¨EL PASADO HOMOSEXUAL¨ DE DANIEL DAY LEWIS

Un día como hoy pero de 1957 nace en el área de Greenwich de Londres, Inglaterra, Daniel Michael Blake Day-Lewis, quien con el paso de los años y las décadas sería conocido para el cine como el único hístrión en ganar hasta la fecha tres premios Oscar en la categoría al Mejor Actor de la estatuilla: Daniel Day Lewis. Sin embargo, lo que pocos saben es que el camino a ese logro lo inició participando desde su debut en el cine en películas controversiales pero muy aclamadas por ser de las primeras tanto en su país como en el resto del mundo en abordar historias de temática homosexual. Es así como en 1971, siendo un adolescente de 14 años de edad, tiene la edad y presencia perfecta para formar parte de un grupo de vándalos que molestan al personaje protagónico del desaparecido primer actor británico Peter Finch en una escena donde pasea por su automóvil por el centro de Londres como parte de ¨Sunday, Bloody Sunday¨, filme dirigido por el cineasta también británico ya para entonces ganador del Oscar John Schlesinger (por ¨Perdidos en la noche¨, de 1969) y por el cual Finch obtuvo su primera nominación al Oscar al Mejor Actor de 1971, la primera que se hacía en la historia de la Academia para un personaje homosexual. Aunque aquí el joven Day Lewis aparece de manera fugaz en pantalla pero los créditos de la película lo ignoran, la década de los 80 la inicia el actor con su primer crédito como Daniel Day Lewis en la máxima ganadora de Oscares de 1982, el filme épico ¨Gandhi¨, bajo la dirección del maestro también británico Richard Attemborough, ganador de los Oscares a la Mejor Película y Mejor Director de aquel año mientras Ben Kingsley se alzó con el de Mejor Actor por interpretar al personaje protagónico del mismo. Aquí Daniel Day Lewis hace un personaje poco participativo de nombre Colin, pero es a mediados de aquella misma década cuando dirigido por otro gran cineasta inglés como Stephen Frears que tiene un primer protagónico de antología en el cine puesto que al interpretar al punk de pelos pintados de nombre Johnny de ¨My Beautiful Laundrette¨, de 1985, pero quien lidia en su barrio bravo con la atracción y romance que inicia con un joven de ascendencia asiática encargado de una lavandería local. La cinta recibió muy buena acogida a pesar del controvertido homosexual y fue honrada incluisve por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood con una nominación al Oscar al Mejor Guión de 1987 para su escritor Hanif Kureishi. Con todo, es justo con el fin de aquella década que Daniel Day Lewis se corona como uno de los mejores actores de su generación primero por ser escogido por el prestigiado cineasta norteamericano Philip Kaufman para interpretar el papel protagónico masculino de la célebre novela de Milan Kundera ¨La insoportable levedad del ser¨, donde Day Lewis comparte créditos con otra futura ganadora del Oscar como Juliette Binoche y un proyecto que consigue por su parte dos nominaciones al Oscar como Mejor Guión Adaptado por Kaufman y Jean Claude Carriere, así como la Mejor Fotografía de 1988 para el maestro sueco Sven Nykvist, para en 1989 lograr Day Lewis su primera nominación (y a la vez su primer estatuilla dorada) como Mejor Actor por su estrujante papel del discapacitado Clancy Brown, quien a pesar de sus limitaciones logra salir adelante en su vida y trascender hacia el mundo como personaje extraído de la realidad con la ayuda de su pie izquierdo que le ayuda para escribir ante la parálisis de sus manos en el clásico ¨Mi pie izquierdo¨, que as u vez inicia una exitosa trilogía con el cineasta irlandés Jim Scheridan. Al iniciar en marzo de 1990 ganando su primer Oscar como Mejor Actor y asistir a la ceremonia con una cabellera larga no es gratuito que otro gran director norteamericano como Michael Mann ¨le eche el ojo¨ al británico para que sea el protagonista de su adaptación al cine del clásico texto de James Fenimore Cooper, ¨El último mohicano¨, que en 1992 Day Lewis protagoniza al lado de la actriz Madeleine Stowe y la cual gana un Oscar al Mejor Sonido de aquel año, para en 1992 con su segunda película de la trilogía bajo la dirección de Jim Sheridan de otra conmovedora historia real como lo fue¨la de ¨En nombre del padre¨, es que Daniel obtiene su segunda nominación a la estatuilla dorada como Mejor Actor. Perdiendo ante la no menos emotiva actuación que hizo el norteamericano Tom Hanks de un homosexual enfermo de sida en el clásico ¨Filadelfia¨, de Johnatan Demme, en 1993, mismo año en el que el actor tien eel papel protagónico del drama romántico ¨La edad de la inocencia¨, de otro maestro del cine como lo es el norteamericano Martin Scorsese, al lado de otra cumpleañera del día de hoy como lo es Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, quien optiene por su parte una nominación a la Mejor Actriz de Reparto de aquel año. En 1996 Daniel Day Lewis participa en la adaptación al cine de una reconocida obra del dramaturgo norteamericano Arthur Miller, ¨Las brujas de Salem¨ (¨The crucible¨), por la que su coestrella Joan Allen obtiene su respectiva nominación a la Mejor Actriz de Reparto de aquel año y Miller como Mejor Guión adaptado por su propio texto literario. Es justo durante la preparación de aquel filme que conoce a la hija de Miller y la fotógrafa Inge Morath, la también actriz y directora Rebecca Miller, de quien se enamora y casa al finalizar las filmaciones de la cinta. En 1997 cierra la exitosa trilogía con este director con la no menos sobresaliente ¨El boxeador¨, donde actúa junto a otra primera actriz como Emily Watson y el nuevo milenio lo inicia Daniel Day Lewis con una nueva mancuerna con el maestro Martin Scorsese en la épica ¨Pandillas de Nueva York¨, que al lado de Leonardo DiCaprio y Cameron Díaz le da a Day Lewis su tercera nominación en su filmografía en su caso por un antagónico en la terna de Mejor Actor de 2002. Pero es en el año 2007, cuando después de protagonizar en 2005 bajo las órdenes de su esposa Rebecca la película ¨The Ballad of Jack and Rose¨ que en 2007 al interpretar el explosivo papel protagónico de Daniel Plainview en la cinta del norteamericano Paul Thomas Anderson ¨Petróleo sangriento¨ (¨There Will Be Blood¨), que sin muchas dudas se lleva su segundo Oscar como Mejor Actor de aquel año en su cuarta nominación en la misma terna al tiempo que el maestro Robert Elswit gana como Mejor Fotografía. En 2009 Day Lewis hace sus pininos en el género musical bajo la dirección del cineasta Rob Marshall en la adaptación del clásico ¨8 y medio¨, del italiano Federico Fellini, bajo el título de ¨Nine¨, interpreta el papel que en aquella historia le correspondía al no menos memorable primer actor Marcello Mastroiani acompañado de bellas ganadoras del Oscar como Marion Cotillard, Nicole Kidman y Penélope Cruz, y en 2012 como dicen por ahí ¨no hay quinto malo¨, ya que por su interpretación del controversial presidente norteamericano Abraham Lincoln en la biografía fílmica ¨Lincoln¨, del prolífico cineasta norteamericano Steven Spielberg, este último logra por primera vez que uno de sus actores de sus películas gane un Oscar y sea con su tercer truinfo como Mejor Actor que Daniel Day Lewis hace historia como el histrión con más estatuillas doradas como actor protagónico del Oscar. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

