajo la condición de respetar el plan de crecimiento de la empresa así como de mantener el equipo que la maneja". Con esas ayudas ahora si que Dios nos agarre confesados.
Procedentes de la Gran Bretaña ha habido grandes cineastas desde primeros maestros como Charles Chaplin, Alfred Hitchcock o David Lean, hasta más recientes como Sam Mendes, Danny Boyle o Guy Ritchie, entre otros, pero justo a la mitad de ellos hubo grandes realizadores aunque por desgracia poco reconocidos en comparación a ellos como el cumpleañero del día de hoy, un caballero del cine como el maestro John Schlesinger, nacido el 16 de febrero de 1926 en Londres, Inglaterra, como John Richard Schlesinger, el hijo mayor de una familia de clase media judía, donde su padre, Bernard Schlesinger, era pediatra y su madre Winifred dedicada a la música. Su primer cortometraje, "Black Legend", data de 1948, cuando estudiaba Drama en la Universidad de Oxford donde se traído de Literatura Inglesa y de ahí pasa a la televisión para de 1958 a 1960 realizar documentales. De entré esos documentales uno titulado "Terminus", de 1962, lo llevo a ganar el León de Plata del Festival de Cine de Venecia; en 1962 hace su transición a la ficción con "A Kind Of Loving" y en 1963 con su éxito taquillero "Billy Liar", inicia su mancuerna teniendo como actriz fetiche a la primera actriz también británica Julie Christie, quien bajo su dirección gana el Óscar a la Mejor Actriz de 1965 por la película "Darling", filme por el cual Schelsinger gana a su vez su primera nominación a la estatuilla dorada como Mejor Director. El cierre de la trilogía de películas con Christie como protagonista se dio con el éxito de crítica y comercial que dio "Lejos del mundanal ruido", de 1967, filme que le dio a Schlesinger el pase a dirigir el controvertido filme que en 1969 es el primero y único a la fecha en ganar el Óscar a la Mejor Película con clasificación X y el único que dio a la vez al cineasta el galardón al Mejor Director. La cinta se tituló en México "Perdidos en la noche" mientras que en Estados Unidos "Midnight Cowboy" porque su protagonista era un vaquero texano (interpretado por Jon Voight) que viaja a Nueva York en busca de una mejor vida para terminar prostituyendose tanto con hombres como con mujeres basado en un Guion Adaptado por el maestro Waldo Salt de la novela del mismo nombre y que le dio su respectivo Oscar como guionista aquel año. Quizás por esto último es que para los estándares de la época se le concedió dicha clasificación restringida ya que todavía era más fuerte el sugerido subtexto de relación homosexual que tenía el vaquero con un vagabundo que sufre de cojera de nombre Ratzo Ritzo y que le dio al primer actor Dustin Hoffman otra de sus nominaciones al Óscar. Fue precisamente la consolidación de John Schlesinger como cineasta con "Perdidos en la Noche" que para principios de la década de ruptura en el cine que fue la de los años 70 tenía la oportunidad de dirigir y hacer la película que quisiera, de ahí que ya con toda la libertad posible filma la que sin duda es su película más personal puesto que su protagonista, el también actor británico ganador del Óscar Peter Finch, hace el papel de un doctor de origen judío (cualquier semejanza con el padre de Schlesinger es mera coincidencia), amante de la opera (como la madre) pero que en su caso es homosexual (como era el cineasta en la vida real) y quien vive una relación amorosa con un hombre bisexual (el actor y cantante Murray Head, concido a nivel internacional en los años 80 por su "one hit wonder" titulado "One Night on Bangkok) que a la vez vive un romance con una mujer divorciada interpretada por otra primera actriz ganadora de la estatuilla como Glenda Jackson. El filme se tituló "Sunday Bloody Sunday", consiguió cuatro nominaciones al Óscar al Mejor Actor (Finch); Mejor Actriz (la Jackson); Mejor Guion Original (Penélope Gillart) y Mejor Director para Schlesinger, de hecho la última nominación de su filmografía. Con todo, el resto de la década no deja de hacer películas relevantes como el thriller "The Day Of The Locust" , que consiguió nominaciones al Mejor Actor de Reparto para Burgess Meredith y para Conrad Hall a la Mejor Fotografía de 1975; otro buen thriller como "Maratón de la muerte" ("Marathon Man"), que le dio al primer actor también británico Laurence Olivier otra de sus nominaciones al Óscar en su caso al Mejor Actor de Reparto de 1976 por su papel de sádico dentista que tortura al protagonista que hace Dustin Hoffman, o "Yanks, de 1979, una de las primeras cintas que protagoniza el actor norteamericano Richard Gere, actua la primera actriz también británica Vanessa Redgrave y es nominada a dos Globos de Oro la actriz Lisa Eichorn como la Mejor Actriz de Drama y Nueva Estrella de aquel año. Los años 80 John Schlesinger sigue sorprendiendo con muy bien logrados thriller a como "La traición del halcón" ("The Falcon and The Snowsman"),filmada casi en su totalidad en México, protagonizada por los ganadores del Oscar Timothy Hutton y Sean Penn, y que trata la historia real de dos jóvenes norteamericanos que se ven involucrados en el espionaje para los rusos; con el filme de terror de 1987 ¨Los creyentes¨ (¨The believers¨), estelarizada por Martin Sheen y Helen Shaver, y ¨Madame Sousatzka¨, de 1988, por la cual la primera actriz Shirley MacLaine ganó el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Drama de 1988 compartido con Sigourney Weaver por ¨Gorilas en la niebla¨ y Jodie Foster por ¨Acusados¨. Los años 90 los inicia John Schlesinger con otro thriller titulado ¨El inquilino¨ (¨Pacific Heitghts¨), de 1990, protagonizada por Melanie Griffith, Mathhew Modine, Michael Keaton y la madre de la Griffith en la vida real, Tippi Hedren, así como ¨Ojo por ojo¨, de 1996, estelarizada por la dos veces ganadora del Oscar Sally Field, el nominado Ed Harris y Kiefer Sutherland, para terminar su filmografía con una comedia romántica protagonizada por Madonna y el actor también británico Rupert Everett titulada ¨Una pareja casi perfecta¨ (¨The next best thing¨), del año 2000, ya que muere de un ataque cardiaco el 25 de julio de 2003 a los 77 años de edad en Palm Springs, California. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Un día como hoy pero de 1938 nace en La Havana, Cuba, Georgina García Tamargo, quien a principios de los años 50 empigra a México y prácticamente al iniciarse en el modelaje su éxito como moedlo es casi inmediato al ser la imagen de la entonces popular Cerveza Superior y convertirse por tanto para todos los que por entonces estaban expuestos a la publicidad de la época como ¨la Rubia Superior¨. Eso la llevó al incursionar también muy pronto en el cine en donde se hizo ícono sobre todo en películas de Santo ¨El Enmascarado de Plata¨, donde destacó en clásicos de culto como Santo contra hombre infernales (Joselito Rodríguez, 1961) y La venganza de las mujeres vampiro (Federico Curiel, 1970) siendo su consolidación por ser la actriz protagónica el clásico ¨Santo contra la hija de Frankestein¨, dirigida por Miguel M. Delgado en 1972. A partir de entonces su carrera se inclinó por la pantalla chica donde no por nada destacó en melodramas como el clásico de 1983 ¨El maleficio¨, producida y protagonizada por ´El Señor Telenovela¨, Ernesto Alonso, dirigida por Raúl araiza y compartiendo créditos con un elenco multiestelar en el que destacaban también Jacqueline Andere, Carmen Montejo, Norma Herrera, el coahuilense Humberto Zurita, el desaparecido Sergio Jiménez, Sergio Goyri, Carlos Bracho, Eduardo Yañez, Erika Buenfil y otros más, ó ¨La traición¨, de 1984, otra producción de Ernesto Alonso, protagonizada por Helena Rojo, Gonzalo Vega, Manuel Ojeda y el cineasta también coahuilense Emilio ¨Indio¨ Fernández, para en 1985 al ser llamada por el productor Carlos Amador para protagonizar la cinta biográfica ¨Gavilán ó Paloma¨, bajo la dirección de Alfredo Gurrola consigue su primera y única nominación al Ariel de su filmografía por su muy buena interpretación de la amante madura de José José que fue en la realidad la actriz Kikis Herera Calles. El resto de la década la señora Romand sigue combinando participaciones en cine con cintas como ¨Chiquita pero picosa¨ (Julián Pastor, 1986), compartiendo créditos con Verónica Castro y Salvador Pineda, ó telenovelas como ¨Victoria¨, de 1987, con Victoria Ruffo y Juan Ferrara, grabando con este último la que sería su última telenovela para Televisa en 1992 con ¨Valeria y Maximiliano¨ para emigrar a TV Azteca con su primera producción juvenil que fue ¨Perla¨, de 1998, donde actuó con una debutante como Silvia Navarro, Leonardo García y el desparecido primer actor Jorge Lavat. Sus más recientes trabajos han sido precisamente en esta última televisora con la contraparte de Betty la Fea que fue ¨El amor no es como lo pintan¨, en el año 2000, y los trabajos unitarios ¨Ni una vez más¨, en 2005 ó ¨Cada quien su santo¨, en 2009. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!
Un día como hoy pero de 1933 nace en Chicago, Illinois, Marilyn Pauline Novak, quien debido a la popularidad que para el tiempo en que emergió como actriz tenía la para entonces ya consolidada rubia por excelencia del cine Marilyn Monroe opta por cambiar su nombre a Kim y el resto es historia. Después de una primera participación sin créditos en el musical The French Line, de Lloyd Bacon, protagonizada por Jane Russell y el mexicano Gilbert Roland en 1953, es a partir de 1954 que comienza a destacar con participaciones más importantes en cintas como el drama de cine negro Pushover, de Richard Quine, con Fred MacMurray y Dorothy Malone, o Phffft, de Mark Robson, al lado de Jack Lemmon y Judy Holliday, para mediados de la década consolidarse con un par de películas que hicieron historia de manera instantánea en el cine en 1955 como lo fueron la controvertida El hombre con el brazo de oro, de Otto Preminger, compartiendo créditos con el ganador del Oscar Frank Sinatra sobre un adicto a la heroína, o el drama sureño Picnic, de Joshua Logan, donde hizo pareja con otro ganador de la estatuilla William Holden e hizo ganar a la Novak un Globo de Oro compartido con la entonces también principiante Shirley MaClaine, como las más Prometedoras principiantes de aquel año. De 1956 es la biografía musical The Eddy Duchin Story, de George Sidney, donde hizo pareja con el actor Tyrone Power; de 1957 es otro exitoso musical Pal Joey, otra vez dirigida por George Sidney y una vez más compartiendo créditos con Frank Sinatra y ahora también Rita Hayworth, para en 1958 hacer una dupla de películas con el también ganador de la estatuilla James Stewart siendo la primera la comedia romántica Sortilegio de amor (Bell, book and candle), de Richard Quine, y un filme que basado en la novela De entre los muertos (título con el que fue conocida también en México), la lleva a trabajar por primera y única vez bajo las órdenes del "mago del suspenso" Alfred Hitchcock, en la cinta que el año pasado desbanco a "El ciudadano Kane", de Orson Welles, y "El padrino", de Francis Ford Coppola, como la mejor en la historia del cine. El título original de este filme es el de Vértigo, en el Kim Novak interpreta a dos personajes que se funden en uno con el que se convierte en el objeto de la obsesión de un investigador que sufre de vértigo en un papel que no era originalmente para ella (lo iba a a interpretar la actriz Vera Miles, pero el haberse embarazado le impidió acceder a interpretarlo) pero el cual le dio el pase a la inmortalidad con su papel más representativo del celuloide. Kim Novak sigue trabajando de manera intermitente en el cine internacional hasta su última película a la fecha que es el thriller Liebestraum, de 1991, dirigido por el nominado al Óscar Mike Figgis, y en 1997 la edición de aquel año del Festival de Cine de Berlín le otorga un Oso de Oro Honorario por su trayectoria fílmica. Muchas felicidades y gracias por su legado!