PENÉLOPE CRUZ: CONSENTIDA DE BIGAS LUNA, ALMODÓVAR Y WOODY ALLEN

Un día como hoy pero de 1974 nace en Madrid, España, Penélope Cruz Sánchez, quien luego de participar como modelo de comerciales y vídeos a finales de los 80 como el del grupo Mecano para el tema "La fuerza del destino", contenido en su álbum "Descanso dominical", de 1988, a partir de que el recientemente desaparecido Bigas Luna la descubre para el cine en el memorable filme  de 1992 "Jamón, Jamón", donde también despunta su hoy esposo Javier Brdem, es conocida para el cine español e internacional como la actriz Penélope Cruz. Y es que además de la proyección internacional que le da el filme en cuestión, Penélope es parte también aquel año de la ganadora del Óscar a la Mejor Película Extranjera de 1992, "Belle Epoque", de Fernando Trueba, donde comparte créditos con otra primera actriz de su generación Maribel Verdu, el primer actor Fernando Fernán Gómez y Jorge Sanz, entre otros. Sin embargo, aunque sigue a partir de entonces trabajando sin parar en el cine de su país, no es sino hasta finales de los 90 cuando son imprescindibles dos títulos para su internacionalización: el thriller "Abre los ojos" de Alejandro Amenabar, de 1997, y la ganadora del Óscar a la Mejor Película Extranjera de 1999, "Todo sobre mi madre", el segundo trabajo que filma bajo las órdenes del maestro Amodovar tras su primer (y más breve encuentro en pantalla) en "Carne trémula". Y aunque en 1998 ya hace sus pininos en Hollywood nada menos que haciendo de hija de la primera mexicana nominada al Oscar Katy Jurado en "The Hi Lo Vountry", de Stephen Frears. es a partir del nuevo milenio en que la Cruz inicia con el pie derecho su trabajo protagónico en la Meca del Cine  filmando una historia que se desarrolla en el estado de Coahuila, en México, bajo el título de "Espititu salvaje" ("All the pretty horses"), del ganador del Óscar Billy Bob Thornton y actuando al lado de otro ganador de la estatuilla como Matt Damon en el año 2000, para en 2001 repetir su papel de "Abre los ojos" en un desafortunado remake que dirige Cameron Crowe y protagonizando junto a Tom Cruise bajo el título de "Vanilla Sky"; del mismo año junto a Johnny Depp estelariza "Inhala" de Ted Demme, donde actúa también al lado de Jordi Molla, con quien debuta en "Jamón Jamón", de Bigas Luna, y repite con Luna en la menos conocida "Volaverunt", de 1999. Pero hablando de repetir con directores clave para su filmografía en 2006 cuando siendo la protagonista principal del drama "Volver", de Pdro Almodóvar, es cuando Penélope consigue su primera nominación al Óscar como Mejor Actriz de aquel año para ganar la estatuilla, en su caso como Mejor Actriz de Reparto de 2008, por su primera participación con el maestro norteamericano Woody Allen en la comedia "Vicky Christina Barcelona", donde aparece al lado otra vez de su esposo Javier Bardem y automáticamente quita a la actriz fetiche de Allen hasta entonces, Scarlett Johansson, esa distinción al ser llamada de nuevo por el cineasta a protagonizar "Desde Roma con amor", en 2012. Este verano Penélope vuelve a la pantalla grande haciendo junto a su compatriota Antonio Banderas una participación especial en "Los amantes pasajeros", el más reciente trabajo de Almodóvar, con quien en 2009 vuelve a filmar como protagonista "Los abrazos rotos", mismo año que vuelve a ser nominada al Óscar como Mejor Actriz de Reparto por el musical "Nine", de Rob Marshall, donde comparte créditos con otros ganadores del Óscar como Daniel Day Lewis, Marion Cotillard y Nicole Kidman para luego participar en dos anticipadas secuelas hollywoodenses como lo fueron "Sex and the City 2", de 2010, y "Piratas del Caribe 4", donde vuelve a ser pareja en pantalla con el actor Johnny Depp, de 2011. A finales de este año se espera también el esteno de su más reciente mancuerna con su esposo Javier en el thriller "The counselor", dirigida por otro maestro como Ridley Scott, y compartiendo créditos con los primeros actores Brad Pitt y Michael Fassbender. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

GABRIEL FIGUEROA: EL PRIMER FOTOGRAFO MEXICANO NOMINADO A UN OSCAR

Un día como hoy pero de 1997 muere en la Ciudad de México, apenas unos días de haber cumplido el 24 de abril de aquel mismo año 90 años de edad, el primer fotógrafo mexicano en haber sido nominado a un Oscar, el maestro Gabriel Figueroa. Nacido el 24 de abril de 1907 como Gabriel Figueroa Mateos, el maestro se inicia como fotógrafo de cine con el pie derecho al colaborar con el maestro ruso Segei Eisenstein, autor de clásicos de aquella filmografía como ¨El acorazado Potempkin¨ y ¨Octubre¨, en el retrato de México que hace con ¨Qué Viva México¨, en 1932, para comenzar a despuntar con sus primeros grandes trabajos bajo las órdenes de otro gran cineasta del cine nacional, Fernando de Fuentes, para quien hizo la fotografía de clásicos de la talla de ¨Vámonos con Pancho Villa¨, en 1935, y ¨Allá en el Rancho Grande¨, de 1936, cinta que inaugura el género del melodrama ranchero pero también de la Epoca de Oro como tal por además de ser un éxito de crítica principalmente fue de taquilla y es a partir de él que comienza a funcionar el engranaje industrial del cine mexicano. Es aquel mismo año de 1936 que justo al comenzar a internacionalizarse con gran éxito el cine mexicano viaja a Los Angeles, California, donde recibe un entrenamiento clave para su estilo cinematográfico puesto que aunado a la experiencia en ¨Qué Viva México¨, donde Eisenstein de alguna forma borda imágenes muy mexicanas a partir de célebres pintores como Orozco ó Siqueiros, al ser su mentor un maestro de la luz como Greg Tolland, responsable para no ir tan lejos de un clásico del cine universal como ¨El ciudadano Kane¨, de Orson Welles, termina de enmarcar esa mirada que retrató el México de grandes clásicos de nuestra cinematografía particularmente bajo la dirección del coahuilense Emilio ¨Indio¨ Fernández con quien forma ese ¨quinteto maravilla¨ a partir de 1943 cuando con ¨Flor Silvestre¨ reúne a Fernández como director, a Figueroa como fotógrafo, a Mauricio Magdaleno como guionista y a la dupla de actores de Dolores del Río y Pedro Arméndariz como un equipo fílmico que cuaja a la perfección y logra consolidar al cine nacional como industria tanto en el país como en el extranjero. Así, tan pronto como en 1946 con la primera edición del Festival de Cine de Cannes, es con la segunda película del conjunto,¨¨María Candelaria¨, que Figueroa no sólo es parte de la primera película mexicana en ganar en Cannes la Palma de Oro sino él ganar como Mejor Fotografía. En 1947, su mentor Tolland se ve imposibilitado a fotografiar para otro maestro del cine como John Ford su western ¨El fugitivo¨, protagonizada por el actor Henry Fonda y al primer fotógrafo que recomienda es a Figueroa cuyo trabajo se termina de confirmar al entrar Dolores del Río y Pedro Arméndariz al elenco, y aunque su resultado es tan satisfactorio para Ford que no duda en conseguirle un contrato por tres años para colaborar en más proyectos juntos, por su calidad de extranjero y el veto que se dio en la era McCarthy se le negó la visa para trabajar en Estados Unidos enfocándose en el cine nacional donde después de terminar el quinteto mencionado con ¨La malquerida¨, de 1949, los años 50 Figueroa inicia otra prolífica mancuerna con otro gran realizador extranjero en su caso recién llegado a México, Luis Buñuel, con quien a partir de esa obra maestra que fue ¨Los olvidados¨, de 1950, vuelve a estar en la primera fila de cintas premiadas en Cannes. La década de los 50 la concluye de hecho con otro clásico dirigido por Buñuel como lo fue ´Nazarín¨, en 1958,proyectado con éxito en Cannes, y los 60 es trabajando con otros grandes realizadores mexicanos como Roberto Gavaldón e Ismael Rodríguez y Luis Alcoriza que es parte de las primeras películas mexicanas que fueron nominadas al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera como lo fueron ¨Macario¨, en 1960 y ¨Animas Trujano¨, en 1961, de manera respectiva. No pasó mucho tiempo para que ya pasada la era McCarthy otro gran cineasta norteamericano de la talla de John Huston llame a Figueroa para fotografiar teniendo como escenario las playas de Puerto Vallarta, Jalsico, el clásico ¨La noche de la iguana¨, basada en un texto del prestigaido dramaturgo Tennessee Williams, y que protagonizada por primeros actores como Richard Burton, Ava Gardner y Deborah Kerr le dieron al maestro la primera nominación para un fotógrafo mexicano por su trabajo en blanco y negro en 1964. Los inicios de la década de los 70 lo mantienen trabajando en Hollywood en un western como ¨Two Mules for Sister Sara¨, protagonizada por dos ganadores del Oscar como Clint Eastwood y Shirley MacLaine, y junto a Eastwood otra vez en el filme bélico ¨Kelly´s Heroes¨, de Brian G. Hutton, manteniéndose activo hasta la primera mitad de la década de los años 80 cuando su última película para el cine nacional es ¨El maleficio 2¨, de Raúl Araiza, en 1984, y en el plano internacional ¨Bajo el volcán¨, adaptación del texto de Malcolm Lowry una vez más realizado por el maestro norteamericano John Huston, y protagonizado por Albert Finney, Jacqueline Bissett y los mexicanos Katy Jurado y Emilio ¨Indio´Fernández, también el mismo año. A principios de los años 90, cuando un servidor inicia su trabajo en producción en el equipo del reconocido creativo saltillense Pedro Torres tengo el privilegio de conocer personalmente al maestro Figueroa durante la proyección de un video musical del cantante Emmanuel titulado ¨La vida decidió¨, ya que se le pidió autorización para utilizar imágenes de ¨María Candelaria¨, a una historia que tenía lugar en un Xochimilco contaminado que hacía referencia a mejores épocas como las que retrata el clásico del director coahuilense, y poco después cuando viajo a Los Angeles a realizar unos estudios de postgrado en UCLA me toca d enueva cuenta compartir con él un homenaje que le hacen en la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas por su trabajo en Hollywood y para el que es invitada a presidir el evento la actriz Silvia Pinal, con quien colabora en dos clásicos de Buñuel como lo fueron ¨El ángel exterminador¨, de 1962 y ¨Simón del desierto¨, en 1965. Descanse en paz y gracias por su legado