Un día como hoy coinciden los cumpleaños de varios creadores importantes del cine tanto detrás como delante de las cámaras. El primero de ellos nace el 12 de febrero de 1923 en Florencia, Italia, bajo el nombre de Gianfranco Corsi pero el cine lo llega a conocer como Franco Zeffirelli, el mismo amante de Shakespeare bajo cuyas órdenes la ganadora del Óscar Elizabeth Taylor filma la versión de La fierecilla domada en 1967 o el también ganador de la estatuilla Mel Gibson hace un muy aceptable Hamlet en 1990. Hablando de Oscares Zeffirelli ha sido nominado en dos ocasiones a la estatuilla dorada al Mejor Director por su adaptación del no menos clasico texto shakesperiano de Romeo y Julieta, la versión de 1968 que gano las estatuillas a la Mejor Fotografía y Mejor Diseño de Vestuario, y en el rubro de Mejor Diseño de Arte compartido con Gianni Quaranta en 1982 por La traviata donde el mexicano Plácido Domingo interpreto el personaje protagónico de Alfredo. Otros títulos conocidos en la filmografía de Zeffirelli son los de la serie televisiva de 1977 sobre Jesús de Nazareth que en México se vio en los cines y que tuvo a la primera actriz ganadora del Oscar Anne Bancroft interpretando el papel de María Magdalena; la lacrimogena El campeón, de 1979, protagonizada oor los ganadores del Oscar Jon Voight y Faye Dunaway, y su adaptación libre y contemporánea de la mencionada Romeo y Julieta en los años 80 titulada Amor eterno, protagonizada por Brooke Shields y en la que hizo su debut en el cine un joven actor llamado Tom Cruise en 1981. Los trabajos más recientes de Zeffirelli en cine han sido como director de Te con Mussolini, de 1999, protagonizada por las ganadoras del Óscar Cher, Maggie Smith y Judy Dench; Callas por siempre, de 2002, donde la francesa Fanny Ardant interpreta a la cantante de ópera María Callas, y Homenaje a Roma, de 2009, protagonizada por la italiana Mónica Belluci. El segundo cumpleañero es Konstantinos Gavras, nacido el 12 de febrero de 1933 en Loutra Iraias, Grecia, y a quien el mundo conoció como Costa Gavras, ese director de quien se hizo famosa su frase: El cine no es para dar mensajes y para hacer preguntas. En ese entendido su cine se caracteriza por retratar a sociedades inmersas en caos políticos, económicos y sociales como el de su propio país en el clásico Z, ganadora del Óscar a la Mejor Película Extranjera de 1969 y que le ha dado hasta la fecha su única nominación como Mejor Director; de Chile en los tiempos de la dictadura de Pinochet en Desaparecido, filmada en su totalidad en México, protagonizada por dos ganadores de la estatuilla dorada como Jack Lemmon y Sissy Spacek y que le dio a ganar el Oscar a Gavras al Mejor Guion Adaptado de 1982 compartido con Douglas Stewart, y hasta del Vaticano y su controvertida política de omisión durante el Holocausto judío de la Segunda Guerra Mundial en Amén, de 2002. Su más reciente filme es de 2012 y se titula El capital, relacionado a la crisis económica global centrada en un banco de inversíones europeo. Para terminar, un día también como hoy pero de 1968 nace en Los Angeles, California, Josh J. Brolin, hijo del actor James Brolin y quien luego de debutar a mediados de los años 80 el clásico de aventuras Los Goonies, de Richard Donner, en 1985, llegó a madurar en años recientes como primer actor al grado de ser convocado a partir de 1996 por directores como David O. Russell (¨Los juegos del destino¨) para ser parte del elenco de su película ¨Flirting with disaster¨ ó el mexicano Guillermo del Toro para su primera cinta hollywoodense que fue ¨Mimic¨, en 1997. El nuevo milenio lo inicia Brolin con el pie derecho con su primer protagónico importante como lo fue ¨El hombre sin sombra¨ (¨Hollow man¨), del danés Paul Verhoeven, una versión moderna del clásico ¨El hombre invisible¨ del año 2000, para de ahí tener su primera colaboración con el maestro Woody Allen en ¨melinda y Melinda¨, de 2004 ó el episodio de ¨Planeta Terror¨, de Robert Rodríguez, para la dupla ¨Gridhouse¨, de 2006, antes de viajar a la frontera entre Texas y Coahuila para filmar en este último estado de la República Mexicana escenas clave de la película ganadora del Oscar a la Mejor de 2007 ¨Sin lugar para los débiles¨, dirigida por la dupla de maestros norteamericanos Joel y Ethan Coen, y protagonizada por los ganadores del Oscar Tommy Lee Jones y Javier Bardem, entre otros. Brolin fue el único actor del elenco principal de este clásico contemporáneo por el que ganaron también Oscares los Coen a la Mejor Dirección y Guión y a Bardem al Mejor Actor de Reparto de 2007 que cruzó la frontera a la ciudad de Piedras Negras, Coahuila, donde filmó las escenas de la plaza en la que amanece luego de ser dado por muerto por un grupo de mariachis locales. Ese mismo año combina esa participación con otras películas participantes en la misma entrega de Oscares como ¨In the Valley of Elah¨, de Paul Haggis, otra vez junto a Tommy Lee Jones y la también ganadora de la estatuilla Charlize Theron, ó ¨Gángtser americano¨, de Ridley Scott, compartiendo créditos con otros dos ganadores del Oscar como Denzel Washington y Russell Crowe. Sin embargo, es en 2008 cuando Josh Brolin comienza a hacer historia propia en las nominaciones al Oscar al obtener la primera de su filmografía en la terna a Mejor Actor de Reparto de 2008 por su papel del político homofóbico responsable del asesinato del activista