SHIRLEY MACLAINE: EN EL SET DE CANTINFLAS A CAMIL Y DE LA LENTE DE FIGUEROA AL TWEET DE CARLOS FUENTES

Un día como hoy pero de 1934 nace en Richmond, Virginia, Shirley MacLean Beatty, quien sería conocida para el cine como la primera actriz Shirley MacLaine. Hermana mayor a su vez del también reconocido actor, director y productor norteamericano Warren Beatty, Shirley tiene un primer acercamiento con las Bellas Artes con el ballet y fue poco después de que al terminar la preparatoria deja su ciudad natal para dirigirse a Nueva York y que en medio de las audiciones para un musical de Rodgers y Hammerstein y uno de los productores se la pasaba equivocándose al pronunciar su nombre de pila que decidió cambiárselo al nombre artístico de Shirley MaClaine. Es en ese período cuando al reemplazar a la protagonista de la puesta ¨The Pajama Game¨, Carol Haney, la noche en la que un productor hollywoodense de la talla de Hall B. Wallis, asiste a la función de la misma y queda prendado por su presencia escénica que le consigue un contrato por cinco años para los estudios Paramount,por lo que justo tres meses después el prestigiado ¨mago del suspenso¨, Sir Alfred Hitchcock, sea su padrino en la pantalla grande al llamarla a protagonizar junto al desaparecido John Forsythe la comedia de humor negro ¨The Trouble with Harry¨, de 1955. De entonces a la fecha su trabajo en el Séptimo Arte es imparable, y tan pronto como en 1956 ya brilla dentro del reparto de la ganadora del Oscar a la Mejor Película de aquel año, la adaptación cinematográfica del texto de Julio Verne ¨La vuelta al mundo en 80 días¨, de Michael Anderson, donde haciendo el exótico papel de una princesa de oriente comparte créditos con el inglés David Niven y el mexicano Mario Moreno ¨Cantinflas¨, ó a finales de la década el drama ¨Some Came Running¨, de Vincente Minnellí, donde aparece al lado de figuras de la talla de Frank Sinatra y Dean Martin y que le da su primera nominación a la estatuilla en la terna de Mejor Actriz. Es así como la década de los 60 no puede iniciarla Shirley MaClaine de mejor manera que conseguir su segunda nominación al Oscar a la Mejor Actriz por su participación junto al ganador de la estatuilla Jack Lemmon en la clásica comedia romántica ¨El Apartamento¨, que a su vez inicia una prolífica mancuerna con el también renombrado realizador Billy Wilder; en 1961 bajo las órdenes de otro maestro del cine como William Wyler es parte de la controversial historia de temática lésbica basada en un texto de Lillian Hellmann titulada ¨The children´s hour¨, al lado de actores de primer nivel como Audrey Hepburn y James Garner y en 1983, otra vez bajo la dirección de Billy Wilder y haciendo mancuerna de nueva cuenta con Jack Lemmon, interpreta otro controvertido papel, el de una prostituta en el clásico ¨Irma la dulce¨, que le da su tercera nominación a la estatuilla en la terna a la Mejor Actriz de 1963 para a finales de la década, al tiempo que interpreta a otra prostituta en la adaptación al cine del musical basado en la cinta ¨Las noches de Cabiria¨, de Fellini, que fue ´Dulce caridad¨, bajo la dirección de otro maestro como Bob Fosse, ese mismo 1969 viaja a México para filmar el western ¨Two Mules for Sister Sara¨, de otro emblemático realizador como Don Siegel, actuando al lado de otro futuro gran cineasta como Clint Eastwood la cual contó con el trabajo detrás del las cámaras del célebre fotógrafo de origen mexicano Gabriel Figueroa quien también estaria festejando su cumpleaños número 106 el día de hoy. Los años 70 la señora MacLaine no dejó de cosechar truinfos, ya que en lo relacionado a nominaciones al Oscar y una ausencia frente a las cámaras de cinco años, consiguió otras dos primero como productora de un documental filmado en China bajo el título ¨The Other Half of the Sky: A China Memoir¨, así como la cuarta en su filmografía como Mejor Actriz por su participación protagónica en ¨Momento de decisión¨ (¨The turning point¨), bajo la dirección de Herbert Ross, cerrando esa década ¨con broche de oro¨ al actuar junto a otro primer actor como Peter Sellers en la que sería su última película, ¨Un jardinero con suerte¨ (¨Being there¨), de Hal Ashby, en 1979. Pero como dicen por ahí que ´no hay quinto malo¨ es en el año de 1983 cuando bajo la dirección del cineasta James L. Brooks que por su papel protagónico de una madre dominante y sobreprotectora texana de nombre Aurora Greenwalt en la máxima ganadora de Oscares de aquel año ¨La fuerza del cariño¨(¨Terms of endearment¨) que logra ganar su primer Oscar haciendo mancuerna con otro primer actor como Jack Nicholson (quien gana por este filme la segunda estatuilla de su filmografía) y los también nominados Debra Winger y John Lithgow, entre otros. Cuando parecía que iba a ocurrir con la actriz la temida ¨maldición del Oscar¨ cuando al haberlo ganado iba a hacer puras cintas menores al protagonizar en 1984 ¨Carrera de locos II¨, de Hal Needham, más que por su amistad con miembros de la ¨Rat Pack¨, Dean Martin y Sammy Davis Jr., que por otra cosa, en 1988 vuelve a soprender con su actuación protagónica en el drama ¨Madame Sousatzka¨, del maestro ganador del Oscar inglés John Schlesinger, por el cual consigue un premio en el festival de cine de Venecia, y en 1989 es una de las madrinas de una naciente actriz como Julia Roberts en el clásico ¨Magnolias de acero¨ donde comparte créditos con otras ganadoras de la estatuilla como Sally Field y Olympia Dukakis, entre otras más. Los años 90 los inicia la actriz trabajando en la adaptación cinematográfica del libro de Carrie Fisher sobre su convulsionada real con su madre, la también actriz Debbie Reynolds, en el melodrama ¨Recuerdos de Hollywood¨ (¨Postcards from the edge¨), de Mike Nichols, donde comparte créditos con otra primera actriz ganadora en su caso de varios Oscares Meryl Streep. Del resto de la década destacan su papel de primera dama en la comedia ¨El guardaespaldas y la primera dama¨ (¨Guarding Tess¨), de Hugh Wilson, en 1994, y la secuela de ¨La fuerza del cariño¨ de 1996 ¨The evening star¨, de Robert Harding, compartiendo créditos con el actor texano Bill Paxton y la también nominada a la estatuilla Juliette Lewis, aunque esta no tuvo la resonancia en crítica y taquilla que tuvo su predecesora. Ya en el nuevo milenio la señora MaClaine combina fracasos taquilleros como lo fue la adaptación al cine de ¨Hechizada¨, bajo la dirección de Nora Ephron como la madre del personaje de la ganadora del Oscar Nicole Kidman, con su más reciente nominación al Globo de Oro por un papel para la pantalla grande como la abuela de los personajes de Cameron Díaz y Toni Collette en el melodrama ¨En sus zapatos¨, del también ganador de la estatuilla Curtis Hanson, en 2005,. En la segunda década del nuevo milenio, en marzo de 2012, apenas dos meses antes de morir y previo al cumpleaños de la actriz en abril del año pasado, el escritor mexicano Carlos Fuentes fue noticia en las redes sociales por haber escrito en un sólo día 21 tweets de los cuales sólo uno fue en su idioma natal español. Entre los que escribió en inglés dedicó uno a Shirley MacLaine diciendo ¨@maclaineshirley My beautiful dear friend. It is always so good to meet again even if we seldom do. All my love as usual¨ (Mi querida y bella amiga. Siempre es bueno encontrarnos otra vez aunque pocas veces lo hagamos. Todo mi amor como siempre¨. Y es que la relación de amistad entre el maestro Fuentes y la MacLaine se remonta a la novela del escritor ¨Cumpleaños¨, la cual fue dedicada a la actriz por haber manifestado alguna vez que era la encarnación de una princesa inca. Quiás esa sería la razón por la que aceptó interpretar a una princesa en su caso de oriente en la mencionada ¨La vuelta al mundo en 80 días¨. A finales de 2012, la actriz logra  destacar en una comedia de humor negro como ¨¨Bernie¨, de 2012, sobre la historia real de una viuda que es asesinada por un singular acompañante que interpreta el actor Jack Black por cuyo trabajo fue nominado a su vez a un Globo de Oro y para este año, además de continuar su participación en la pantalla chica como la matriarca norteamericana que se antepone a la matriarca inglesa que interpreta otra ganadora del Oscar como Maggie Smith en el exitoso serial televisivo inglés ¨Downtown Abbey¨, será vista en le versión hollywoodense de ¨Elsa y Fred¨, bajo la dirección del realizador de origen hindú Michael Radford (¨El cartero¨) y compartiendo créditos con otroos ganadores del Oscar como Christopher Plummer, Marcia Gay Harden y hasta el mexicano Jaime Camil participando como uno de los meseros de la emblemática cena que tienen en la cinta la peraja protagonista, entre otros más. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