abiertamente homosexual Harvey Milk en la biografía ¨Milk¨, de Gus Van Sant, ganadora de los Oscares al Mejor Actor para Sean Penn y Mejor Guión Original de aquel año para Dustin Lance Black. Ese mismo año se da por tanto la consolidación automática de Brolin como primer actor al ser llamado por otro prestigiado director como Oliver Stone para interpretar al presidente George W. Bush en ¨W¨; en 2010 de nueva cuenta Stone lo llama a formar parte de la secuela ¨Wall Street: El dinero nunca duerme¨, al lado de Michael Douglas, Shia LeBeouf y Carey Mulligan; otra vez por Woody Allen para ser pareja de Naomi Watts en ¨Conocerás al hombre de tus sueños¨ y repitiendo con los Coen en el remake de ¨True Grit¨, por la cual el ganador del Oscar Jeff Bridges es nuevamente nominado a la estatuilla dorada como Mejor Actor. Los más recientes trabajos de Josh Brolin en el cine fueron en 2012 su interpretación de un joven Tommy Lee Jones en el éxito taquillero del verano pasado, ¨Hombres de Negro 3¨, de Barry Sonnenfeld, y este año lo inicia encabezando un reparto multiestelar en el filme gangsteril ¨Fuerza antigángster¨, de Ruben Flesicher, que lo vuelve a reunir en una producción con el primer actor Sean Penn así como participando con otros nominados como Nick Nolte y Ryan Gosling, entre otros. Muchas felicidades a todos y que sigan los éxitos!
Nacido el 11 de febrero de 1909 en Wilkes Barre, Pennsylvania, Joseph Leo Mankiewicz hizo su propia historia después de su hermano mayor Herman J. (ganador del Óscar compartido con Orson Welles en 1941 por el Guión del clásico El Ciudadano Kane) cuando a partir de finales de los años 40 es reconocido por primera vez con el Óscar al Mejor Director y al Mejor Guión la cinta Una carta para tres hermanas, de 1949, siendo su consolidación la obra del año siguiente que bajo el título de La malvada (All About Eve), filme que gana 6 de los principales premios Óscar a lo mejor en cine de 1950 entre los que destacan los de Mejor Película, Director y Guión (estos dos últimos también hechos por el mismo) e inclusive un Premio Especial del Jurado en Cannes en 1950 (el mismo año que en dicha edicion truinfa tambien Los Olvidados, de Luis Buñuel) cuya influencia ha llegado a que otro maestro del cine de origen español, Pedro Almodóvar, se haya basado en aquel clásico sobre el mundo del teatro y las pasiones involucradas en su contexto para filmar una de sus mejores obras como lo fue Todo sobre mi madre, ganadora de su respectiva estatuilla dorada a la Mejor Película Extranjera de 1999. Pero ya que hablamos de Almodóvar, un cineasta reaccionario y que ha plasmado abiertamente el mundo de personajes homosexuales, transexuales y de todo tipo de sexualidades y formas de vida, a finales de los años 50 Mankiewicz se basa en una obra en su mayor parte autobiográfica del autor sureño Tennessee Williams titulada "De repente en el verano" (Suddenly Last Summer) para dirigir a ganadoras del Óscar como Katherine Hepburn y Elizabeth Taylor en la que a pesar de no decirlo abiertamente gira alrededor de un crimen de odio hacia un homosexual y la forma en que en aquellos años se trataba a quienes manifestaban no sólo una inclinación sexual distinta sino en este caso a quienes se atrevían a mencionar la existencia de la misma como en el caso del personaje de la Taylor quien esta a punto de sufrir una lobotomia simplemente para no sacar a la luz dicho crimen y las razones detrás del mismo. Es precisamente ya con Elizabeth Taylor como protagonista principal que Mankiewicz es seleccionado para dirigir la superproducción de 1963 "Cleopatra" misma que a pesar de ser uno de los grandes fracasos en la historia del cine ni a la Taylor ni a su protagonista afectan del todo puesto que siguen activos y con proyectos exitosos como el clásico "¿Quien le teme a Virginia Woolf?", de 1966, y mucho menos al realizador quien todavía una década después consigue una última nominación al Óscar como Mejor Director por la versión original de Sleuth, de 1972, donde dirige a primeros actores como Sir Laurence Olivier y Michael Caine y es su despedida oficial como director de cine. Fallece el 5 de febrero de 1993 en Bedford, Nueva York, a los 83 años de edad. Muchas felicidades y gracias por su legado
Un día como hoy pero de 1967 nace en Los Ángeles, California, Laura Elizabeth Dern, conocida para el mundo del cine como la actriz Laura Dern, hija de dos primeros actores de la industria del cine hollywoodense como Bruce Dern y Diane Ladd. Es por ello que tan pronto como a los 6 años de edad ya comienza a hacer breves apariciones en cintas como White lightning, de Joseph Sargent, en 1973, protagonizada por Burt Reynolds, o la ganadora del Óscar Alicia ya no vive aquí, de Martin Scorsese, en 1974, protagonizada por Ellen Burstyn y donde Laura apareció como una niña comiendo helado. Es por ello que hasta los años 80 los inicia con su primer papel "formal" como parte del elenco de actrices juveniles de Chicas último modelo (Foxes), de Adrian Lyne, donde también participaron la ya para entonces nominada por primera vez al Óscar Jodie Foster y la cantante de la agrupación The Runaways, Cherie Currie, entre otros. Es a mediados de esa década que bajo la dirección de otro prestigiado realizador norteamericano como Peter Bogdanovich y compartiendo créditos con otra futura ganadora el Óscar como la cantante Cher, es protagonista juvenil de la cinta Máscara (The Mask), de 1985, pero es al año siguiente que comienza a hacer historia sólida en el cine al iniciar una trilogía de películas como actriz fetiche del cineasta vanguardista David Lynch quien la llama a participar enel clásico Terciopelo azul, de 1986, donde al lado de actores como Kyle MacLachlan, Dennis Hopper e Isabella Rosellini brilla por cuenta propia como Sandy, la inocente joven del poblado en el que se desarrolla esta violenta historia y quien es para el protagonista principal la tabla de salvación de todo ese sub mundo del poblado en que viven en los aparentemente inocentes y pacíficos años 50. Laura Dern termina la decada de los 80 trasladándose a los estados de Coahuila y Durango para filmar en compañía de otro ganador del Óscar como Paul Newman y un joven actor como ella John Cusack una cinta que también se desarrolla en otro contexto histórico, en su caso los últimos años de la Segunda Guerra Mundial, durante el desarrollo de las bombas nucleares que se detonarían en Hiroshima y Nagasaki en lo que en México conocimos como El proyecto Manhattan (Fat Man and Little Boy), de Roland Joffee, estrenada en 1989. Pero es con la década de los 90 cuando llega la consolidación para Laura Dern como actriz puesto que el maestro David Lynch la llama por segunda ocasión ahora para ser protagonista al lado de otro futuro ganador del Óscar como Nicolas Cage para la historia de amor mu al estilo de Lynch de dos inadaptados llamados Sailor y Lula en la cinta ganadora en el festival de Cannes de 1990 de la Palma de Oro titulada Salvaje de corazón (Wild at heart), donde también participó en una actuación que le valió ser nominada al Óscar la madre en la vida real de Laura, Diane Ladd, y otros primeros actores como Willem Dafoe y Harry Dean Stanton. Es justo en compañía de su madre que al año siguiente, 1991, Laura y Diane hacen historia al convertirse en la primera dupla en la historia de los Oscares en ser nominadas simultáneamente en su caso como Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto de manera respectiva por Noches de Rosa (Rambling Rose), de Martha Coolidge, un drama situado en los años 30 sobre una mujer que para evitar que caiga en la prostitución es recibida por una familia para que trabaje como doméstica. Es a partir de este trabajo que Laura Dern atrae la atención de otros dos grandes cineastas norteamericanos como los también ganadores de la estatuilla Steven Spielberg y Clint Eastwood con quienes trabaja en los éxitos de taquilla y crítica respectivamente de 1993 que fueron Parque Jurásico y Un mundo perfecto. Contrario a lo que pudiera pensarse luego de participar en estos proyectos de alto perfil de su filmografia, a partir de la segunda mitad de los años 90 Laura se enfoca en proyectos de cine independiente pero encabezados por talentos que darían de que hablar más adelante como el hoy también cumpleañero y dos veces ganador del Óscar Alexander Payne como protagonista de Citizen Ruth, en 1996, o Joe Johnston, quien la dirige en 1999 en la cinta basada en una historia de la vida real Cielo de octubre, la primera en la que tiene un papel de importancia el futuro nominado a la estatuilla Jake Gyllenhaal así como el ganador Chris Cooper, entre otros. El nuevo milenio lo inicia Laura Dern trabajando bajo las órdenes de otro prestigiado cineasta norteamericano como Robert Altman en Dr. T y sus mujeres, que protagoniza al lado de Richard Gere, Helen Hunt y la desaparecida Farrah Fawcett y en 2001 es llamada por el mencionado Joe Johnston a re interpretar su personaje de la Doctora Ellen Riler en la secuela Parque Jurásico III, así como por Jessie Nelson para actuar en el drama Yo soy Sam, por el que el actor Sean Penn obtiene otra de sus nominaciones a la estatuilla dorada. Es en la segunda mitad de la primera década del siglo XXI que Laura Dern, ahora también involucrandose como productora en su tercera y última cinta a la fecha en la que colabora con David Lynch bajo el título de Inland Empire, de 2006, para en 2008 ganar el Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto de una miniserie o película hecha para TV como lo fue Recuento, de Jay Roach, la cual narra el penoso hecho histórico del recuento de las elecciones del año 2000 que en Glotida dieron
Un día como hoy nace en Hermosillo, Sonora, un buen amigo y colaborador al que tuve oportunidad de conocer en un Encuentro de Cineastas que organizaba CONARTE y el Gremio de Cineastas de Nuevo León en 2005. Esto se dio durante la proyección de De nadie, documental dirigido por el cineasta regiomontano Tin Dirdamal que a principios de ese año había conseguido el Premio del Público en el reconocido Festival de Sundance al enfocarse en una realidad hasta entonces muy poco expuesta del trato que en México le damos a los migrantes centroamericanos en su paso para Estados Unidos. En aquella proyección en la que estuve presente como en otras gracias a la invitación de la entonces vocal del Gremio Leticia Vargas, Tin no pudo estar presente para presentar su trabajo pero en su representación estuvo el compositor de la música del mismo, Alfonso M. Ruibal, quien como Tin eran hasta entonces estudiantes de carreras de ingeniería en el Tecnológico de Monterrey quienes en ese lapso de tiempo se interesaron por el quehacer cinematográfico y según sus áreas de interés se abocarse en la realización de este proyecto. El trabajo de Alfonso me sorprendió todavía