JORGE FONS: DE LOS GRANDES DEL NUEVO CINE MEXICANO ... DE LOS AÑOS 70

Un día como hoy pero de 1939 nace en Tuxpan, Veracruz, Jorge Fons Pérez, mejor conocido como el maestro Jorge Fons, uno de los integrantes de la primera generación ¨oficial¨ del llamado ¨nuevo cine mexicano¨ pero de los años 70, aquella que incluyó a otros maestros del Séptimo Arte nacional que como él se mantienen activos desde sus respectivas trincheras entre quienes podemos mencionar a Felipe Cazals, Arturo Ripstein, Jaime Humberto Hermosillo, Alfonso Arau y otros más. Fons oficialmente inaugura la década de los 70 con un primer largometraje como director titulado ¨El quelite¨, de 1970, protagonizado por Manuel López Ochoa, Lucha Villa y Héctor Suárez, entre otros, pero es más bien el cortometraje ¨Caridad¨, perteneciente al compilado de tres historias ¨Fé, esperanza y caridad¨, que en 1972 le da notoriedad tal que llega a ser premiado con algunos de los principales premios Ariel de su año no sólo de cortometrajes sino que se cuela en categorías reservadas para largometrajes dándole a ganar los premios de Mejor Actor para Pancho Córdova y Mejor Actriz Katy Jurado compartiendo créditos también con la primera actriz Sara García, el actor coahuilense Julio Aldama y la michoacana Stella Inda, entre otros. A este filme le siguen en la misma década un emblemático western de 1972 en cuyo guión colaboró el mencionado Arturo Ripstein bajo el título de ¨Cinco mil dólares de recompensa¨, en cuyo elenco figuraron los desaparecidos Claudio Brook, Jorge Luke y Pedro Armendáriz Jr, además de dos exitosas adaptaciones al cine de importantes obras literarias tanto de la pluma del Premio Nóbel peruano Mario Vargas Llosa como lo fue ¨Los cachorrros¨, también de 1972, protagonizada por José Alonso, Helena Rojo y la primera actriz Carmen Montejo, ganadora de tres premios ACE que otorgan los periodistas cinematográficos de Nueva York a la Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz (Carmen Montejo), así como de Vicente Leñero ¨Los albañiles¨, de 1975, ganadora del Oso de Plata de Berlín y del ACE al Mejor Actor para Adalberto Martínez ¨Resortes¨. La década de los 80 la inicia el maestro Fons expandiendo sus horizontes hacia el género documental con su cortometraje ¨Diego Rivera, Vida y obra¨, pero justo cuando estaba incursionando en la dirección de telenovelas con la memorable ¨La casa al final de la calle¨, de 1988, donde dirigía al primer actor Héctor Bonilla, la primera actriz Angélica Aragón y el desaperecido Eduardo Palomo, es justo Bonilla quien lo entusiasma para levantar un emblemático proyecto cinematográfico como lo viene a ser en 1989 ¨Rojo amanecer¨, largometraje que se filma en forma prácticamente clandestina por tratar un tema políticamente incorrecto aún para aquellos tiempos como lo fue la matanza del 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco el cual termina financiando el productor y actor Valentín Trujillo y que termina alzándose con los 8 de los principales premios Ariel de 1990 entre los que se incluyeron los de la Mejor Película, el Mejor Director, Mejor Actor (Bonilla), Mejor Actriz (María Rojo) y Mejor Guión (Xavier Robles). A mediados de los años 90 vuelve a hacer historia con una gran adaptación en su caso del escritor egipcio Naguib Mahfouz hecha por el mencionado Vicente Leñero para ¨El callejón de los milagros¨, que en su caso es la máxima ganadora de Arieles a lo mejor del cine de 1994 ganando la cifra record de 10 Arieles entre los que se contaron los de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz (Margarita Sanz), Mejor Guión (Leñero)  y Mejor Coactuación Masculina (Luis Felipe Tovar), entre otros, además de ganar de nuevo en Berlín un premio especial por su excepcional calidad narrativa. Irónicamente, a partir de entonces el maestro Leñero tiene qué esperarse 15 años para regresar a dirgir un largometraje como lo es el estrenado en 2010 bajo el título de ¨El atentado¨,  que recrea un atentado habido en contra del Presidente Porfirio Díaz y que protagonizan uno de sus actores de ¨El callejón de los milagros¨, Daniel Gímenez Cacho, José María Yazpik, Irene Azuela y Julio Bracho, entre otros más. En 2003 tuve el honor de conocer al maestro Jorge Fons en la edición de aquel año del Festival Internacional de Cine de Guadalajara para agradecer su favorable retroalimentación para un guión cinematográfico de mi autoría que bajo el título de ´La lotería- La película¨, cosniguió interesar a su paisana veracruzana Ana de la Reguera y quisimos conocer su opinión sobre el mismo que a la larga llegó a ser admitido dentro del Banco de Guiones del IMCINE del año 2007. Muchas felicidades, gracias por su legado hasta la fecha y que sigan los éxitos!

JACK NICHOLSON Y TODAS SUS DECADAS DE PRIMER ACTOR

Un día como hoy pero de 1937 nace en Manhattan, Nueva York, John Joseph Nicholson, quien con el paso de los años sería conocido como el primer actor del cine Jack Nicholson quien sólo al igual que el británico Michael Caine son los únicos actores que desde los años 60 hasta la primera década del siglo XXI han sido reconocidos por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood con nominaciones al Oscar y en el caso de Nicholson habiendo sido distinguido en tres ocasiones con la estatuilla. Y es que luego de debutar en plan estelar en una producción del productor Roger Corman como lo fue ¨La tiendita del horror¨, de 1960, es a finales de la década de los 60 cuando Nicholson es nominado por primera vez a un Oscar, en su caso en la categoría de Mejor Actor de Reparto, gracias a su participación en la emblemática película de manufactura independiente ¨Easy Rider: Busco mi destino¨, de 1969, compartiendo estelares con los actores Peter Fonda y Dennis Hopper, quien también la dirigió. A partir de entonces, y con el inicio de la década de los 70, comenzó a ser nominado en la categoría de Mejor Actor por sus particpaciones en ¨Five Easy Pieces¨ (Bob Rafelson, 1970); ¨The Last Detail¨ (Hal Ashby, 1973) y el clásico de cine negro ¨Barrio chino¨ (Roman Polanski, 1974) hasta que en 1975 es honrado con su primera estatuilla en dicha categoría por ¨Atrapado sin salida¨ (¨One Flew Over The Cucko´s Nest¨), el segundo filme en la historia del cine en ser premiado en las cinco categorías principales de Mejor Película; Mejor Director (Milos Forman); Mejor Actor (Nicholson); Mejor Actriz (Louise Fletcher) y Mejor Guión (Lawrence Hauben y Bo Goldman). Con todo, si bien los años 80 los inicia Jack Nicholson protagonizando en plan estelar un clásico del cine del terror como ¨El resplandor¨, de un maestro como Stanley Kubrick, de 1980, irónicamente para los académicos es hasta 1981 cuando su trabajo actoral vuelve a ser reconocido pero en la categoría de Mejor Actor de Reparto por la épica ¨Reds¨, dirigida y protagonizada por Warren Beatty, donde interpreta al célebre escritor norteamericano Eugene O´Neill. En 1982 vuelve a un rol protagónico controvertido como un corrupto oficial de la patrulla fronteriza de Texas que se ve doblegado por el caso de una inmigrante ilegal (la actriz chiapaneca Elpidia Carrillo) que está por ser vendido en el mercado negro en el filme ¨La frontera¨ (¨The border¨), dirigida por el británico Tony Richardson, pero al volver a repetir la nominación como Actor Secundario en 1983 por la máxima ganadora de aquel año que fue ¨La fuerza del cariño¨ (¨Terms of Endearment¨), como un astronauta retirado que galantea a Aurora Greenwald (Shirley MacLaine), la madre de una joven víctima del cáncer, de esos premios le toca uno a él y es la segunda estatuilla dorada que gana en su filmografía. El resto de la década sigue obteniendo nominaciones ahora como Mejor Actor por ¨El honor de la familia Prizzi¨ (John Huston, 1985), junto a otra ganadora de la estatuilla con la que en su caso se involucró también sentimentalmente, Anjélica Huston, ó ¨El amor es un eterno vagabundo¨ (Héctor Babenco, 1987), con una primera actriz como Meryl Streep, así como éxitos de taquilla que van de ¨Las brujas de Eastwick¨ (George Miller, 1987)  a la cinta más taquillera de 1989 ¨Batman¨, de Tim Burton, donde interpretó el memorable personaje del Guasón. Aunque los años 90 los inicia Nicholson dirigiendo además de protagonizando un fracaso de taquilla como lo es la segunda parte de ¨Barrio Chino¨, de 1990, tan pronto como para 1992 vuelve a ser considerado para nominaciones al Oscar, en su caso otra vez como Mejor Actor de Reparto, por el papel del militar que es cuestionado por el personaje de Tom Cruise en un juicio al que le llega a responder en un momento climático ¨¡No puedes enfrentar la verdad!¨, dentro de lo que en México conocimos cono ¨Cuestión de honor¨ (¨A few good men¨), bajo la dirección de Rob Reiner. En 1997 su reunión con el director de ¨La fuerza del cariño¨, James L. Brooks, no puede ser más que afortunada, puesto que ahora teniendo ya el rol protagónico de la comedia ¨Mejor ... imposible¨ (¨As good as it gets¨), le da a Nicholson el segundo Oscar de su carrera en la terna como Mejor Actor Protagónica, honor que también obtiene por su parte como Mejor Actriz su compañera en la misma Helen Hunt. El nuevo milenio lo inicia Nicholson con el pie derecho con su última nominación al Oscar al Mejor al Oscar al Mejor Actor de 2002 por el drama ¨About Schmidt¨, de Alexander Payne; en 2003 brilla de nuevo en la comedia al lado de la ganadora del Oscar Diane Keaton en ¨Alguien tiene qué ceder¨, de Nancy Meyers, y en 2006 forma parte de la ganadora a la Mejor Película de aquel año como parte del reparto de ¨Los infiltrados¨ (¨The departed¨), de Martin Scorsese, al lado de Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Mark Wahlberg. En 2007 ya en plan estelar otra vez bajo las órdenes de Rob reiner hace un gran melodrama titulado en México ¨Antes de partir¨ (¨The Bucket List¨), donde compartió créditos con otro ganador del Oscar como Morgan Freeman, y su más reciente participación en la pantalla grande sea hasta el momento de escribir estas líneas ¨¿Cómo saber si es amor?¨ (¨How do you know¨), de 2010, bajo la dirección otra vez de James L. Brooks como el padre del personaje de Paul Rudd y en donde también participan la ganadora del Oscar Reese Witherspoon y el nominado Owen Wilson. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