más al comentarle al publico que los sones y música no sólo instrumental sino interpretada en algunas partes de la cinta por algunos de los involucrados se debían a que había puesto la mano en todo lo relacionado al ámbito musical de la misma y no sólo eso, sino que también había estado tras la cámara y otras áreas que requirieron el apoyo colectivo para llevar el reporte to a buen puerto. Justo en ese momento acababa de concluir la parte principal de producción de mi segundo largometraje, Las ladrilleras, protagonizado por las primeras actrices Carmen Montejo y Diana Bracho, y estando en proceso de concluir con la producción y pasar a la post se me hizo una oportunidad ni mandada a hacer ver la posibilidad de que Alfonso se involucrará en la parte musical de mi proyecto. Para entonces Poncho ya estaba en proceso de realizar una maestría en música en Nueva York, pero al ver un primer corte del trabajo le sucedió lo que a todos los involucrados en su producción desde que leímos el guión de Carmen Paz de la misma: hubo algo que le movió para hacer un muy emotivo y profesional score que fue la cereza del pastel para el proyecto que en fechas posteriores pudo, nos llevaron a exhibir en varios foros internacionales y tan contratstantes de Estados Unidos a Venezuela con una aceptación tal que nos llevo a que la cinta fuera distribuida en 2008 por Venevision en Estados Unidos bajo el título de Prueba de fuego. Con Alfonso sigue a la fecha una amistad estrecha a pesar de la distancia recordando el proceso de musicalizarían de la misma que lo llevo incluso a visitar mi natal Saltillo para grabar en el estudio del Campus del Tecnológico de Monterrey de la capital de Coahuila parte del score en compañía del sonidista de la misma Carlos Mesta, y luego de que este último le pidió asesoría a la señora Diana Bracho para seguir con estudios relacionados a la música y el sonido en cine lo que la gran amiga Diana le prometió, y cumplió como entonces presidenta de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de México, fueron invitaciones para el equipo de Las ladrilleras para asistir a la edición de los Arieles de 2006 dedicada a los 75 años del cine sonoro en Mexico en el palacio de Bellas Artes para que hiciera contactos con gentes relacionadas a esa área de interés. Así, tuvimos oportunidad de festejar con Alfonso, Tin, la novia de Tin en aquellos momentos, la cantante y actriz Ximena Sariñana y todo su equipo de De nadie que en esa misma ceremonia se alzaron con el Ariel al Mejor Documental. Desde estas líneas los mejores deseos para este cumpleaños amigo y que este año que viene la culminación de varias metas personales y profesionales sean el inicio de muchos éxitos y bendiciones más. Asi sea
Este 8 de febrero es otro día en que coinciden los cumpleaños de varios importantes creadores del cine como el desaparecido actor dos veces ganador del Óscar Jack Lemmon; el compositor de cabecera de Steven Spielberg, John Williams, ganador por su parte de 5 premios Óscar y Mary Steenburgen, ganadora del Óscar a la Mejor Actriz de Reparto de 1980 por Melvin y Howard,made Jonathan Demme. Pues a esa lista de talentos tanto delante como tras las cámaras se suma el cumpleaños de otro primer actor que aunque aún no ha sido receptor de la estatuilla dorada ha sido nominado en tres ocasiones previas, siendo la última el año pasado la que propició una comunicación virtual con el de parte de un servidor. Esto se dio a partir de que a finales de enero de 2012 que se dieron las nominaciones al Óscar a lo mejor en cine de 2011 escribí para Vanguardia, la casa editora que me ha dado la oportunidad de desarrollarme en esta area desde hace varios años ya, un artículo homenaje a Nick Nolte, el otro cumpleañero de hoy, por un lado por estar se cumpliendo 30 años del estreno de una de sus películas más exitosas que fue 48 horas, de Walter Hill, pero también por su tercera nominación al Óscar en su caso al Mejor Actor de Reparto de 2011 por su excelente interpretación de un padre alcohólico de los protagonistas de la cinta La última pelea (Warrior), de Gavin O'Connor. Resulta que casi un mes después, a finales de febrero de 2012, recibí una comunicación a mi dirección electrónica de una directora española de nombre María de Kannon Cle quien había leído el pequeño homenaje de un servidor al actor y a nombre de ella y de el me daba las gracias por las palabras hacia el intérprete. Resulta que Nolte estaba en el proceso de realizar las filmaciones de la película At 2:15, dirigida por María y en la que junto a Nick actúa una primera actriz española como Angela Molina, y me terminaba de comentar la directora que por lo mismo había viajado desde la capital española junto hasta Los Ángeles para acompañar a Nolte a la ceremonia de los Oscares. Nolte no gano por tercera ocasión la estatuilla puesto que quien se alzó con la misma fue el veterano Christopher Plummer por Beginners, pero no dudamos que en próximas fechas el señor Nolte consiga esa distinción por seguir tan vigente y vigoroso en su carrera fílmica hasta el momento de escribir estas líneas cuando se encuentra por estrenar en Mexico junto a actores de primer nivel como el como Sean Penn, Ryan Gosling, Josh Brolin y Emma Stone la cinta Fuerza Antigangster, de Ruben Flesicher, y para el año próximo la cinta de María de Kannon, entre otras más. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!