ANTHONY QUINN: EL ÚNICO MEXICANO QUE HA GANADO DOS OSCARES

Un día como hoy pero de 1915 nace en Chihuahua, México, Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca, hijo de padre de ascendencia irlandesa y madre mexicana. Luego de vivir modestamente en México, su familia se muda a Los Ángeles siendo aún niño en donde creció viviendo entre los barrios de Boyle Heights y Echo Park. El joven Quinn se dedicó por un tiempo al boxeo (lo cual le ayudo a plantearse sobre un escenario, sobre todo para interpretar papeles de u ha demanda física como el de Stanley Kowalski que le dio muchos aplausos al representarlo en Chicago), y en primera instancia opto por estudiar arquitectura bajo la tutela del prestigiado arquitecto Frank Lloyd Wright en su estudio de Taliesin, Arizona, pero es ahí donde el propio Wright quien lo alienta a dedicarse a la actuación. Es así cuando luego de realizar algunos estudios de teatro en 1936, a los 21 años de edad, el joven Quinn llega a Hollywood donde comienza a ser escogido para hacer actuaciones secundarias como la de un indio en "The Plainsman", dirigida por quien más adelante sería su suegro, Cecil B. De Mille, ya que contrajo nupcias com la hija del célebre director y productor, Katherine DeMille. Pero aunque ese hecho si le favoreció en ser acogido por los cerrados círculos de la elite hollywoodense si bien a Quinn no le faltaba trabajo como actor no había para el en el cine papeles que representarán un reo actoral suficiente por lo cual es que acepta hacer el papel protagónico mencionado de Stanley Kowalski en la adaptación teatral que se hace en Chicago del gran texto del maestro Tenessee Williams "Un tranvía llamado deseo", una labor que no pasa desapercibida para quien lleva esa puesta de escena al cine en 1951, el no menos reconocido cineasta Elia Kazan, quien conocedor del atractivo que daría que el Kowalski del cine que interpreta su actor fetiche Marlon Brando tuviera un duelo de actuaciones con el Kowalski de la puesta en Chicago, Anthony Quinn, convoca a los dos actores para filmar su versión cinematográfica del caudillo revolucionario mexicano Emiliano Zapata en el clásico "Viva Zapata!", en donde aunque lógicamente Brando es quien interpreta (a todo esto muy bien) y consigue una nominación al Óscar al Mejor Actor de 1952 por hacerlo, en su lugar es Quinn quien por personificar al hermano de Zapata se lleva la estatuilla dorada al Mejor Actor de Reparto de aquel año y lo hace ser automáticamente el primer histrión de origen mexicano en la historia del Óscar en llevarse ese premio. Dicha hazaña la repite Quinn a finales de aquella misma década cuando en 1956 por interpretar al pintor Paul Gauguin en la cinta biográfica del pintor Vincent Van Gogh que personifica el primer actor Kirk Douglas en "Sed de vivir", de Vincente Minnelli, se lleva su segundo Óscar como Mejor Actor de Reparto por una actuación no mayor de 10 minutos en pantalla. Con todo, aunque tan pronto como en 1957 consigue su primera nominacion al Oscar en la categoria de Mejor Actor protagónico  por el drama "Wild is the wind", del maestro George Cukor, quizas por el hecho de protagonizar al lado de otra importante actriz italiana como Anna Magnani luego de que en 1954 un prestigiado director italiano como Federico Fellini confió en el sin equivocarse para ser el protagonista masculino al lado de su esposa, Giuletta Mesina en su clásico "La strada, Quinn se establece en Italia en los años 60 y es precisamente en el continente europeo donde empieza a ser parte de elencos importantes de clásicos como "Los cañones de Navarone" (J.Lee Thompson, 1961), al lado de David Niven y Gregory Peck; "Lawrence de Arabia" (David Lean, 1962) o la que en 1964 le da una nominación

FELIZ CUMPLEAÑOS A MI ACTRIZ HOLLYWOODENSE FAVORITA: JESSICA LANGE!

Un día como hoy pero de 1949 nace en Cloquet, Minnesota, Jessica Phyllis Lange, quien luego de obtener una beca para estudiar arte en la Universidad de Minnesota decidió emigrar a París a estudiar arte dramático y de ahí aterriza en Nueva York donde trabaja como modelo por varios años y es ahí donde el célebre productor de origen italiano Dino De Laurentiis ¨le echa el ojo¨ para protagonizar la segunda versión del clásico de 1933 ¨King Kong¨, que justo hace algunos días estuvo festejando su aniversario número 80. Esa película con la que Jessica Lange gana el Globo de Oro al Mejor Debut Actoral de 1976 es con la misma con la que se gana también mi admiración puesto que como el niño que era al momento de ver aquella superproducción en la que compartió créditos con otro futuro ganador del Globo de Oro y del Oscar, Jeff Bridges, quedó impresa para siempre en mi memoria esa seducción de la que es parte la bella que interpreta ella con la bestia que era King Kong. Como una bella muerte destaca su presencia en el clásico de 1979 ¨El show debe seguir¨ (¨All that Jazz¨), del maestro Bob Fosse,  y en 1982 logra su primer gran truinfo profesional al ser nominada simultáneamente tanto a la Mejor Actriz de aquel año por la cinta biográfica ¨Frances¨, de Graeme Glofford, como a la Mejor Actriz de Reparto por ´Tootsie¨, de Sydney Pollack, comedia que después de ¨Una eva y dos adanes¨ (Billy Wilder, 1959), es la que ocupa el segundo puesto como la mejor del género en cine norteamericano según el AFI y que le da a Jessica otro Globo de Oro así como la primera estatuilla dorada de su filmografía. El resto de la década siguen las nominaciones a Globos de Oscares como Mejor Actriz tanto por el drama campirano ¨Country¨ (Richard Pearce, 1984);  por otra biografía fílmica en su caso de la cantante de country Patsy Cline en ¨Sweet dreams¨ (Karel Reisz, 1985) y bajo las órdenes del maestro griego Costa Gavras en el drama legal ¨Mucho más que un crimen¨(¨Music Box¨), de 1989, para en los años 90 gozar de un ¨segundo aire¨ que le da a su vez su segundo Oscar, ahora como Mejor Actriz de 1994 por su papel de un ama de casa de los años 50 con fragilidad menstal y meocional dentro del drama ¨Cielo azul¨, dirigida por el maestro británico Tony Richardson, y protagonzando al lado del primer actor texano también ganador de la estatuilla dorada Tommy Lee Jones. El resto de la década la combina Jessica Lange entre ser la sumisa esposa del héroe que interpreta el irlandés Liam neeson en ¨Rob Roy¨ (Michael Caton Jones, 1995) hasta la reina Tamora de la adaptación del clásico texto sahkespeariano ¨Titus¨ (Julie Taymor, 1999), compartiendo créditos con otro ganador del Oscar como el primer actor británico Anthony Hopkins. El nuevo milenio lo inicia Jessica Lange participando en oro proyecto fílmico entrañable para un servidor, ¨El gran pez¨ (¨Big Fish¨, 2003), donde bajo la dirección del maestro Tim Burton interpreta a la esposa del primer actor britanico Albert Finney y madre del actor escocés Ewan McGregor; a mediados de la década es parte del elenco de la ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2005 que fue ¨Flores rotas¨, del norteamericano Jim Jarmusch, donde comparte créditos con el primer actor Bill Murray, y en 2009 es la pantalla chica la que la vuelve a ¨descubrir¨con una película para TV donde comparte créditos con la joven actriz Drew Barrymore, ¨Grey ¨Gardens¨, por la cual las dos actrices son nominadas en la categoría de Mejor Actriz de una Película y Serie de TV que aunque gana la Barrymore, es sólo ¨el empujón¨ para que Jessica Lange no dude en la segunda década del siglo XXI en aceptar la propuesta del productor Ryan Murphy para ser parte del elenco de la exitosa teleserie ¨American Horror Story¨ por cuya primera temporada gana su respectivo Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria de Película ó Serie de TV de 2011 y la vuelve a nominar este año por la segunda temporada de la misma. La señora Lange ya filma junto a otra ganadora del Oscar como Kathy Bates la tercera temporada de ¨American Horror Story¨ que bajo el subtítulo de ¨Coven¨ anticipa la interpretación de ambas actrices de un grupo de brujas así que a finales de este año prepársense que hay Jessica lange para rato. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

WILLIAM HOLDEN Y SU PASO POR COAHUILA

Un día como hoy pero de 1918 nace en O´Fallon, Illinois, William Franklin Beedle Jr., el hijo de una familia adinerada que se mudó de aquel estado al Norte de los Estados Unidos a Pasadena, California, cuando él tenía tres años de edad, y quien con el tiempo se convertiría en el primer actor William Holden. En 1937, justo cuando estudiaba química en la preparatoria, firmó su contrato de cine teniendo su primera gran oportunidad como actor en 1939 cuando teniendo como madrina a la ya consolidada estrella Barbara Stanwyck y bajo las órdenes de un cineasta de primer nivel como Robert Mamoulian protagoniza el filme ¨Golden Boy¨, el cual gira en torno a la historia de un joven llamado Joe Bonaparte que a pesar de sus aptitudes artísticas aspira a ser boxeador. Con el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial y por tener la edad justa para alistarse a participar en la misma, es hasta que regresa de su asignación que a principios de los años 50 tiene un ¨segundo aire¨ en el cine que lo hace encontrarse con quien sería sin lugar a dudas ¨su padre cinematográfico¨, el maestro Billy Wilder, quien lo escoge para ser el protagonista masculino de su gran clásico ¨El ocaso de una estrella¨ (¨Sunset Boulevard¨), sobre un joven escritor quien en busca de una oportunidad en la Meca del Cine es acogido por una perturbada vieja estrella del cine silente interpretada por la primera actriz Gloria Swanson y que le dio a Holden su primera nominación al Oscar como Mejor Actor de 1950. Fue justo bajo la batuta de Billy Wilder que al tener su segunda nominación a la estatuilla por su trabajo coincidentemente como un sargento cínico en el drama bélico ¨Stalag 17¨ que Holden gana el primer y único Oscar de su filmografía como el Mejor Actor de 1953, y lo lleva automáticamente a una de sus mejores etapas como histrión de cine al participar el resto de la década en clásicas comedias como ¨Sabrina¨, de 1954, otra vez bajo la dirección de Wilder y compartiendo créditos con otros dos ganadores de la estatuilla como Humphrey Bogart y Audrey Hepburn; el drama ¨The Country Girl¨, de George Seaton, actuando al lado de la ganadora del Oscar a la Mejor Actriz por aquel filme, Grace Kelly, y el también ganador de la estatuilla Bing Crosby; el drama romántico ¨El amor es una cosa esplendorosa¨ (Henry King, 1955), al lado de la actriz Jennifer Jones; otro drama romántico en su caso al lado de la rubia Kim Novak en ¨Picnic¨(Joshua Logan, 1955);¨la máxima ganadora de Oscares de 1957 ¨El puente sobre el Río Kwai¨, del maestro británico David Lean, al lado de otro ganador de la estatuilla como Sir Alec Guinness, entre otras másm y el western ¨The Horse Soldiers¨(John Ford, 1959), al lado de otro ganador del Oscar John Wayne, y por el cual obtuvo su mayor salario en cine de su filmografía de 750,000 dólares más el 20 por ciento de las ganancias. Irónicamente y hablando de westerns es hasta justo una década después que bajo la dirección de otro maestro del género como Sam Peckinpah, es más recordada su participación dentro del clásico western ¨La pandilla salvaje¨ (¨The wild bucnh¨), filmada en su totalidad en el estado de Coahuila a finales de los años 60 en la cual compartió créditos con otro ganador del Oscar como Ernest Borgnine y primeros actore smexicanos como el también coahuilense Emilio ¨Indio¨ Fernández, que aunque ´bajó su salario a 250 mil dólares por la cinta, hizo subir nuevamente sus bonos para que ya en los años 70 al protagonizar junto a otros primeros actores hollywoodenses como Steve McQueen, Paul Newman y Faye Dunaway el clásico del género del desastre ¨Infierno en la torre¨ (John Guillermin, 1974) volviera a cobrar la suma máxima que obtuvo a finales de los 50 por ¨Horse Soldiers¨, de 750 mil dólares por el filme. Pero no sólo eso, a mediados de aquella década es el director Sindey Lumet quien lo convoca a ser parte de la máxima ganadora de Oscares en 1976 ¨Poder que mata¨ (¨Network¨), una crítica fuerte y despiadada pero muy visionaria a la industria de la televisión, que le dio a Holden su tercera y última nominación al Oscar al Mejor Actor de su filmografía aunque la perdiera frente a su compañero en la misma, el primer actor británico Peter Finch quien obtuvo la estatuilla de manera póstuma al sufrir un infarto apenas meses antes del estreno de la cinta. El resto de la década sigue Holden participando en películas sobre todo comerciales entre las que se incluyen ¨La profecía II¨ (Don Taylor, 1978) ó la cinta del género del desastre ¨Al filo del tiempo¨ (James Goldstone, 1980) que lo vuelve a reunir con los ganadores del Oscar Paul Newman y Ernest Borgnine, para en 1981 participar en la que sería su última película, una sátira en su caso sobre el mundo del cine titulado ¨S.O.B.¨ bajo la dirección de otro gran director como Blake Edwards y compartiendo créditos con la esposa en la vida real de este último, la también ganadora del Oscar Julie Andrews, la cual fue estrenada unos meses antes de su muerte en noviembre de 1981 a los 63 años de edad. Muchas felicidades y gracia spor su legado.

RAÚL MÉNDEZ: DE TORREÓN AL MUNDO

Un día como hoy pero de 1975 nace en Torreón, Coahuila, Raúl Méndez, quien aunque contrario a lo que muchos pudieran pensar hizo sus pininos en la actuación detrás de las cámaras como director de un cortometraje de 1992 titulado "Como cualquier noche" donde dirigió a Vanessa Bauche y Jorge Salinas, entre otros, a finales de los 90 se inicia como actor primero de la pantalla chica dentro del elenco de la telenovela producida por Argos para TV Azteca "El amor de mi vida", al lado de José Ángel Llamas, Claudia Ramírez y el primer actor Ernesto Gómez Cruz, para en el nuevo milenio debutar en el cine norteamericano con el pie derecho como parte de los actores de la película protagonizada por sus compatriotas nominados al Ocar Salma Hayek y Demian Bichir asi como primeros actores como Ana Martín y el desaparecido Pedro Armendariz Jr titulada "En el tiempo de las mariposas" (Mariano Barroso, 2001), y es precisamente al lado de Armendariz como uno de los protagonistas de la ópera prima de Alejandro Lozano "Matando Cabos", donde actúa y también fue uno de los,productores el primer actor, además de Tony Dalton, Ana Claudia Talancon, Kristoff, Joaquín Cossio y Silverio Palacios que obtiene su primera y única nominación al Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de 2004. La presencia de Raúl Méndez en el cine norteamericano se intensifica para mediados de la primera década del siglo XXI cuando participa en otra producción hollywoodense compartiendo créditos otra vez con Pedro Armendariz Jr pero teniendo en esta ocasión un papel como antagonista de importancia en la secuela "La leyenda del zorro", bajo las órdenes del cineasta británico Martin Campbell y protagonizando el actor español Antonio Banderas y la ganadora del Óscar Catherine Zeta Jones filmada en locaciones del estado de San Luis Potosí y los Estudios Churubusco. Es debida a esa proyección tanto nacional e internacional y la organización en Coahuila del primer festival de cine de importancia en el estado que en marzo de 2007 Raúl Méndez acude a Saltillo, Coahuila, a formar parte de CINCO Días de Cine, Un festival de cortometrajes y largometrajes de coahuilenses donde Méndez estuvo presente en su primer proyecto protagónico a nivel nacional que fue la coproducción con España ganadora de tres Arieles a lo mejor en cine de 2007 que fue el filme de terror "Kilómetro 31", de Rigoberto Castañeda, al lado de la actriz Ileana Fox haciendo un doble papel, así como la cinta que clausuró el evento, "Morirse en domingo" de Daniel Gruener, haciendo un papel secundario y protagonizando su amigo Silverio Palacios. Con la segunda década del nuevo milenio le llega un nuevo proyecto para la pantalla chiva producido por Argos ahora para Cadena Tres ya con un papel de importancia dentro de la controvertida serie-telenovela "Las Aparicio", mismo año en el que vuelve a participar en importantes producciones de cine nacional como "Hidalgo: La historia jamás contada" de Antonio Serrano, otra vez compartiendo créditos con Demian Bichir y Ana de la Reguera (con quien actuó en "Sultanes del sur", de 2007); en 2011 otra vez con Argos protagoniza para transmitir se en Cadena Tres otro controvertido serial titulado "El sexo débil", donde su interés romántico es la actriz Itati Cantoral y comparte créditos con su paisano también de Torreón Rodrigo Oviedo así como otra superproducción de cine mexicano titulada "Tequila", bajo la dirección de Sergio Sánchez Suárez al lado del español Unax Ugalde, la mexicana Daniela Schmidt, el primer actor Salvador Sánchez y el norteamericano Edward Furlong, de Terminator 2; en 2012 destaca su papel protagónico en la serie "Paramédicos", de canal 11 producida por Lemon Films donde trabaja bajo las órdenes de amigos directores como Alejandro Lozano y Rigoberto Castañeda, así como en producciones hollywoodenses como "Cristiada", de Dean Wright, al lado de los nominados al Óscar Andy García y Peter O'Toole así como de la actriz texana Eva Longoria, y este 2013 en lo que celebra con las nominaciones a Arieles a lo mejor en cine de 2012 que participo en dos proyectos con nominaciones como "Colosio", de Carlos Bolado o "Morelos", de Antonio Serrano, se prepara para el estreno el próximo lunes 15 de su más reciente proyecto para la pantalla chica coproducido por Argos y ahora Telemundo de "El señor de los cielos", al lado de sus compatriotas Rafael Amaya, Ximena Herrera y Fernana del Castillo, entre otros, así como el estreno en cines de la adaptación a a la pantalla grande de una obra teatral que también protagonizo bajo el título de "No se si cortarme las venas o dejármelas largas", de Manolo Caro. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