El mediodia de ayer el medio artistico mexicano se conmociono por la noticia del fallecimiento del actor Miguel Angel Ferriz a los 60 años de edad a causa de la neumonia. Miguel Angel, nacido como Donato Morones el 29 de julio de 1952, se inicia en el medio comommuchos haviendo pequeñas participaciones en la pantalla chica dentro de la telenovela Ana del Aire, al lado de Angelica Maria, en 1973 y en la pantalla grande dentro de la controvertida El llanto de la tortuga, de Francisco del Villar, en 1974. Sin embargo, contrario a lo que muchos piensan, fue justo el Septimo Arte el que le dio algunos de sus primeros papeles importantes en clasicos como Tivoli, de Alberto Isaac, protagonizada por actores como Alfonso Arau y la coahuilense Carmen Salinas, o una de las primeras cintas del cineasta Jaime Humberto Hermosillo que fue El cumpleaños del perro, ambas de 1974, en la cual comoartio creditos con Jorge Martinez de Hoyos, Hector Bonilla y Diana Bracho. En 1976 fue el realizafor Alberto Bojorquez el que lo llama a protagonizar de nuevo con el maestro Martinez de Hoyos y Tina Romero la cinta Lo mejor de Teresa, y aquel mismo año es arte del elenco de la taquillera cinta Los supervivientes de los Andes, de Rene Cardona, al lado de Hugo Stiglitz, Norma Lazareno y Luz Maria Aguilar. En 1977 realiza su primer papel importante en la pantalla chica en la telenovela La venganza, version original de las telenovelas Marimar y la proxima a estrenarse Corazon indomable, al lado de Helena Rojo, Enrique Lizalde y Beatriz Sheridan, y de aquel mismo año son otros titulos importantes en cine como El mar, de Juan Manuel Torres; Cuartelazo, de Alberto Isaac y La casta divina, de Julian Pastor, comoartiendo creditos con el primer actornIgnacio Lopez Tarso y Ana Luisa Peluffo. En 1978 vuelve a trabajar bajo las ordenes de Jaime Humberto Hermosillo en el filme Naufragio, por el cual Maria Rojo y Ana Ofelia Murgia ganan un Ariel compartido , para cerrar la década de los 70 con la primera película que lo consolida como actor de cine que fue Los indolentes, del maestro José Estrada, donde es el protagonista masculino al lado de primeras actrices como las desaparecidas Rita Macedo e Isabela Corona. En los años 80 otro de los primeros trabajos que hace es en cine dirigido por el coahuilense Mario Hernández en Noche de carnaval, filme por el cual la cubana Ninon Sevilla gana el Ariel a la Mejor Actriz de 1981 y donde tambien actuan los primeros actores Manuel Ojeda y la también coahuilense Carmen Salinas, al tiempo que se consolida en la pantalla chica en exitos como El derecho de nacer, de 1982, dirigido por el recientemente desaparecido con Veronica Castro, Ignacio Lopez Tarso, Maria Rubio y el coahuilense Humberto Zurita; En busca del paraiso, de 1983, al lado de los desaparecidos Maricruz Olivier y David Reynoso, o La fiera, de 1984, compartiendo creditos con Victoria Ruffo, Angelica Aragon e Isabela Corona, aquel mismo año protagoniza bajo las ordenes de otro gran director como Gonzalo Martinez Ortega la unica pelicula por la que fue nominado a un premio Ariel como Mejor Actor de 1984 que fue El tonto que hacia milagros, al lado de Manuel Ojeda, Alma Delfina y otra vez la coahuilense Carmen Salinas. A finales de la década de los 80 Migue Angel es invitado por la productora Carmen Armendariz para participar en su programa televisivo de culto La Hora Marcada donde participa en un episodio dirigido por el prestigiado realizador nominado al Oscar Alfonso Cuaron en un episodio titulado A veces regresan, el cual puede verse a través del internet por el sitio de You Tube. A principios de los 90, luego de protagonizar bajo al dirección del cineasta Jorge Fons la exitosa telenovela Yo compro esa mujer protagonizada por Eduardo Yañez, Leticia Calderón y otra vez Isabela Corona, se traslada a Monterrey donde luego de participar en 1992 en un cortometraje en el Tec de Monterrey basado en el texto del ganador del Nobel Gabriel García Marquez La mujer que llegaba a las seis, de Arturo Flores y Rogelio Jaramillo, en 1993 es el cineasta regiomontano Victor Saca quien lo llama para protagonizar su opera prima En el paraiso no existe el dolor, filme que a la par de Filadelfia, de Jonathan Demme, es en México de los primeros en abordar una historia relacionada al tema del sida. A finales de los 90, luego de haberse encargado del CEA de Televisa en Monterrrey al tiempo de que es llamado por sus amigos Humberto Zurita y Christian Bach para su primer proyecto estelar en telenovela para TV Azteca con la telenovela La chacala, donde Christian hace un doble papel acompañada por el y actores como Jorge Rivero y Regina Torne, entre otros mas, se dedica primordialmente al CEFAC o centro de formacion de actores ahora para esta empresa en la que sigue trabajando en 2011 como el padre de Barbara Mori e Irene Azuela en Amores querer con alevosia; en la primera telenovela en muchos años en ser protagonizada por Humberto Zurita y Christian Bach ahora para estatelevisora titulada Agua y aceite, en 2002, siendo sus últimas apariciones en cine como un comisario es la hilarante Morirse está en hebreo, de Alejandro Springall, en 2007, donde comparte créditos con Blanca Guerra, Martha Roth y Sergio Klainer. Es el verano de aquel mismo 2007 cuando tengo el privilegio de gozar por primera y única vez de gozar del talento del maestro ferriz en une scenario teatral cuando protagoniza en el Teatro Julio Prieto de la capital mexicana la obra teatral Pequeños crímenes conyugales, al lado de la primera actriz y muy amiga suya también Patricia Reyes Spíndola. Su ultima participoación en la televisión es el año pasado el que hace su ultima participacion en la telenovela Los Rey donde aparece junto a los primeros actores Fernando Luján, Ofelia Medina y José Alonso. Descanse en paz y gracias por su legado.