MAX VON SYDOW Y SU ENCUENTRO CON RIPSTEIN

Un día como hoy pero de 1929 nace en Lund, Suecia, Max Carl Adolf Von Sydow, quien con el paso de los años sería reconocido a nivel internacional como el primer actor Max Von Sydow a partir de que luego de destacar en las tablas del teatro se encuentra con "la horma de su zapato" en su compatriota, el talentoso cineasta Ingmar Bergman de quien se convierte en su actor fetiche a partir del clásico "El Séptimo Sello", de 1957, de la que fue protagonista, seguida por "Fresas salvajes", del mismo año; "El Mago", de 1958; "El manantial de la doncella", de 1960, ganadora del Oscar a la Mejor Pelicula Extranjera de aquel año; "A través del espejo", de 1961 o "Luz de invierno", de 1963, antes de interpretar el papel de Jesús en la superproducción hollywoodense "La más grande historia jamás contada", de George Stevens, en 1965. Con todo, termina la década de los 60 de regreso a trabajar bajo las órdenes de Bergman en "La pasión de Ana", de 1969, y si bien empieza la década de los 70 con el pie derecho al protagonizar bajo la dirección de su tambien compatriota Jan Troell la nominada a dos Oscares "Los inmigrantes, de 1971 así como su secuela "La nueva tierra", es en 1973 cuando tiene un segundo aire en su carrera cinematográfica al interpretar el papel de "El exorcista" en el clásico de terror dirigido por William Friedkin y compartiendo créditos junto a las nominadas al Óscar Ellen Burstyn y Linda Blair. A mediados de aquella década, en lo que sigue protagonizando importantes títulos en Hollywood como el clásico thriller "Los tres días del cóndor", bajo la dirección de Sydney Pollack y al lado de ganadores del Óscar como Robert Redford y Faye Dunaway, de 1975, aquel mismo año viaja a México para actuar bajo las órdenes del cineasta mexicano Arturo Ripstein en el filme rodado en Cabo San Lucas y los Estudios Churubusco "Foxtrot" basada en un guión de el y el maestro José Emilio Pacheco y compartiendo créditos con otros primeros actores extranjeros como Peter O'Toole y Charlotte Rampling, pero también integrando a primeras figuras del celuloide nacional como Jorge Luke y Helena Rojo, entre otros. La experiencia la resume Ripstein en su libro "Arturo Ripstein habla de su cine con Emilio García Riera" (Universidad de Guadalajara, 1988) " ... el rodaje más despiadado, terrible, complicado, difícil que he tenido jamás" (página 143), pero más que por su trabajo dirigiendo a Von Sydow fue al dirigir a Peter O'Toole, comentando en relación a estos dos histriones que "Recuerdo a Max Von Sydow, un día, golpeando literalmente la pared de un foros diciendo: 'Nunca en mi vida he trabajado con un actor así. No he conocido jamás en mi carrera a un actor tan inseguro'". (página 144). Quizás por todo lo anterior es que el siguiente trabajo de alto perfil de Von Sydow luego de hacer una participación decepcionante otra vez como el padre Merrin en la desafortunada secuela "Exorcista II: El Hereje" (John Boorman, 1977) fue el del emperador Ming, el villano principal del clásico de culto de 1980 "Flash Gordon", de Mike Hodges, protagonizando al lado del norteamericano Sam J. Jones, el ruso Topol y la italiana Ornella Mutil entre otros. El resto de la década la combina entre otras superproducciones hollywoodenses como "Conan el bárbaro" (John Milius, 1982) y "Nunca digas nunca jamás" (Irving Kershner, 1983), la última aventura del actor británico Sean Connery interpretando al agente James Bond, así como el filme que le dio su primera nominación al Óscar como Mejor Actor de 1987 por su papel protagónico en la ganadora a la Mejor Película Extranjera de aquel año que fue "Pelle el conquistador", del danes Bille August. Es precisamente bajo las órdenes de August que protagoniza el filme ganador en Cannes en 1992 "Las mejores intenciones", basada en la historia de los padres de su mentor cinematográfico Ingmar Bergman, manteniendo el resto de la década su continuidad en filmes basados en cómic como "El juez" (Danny Cannon, 1995), su segunda colaboración con el norteamericano Slvester Stallone luego de "Escape a la Victoria" (John Huston, 1981). con otros de aliento como lo fueron "Más allá de los sueños" (Vincent Ward, 1998), al lado del ganador del Óscar Robín Williams o la nominada "Snow falling on cedars" (Scott Hicks, 1999). Con el nuevo milenio y sus siete décadas de vida Von Sydow no deja de sorprender ya que bajo las órdenes de otro cineasta norteamericano de primer nivel como Steven Spielberg estrena en 2002 la cinta futurista basada en u. relato de Philip K. Dick  al lado de los actores Tom Cruise y Colín Farrell, al tiempo que sigue combinando cintas comerciales como "Una pareja explosiva 3" (Brett Ratner, 2007), compartiendo créditos con Jackie Chan y Chris Tucker, con cintas más alentadoras en lo artístico como la nominada al Óscar al Mejor Director de 2007 "El llanto de la mariposa", de Julián Shnabel. La segunda década del nuevo milenio la inicia ya octogenaario en 2010 el maestro Von Sydow siendo dirigido por otros grandes como Martín Scorsese en "La isla siniestra", al lado de Leonardo DiCaprio, o el británico Ridley Scott en la más reciente versión de "Robín Hood", compartiendo créditos con los ganadores del Óscar Russell Crowe y Cate Blanchett, para en 2011 estrenar el filme que le da su segunda nominación a la estatuilla dorada a la fecha ahora como Mejor Actor de Reparto por el filme "Tan fuerte y tan cerca", del británico Stephen Daldry, al lado de otros dos ganadores de la estatuilla Tom Hanks y Sandra Bullock. muchas felicidades y que sigan los éxitos!