Hoy 6 de febrero es un día muy especial para el cine porque cumpliría 81 años uno de los pilares del movimiento de la Nueva Ola Francesa, el maestro François Truffaut, quien este año también esta de aniversario porque su memorable cinta, La noche americana, se estrenó hace justo 40 años y su recibimiento fue tan agradecido por la comunidad cinematográfica del mundo que ese gran homenaje al cine llega a ser premiado, entre otras cosas, con el Óscar a la Mejor Película Extranjera de 1973 y la unica de su vasta filmografia por la que fue nominado a Mejor Director. Hablando de Oscares hoy también cumple en su caso 64 años otro maestro tras las cámaras, el irlandés Jim Sheridan, quien aunque nunca ha ganado una estatuilla ha sido nominado en dos ocasiones por dirigir con maestría a un primer actor como lo ha demostrado ser Daniel Day Lewis (nominado en este año por Lincoln, de Steven Spielberg), gracias a dos estrujantes historias de la vida real: Mi pie izquierdo, que le dio en 1989 a Day Lewis el primer Óscar al Mejor Actor de su filmografía, y En el nombre del padre, que en 1993 les volvió a dar a Sheridan y Day Lewis dos muy merecidas nominaciones al Óscar comomMejor Director y Actor de manera respectiva. Hoy también cumple 82 años quien un día como hoy pero de 1931 nace como Elmore Ruel Torn Jr en un pueblito camino a Dallas, Texas, llamado Temple pero quien para el cine es conocido como el primer actor Rip Torn, nominado al Óscar al Mejor Actor de Reparto de 1983 por el filme Cross Creek, de otro maestro de la dirección como Martin Ritt, y refiriéndonos de nuevo a los premios Óscar cumple 49 años también un reconocido director mexicano como el veracruzano Carlos Bolado, quien luego de ser reconocido como editor de clásicos contemporáneos del cine mexicano de la talla de Como Agua para Chocolate, de 1992, termina la década de los 90 coronandose en el cine nacional con una de las mejores películas mexicanas del siglo XX que fue Bajo California: El límite del tiempo, de 1999. Bolado también ha sido nominado a la estatuilla dorada en la categoría de Mejor Documental en 2001 por Promises, que co dirigió con B.Z. Goldberg. Pues con Bolado (director también de uno de los éxitos taquilleros de 2012 que fue Colosio, y quien esta a punto de estrenar en Mexico también la cinta Tlatelolco) he coincidido sin conocernos en algunos festivales y premiaciones, también un día como hoy pero de hace 87 años nace en la ciudad de Chicago, Illinois, el cine fotógrafo dos veces ganador del Óscar Haskell Wexler, a quien tuve oportunidad de conocer y saludar personalmente en un cumpleaños de un servidor también pero ya comentaremos ese inolvidable acontecimiento más adelante. De Wexler voy a tomar prestado lo que el sitio de internet IMDB dice en resumen en cuanto a su enorme trayectoria en el celuloide: El dos veces ganador del Óscar Haskell Wexler es considerado uno de los diez cineastas más influyentes de la historia del cine según la Asociación Internacional de Cinematógrafos de la cual es miembro. Las dos estaquillas que gano han sido tanto por un clásico filmado en blanco y negro que es Quien le teme a Virginia Woolf, de Mike Nichols, que en 1966 le dio a la diva Elizabeth Taylor el segundo Óscar a la Mejor Actrizbde su carrera, y en color Bound for Glory, de 1976, de otro maestro de la dirección como Hal Ashby, el cual cuenta la historia de una de las leyendas de la música folclórica norteamericana Woody Guthrie y por lo mismo también gano un segundo Óscar a la Mejor Música de aquel año compuesta por Leonard Rosenman. Pero volviendo a Wexler, todavía en los años 70, el también filmo gran parte del clásico Días de Gloria, de Terrence Malick, que le dio al cubano Néstor Almendros a ganar el Óscar a la Mejor Fotografía de aquel año pero Wexler considera es un premio que debió de haber sido compartido puesto que Almendros se apoyó mucho en el por estar perdiendo la vista. Con todo, en 1993 fue premiado por la Asociación de Cinematógrafos con un premio de Trayectoria de Vida. Justo en el año de 1993 es cuando tengo la fortuna de ser seleccionado como asistente de edición del segmento latino en un documental titulado South Central Los Ángeles: Inside Voices, de Maxi Cohen, donde mi jefa fue una gran editora y amiga hasta la fecha, Sonya Polonsky, quien entre sus créditos se cuentan los de haber sido por su parte asistente de edición de la editora de cabecera de Martin Scorsese, Thelma Schoonmaker, en algunos títulos importantes del realizador, entre otros, Toro Salvaje (Ragging Bull), que le dio al primer actor Robert De Niro el segundo Oscar al Mejor Actor de su filmografía. Hago esta acotación porque fue en compañía de Sonya que el 16 de agosto de 2002, cuando me reuní con ella a una comida por motivo de mi cumpleaños no sólo me honro con el muy significativo regalo del DVD de Toro Salvaje sino que, comiendo en un restaurant de la avenida Franklin de Los Ángeles, me entero ojeando el LA Weekly que en mi segunda Alma Mater UCLA iba a exhibirse esa noche Matewan, de John Sayles, cinta por la que Wexler obtuvo una más de sus cinco nominaciones al Óscar como Mejor Fotografía, Sonya me honro en acompañarme a ver la película que originalmente yo había visto en el Cinema 16 de mi primera Alma Mater, el Tec de Monterrey, pero ahora para ser testigo de la emotiva reunión de dos de los creadiresbtrasbkas cámaras de aquella obra puesto que Wedlerry Sonya fueron el fotógrafo y editora respectiva de aquel filme.
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