LA CONEXION DE SARA MONTIEL CON MÉXICO ... Y COAHUILA

Hoy nos enteramos de la triste noticia de la muerte de la diva española Sara Montiel, cuya presencia fílmica se extendió de su pais natal hasta México y la Meca del Cine. Nacida con el nombre de María Antonia Alejandra Vicenta Elpidia Isadora Abad Fernández en un lugar de La Mancha, España, el 10 de marzo de 1928, siendo muy joven es ganadora de un concurso de belleza convocado por Cifesa, el estudio de cine más influyente de aquellos años en España, lo cual la lleva directamente a firmar un contrato para debutar en 1944 en la que sería su primera película, "Te quiero para mi", para en los siguientes 4 años participar en alrededor de 15 películas antes de emigrar a México a principios de los años 50 donde fue protagonista de cerca de otras 15 películas en las que destaco una trilogía de películas en las que hizo mancuerna con el ídolo Pedro Infante empezando por la adaptación de la popular radionovela "Ahí viene Martín Corona", dirigida por Miguel Zacarías en 1951 y cuya popularidad propicio una secuela titulada "El enamorado". Martín Corona era un héroe originario de Saltillo, Coahuila, que romanceaba a una bella joven de nombre llamada Rosario siendo acompañado por una especie de mentor interpretado por el actor de origen norteño Eulalio González "Piporro", quien nacido en el estado de Nuevo León combino sus últimos días de vida con estancia entre Monterrey y una casa que tenía en Arteaga, Coahuila. La tercera película en la que Sara Montiel hizo mancuerna tanto con Miguel Zacarías como director como con Pedro Infante como actor fue en "Necesito dinero", de 1952, donde es recordada por su personaje conocido como "Zapatitos", para en 1954 iniciar con el pie derecho su "cross over" al mercado hollywoodense a través de la producción "Veracruz", de Robert Aldrich, compartiendo créditos con los ganadores del Óscar Gary Cooper y Burt Lancaster. sigue trabajando en Hollywood todavía en 1956 en un drama como "Serenade", bajo las órdenes de otro gran director como Anthony Mann y al lado del actor Mario Lanza y otra ganadora del Óscar como Joan Fontaine, cuando regresa a su patria en plan estelar para protagonizar dos de sus grandes clásicos hacia finales de la década que son "El último cuplé", de 1957 y "La violentara", de 1958. La popularidad de esas dos películas traspasa fronteras, y hay países como Francia donde según lo contaba la Montiel en una reciente entrevista transmitida por un canal español, duro años en cartelera. En España no se diga, tuvo una influencia tal en el pueblo español que esta se vio plasmada en el filme "La mala educación" (Pedro Almodóvar, 2004), protagonizada por los mexicanos Gael García Bernal y Daniel Giménez Cacho, y en nuestro país fue motivó inclusive de parodias tanto por el cómico Tin Tan en la comedia de 1960 "El violetero", de Gilberto Martínez Solares, como por las imitaciones de ella hizo de forma magistral por varios años la actriz de origen coahuilense Carmen Salinas. En los años 70 la señora Montiel decide alejarse paulatinamente del cine debido a la baja de calidad y subida de tono del cine comercial de la época en su país y decide hacer a partir de entonces apariciones esporádicas tanto en cine como televisión dedicándose mayormente a su muy movida vida privada (todavía al cumplir los 80 años de edad contrajo nupcias con un hombre que podía ser su nieto) pero también siendo merecedora de múltiples y muy merecidos homenajes. Descanse en paz y gracias por su legado.

ANTHONY PERKINS: EL ETERNO NORMAN BATES

Un día como hoy pero de 1932 nace en la ciudad de Nueva York, Anthony Perkins, hijo del actor Osgood Perkins y Janet Esseltyn Rane y cuyo debut en el cine no podía estar mejor cobijado que por un primer actor como Spencer Tracy y Jean Simmons por un maestro de la direccion como George Cukor en la comedia biográfica "La actriz" ("The Actress", 1953) para en 1957 recibir la única nominación al Óscar de su filmografía en su caso como Mejor Actor de Reparo que fue por su segunda película, el western "Friendly persuasion", bajo las órdenes de un gran cineasta como William Wyler, al lado de otro primer actor ganador del Óscar como Gary Cooper. Es justo a finales de la década de los 50 cuando según se ve en la reciente película "Hitchcock", protagonizada por Anthony Hopkins y Helen Mirren, que es considerado para el casting de la cinta que daría continuidad en la filmografía del "mago del suspenso" y de primera instancia según el filme quien le da " el visto bueno" para el emblemático papel de su carrera que fue la del atormentado joven Norman Bates del clásico "Psicosis", fue la esposa de Alfred Hitchock en la vida real, Alma Reville, porque tiene algo "oculto" en su personalidad que podría servir a su papel. La realidad detrás de esa primera impresión de la señora Reville es que según lo cita Wikipedia Perkins fue bisexual, tuvo numerosos noviazgos con hombres, incluyendo las estrellas de los cincuenta y sesenta Rock Hudson y Tab Hunter; el bailarín Rudolf Nureyev y el coreógrafo Grover Dale, con el que Perkins tuvo una relación de seis años antes de casarse en 1973 con Barry Berenson, con quien tuvo dos hijos. Ya en su madurez Perkins afirmo que había sido exclusivamente homosexual hasta finales de los 30 años cuando conoció a la actriz Victoria Principal y tuvo un idilio con ella en 1972. Pero volviendo a "Psicosis", quizás por este secreto a voces es que Perkins a diferencia de su colesterol a Janet Leigh no recibió una nominación como Mejor Actor por el clásico de Hitchcock al considerar muchos que no había tenido que actuar mucho para sacar al personaje, lo cual quizás podría decirse del actor también homosexual Farley Granger quien protagonizo las otras dos cintas del mago del suspenso con homosexualidad en el subtexto de sus tramas como lo fueron "La soga", de 1948, o "Pacto siniestro", de 1953, pero en todo caso ayudaron a sacar todos estos personajes adelante para estos clásicos del maestro, no se diga en el caso de Perkins cuyo personaje fue tan emblemático en su carrera que llego a encasillarlo de algún modo sobre todo a fines de su filmografía luego de hacer una variedad de roles tanto dirigido por otro grande como Orson Welles en la adaptación del texto de Kafka "El proceso", de 1963; la cinta bélica "Arde París?" (Rene Clemente, 1966); la comedia "Catch 22" (Mike Nichols, 1970); el western "The life and times of Judge Roy Bean" (John Huston, 1972); el drama de misterio basado en la novela de la escritora Agatha Christie Asesinato en el expreso de Oriente" (Sidney Lumet, 1974) o la cinta de ciencia ficción con el sello de Disney "El abismo negro",(Gary Nelson, 1979). Es en los años 80 cuando luego de ser invitado por el realizador de origen australiano Richard Franklin a revistas a su personaje de Norman Bates en una exitosa secuela de 1983 del clásico titulado "Psicosis II" donde además acepto participar Vera Miles, integrante del elenco original, en 1984 hace una variante de ese personaje en el thriller dirigido por otro maestro de origen británico como Ken Russell en "Crímenes de pasión" y en 1986 y 1990 de manera respectiva participa en una segunda secuela para cine haciendo el mismo personaje, "Psicosis III" y una tercera para televisión, "Psicosis IV", de 1990, para morir en 1992 de una neumonía que se le complicó por tener sida a la edad de 60 años. Muchas felicidades y gracias por su legado.

MARLON BRANDO: EL ACTOR DE CINE MÁS GRANDE DE TODOS LOS TIEMPOS

Un día como hoy pero de 1924 nace en Omaha, Nebraska, Marlon Brando Jr., quien unos años después conocido simplemente como Marlon Brando llego a ser reconocido como el más grande actor de cine de todos los tiempos. Esto no es gratuito ya que la inclinación artística le viene de su madre, Dorothy Pennebeker, quien en el mismo Teatro de Omaha había escenificado y alentado a otro importante actor del cine hollywoodense, Henry Fonda, en sus tiempos de juventud. Pero el joven Marlon se dio a conocer no sólo gracias a las tablas teatrales de donde comenzó a despuntar a finales de los años 40 en Broadway, sino a la implementación del método actoral de Stanislawski que se resume en abrir las ventanas de las emociones internas para expresarlas con la mayor veracidad posible. El maestro que impartía en aquellos años ese método era el inmigrante de origen turco Elia Kazan quien se convertiría en el "padre cinematográfico" que bajo esas enseñanzas hizo despuntar la carrera cinematográfica de Brando a partir de su primera colaboración juntos en el clásico del autor Tenessee Williams "Un tranvía llamado deseo" cuyo protagonista masculino Stanley Kowalski dio automaticamente a Brando su primera nominación al Óscar como Mejor Actor de 1951. En 1952 obtiene la segunda nominacion como Mejor Actor por interpretar a un icono de la historia mexicana como Emiliano Zapata dirigido de nueva cuenta por Kazan en otro clásico como "Viva Zapata" por el cual en su caso es el histrion de origen mexicano Anthony Quinn quien gana la primera estatuilla dorada de su filmografía como Mejor Actor de Reparto para en 1953 conseguir una tercera nominación en la misma categoría por personificar a otra figura ahora de la historia universal como el emperador Julio César en "Julio César", de Joseph L Mankiewicz, basado en la obra teatral de Shakespeare del mismo título. En el mismo 1953 su papel protagónico en el papel de Johhny Strabler como "El salvaje", bajo la dirección Laslo Benedek, complementa su prestigio artístico con la popularidad al interpretar a un motociclista rebelde que dio la pauta a los rebeldes sin causa del cine de áquella década, y en 1954 es con su papel protagónico en el clásico "Nido de ratas" ("On The Waterfront"), su tercera cinta dirigido por Elia Kazan, la que les dio el primer tan triunfo compartido en los Oscares a lo Mejor de aquel año al obtener entre los 8 premios Óscar que gano los de Mejor Película, Mejor Director para Kazan y Mejor Actor para Brando. El resto de la década lo mantiene Brando con éxitos de crítica y público como sucedió con musicales como "Guys and Dolls", otra vez bajo las órdenes de Joseph L. Mankiewicz, al lado de Frank Sinatra y Jean Simmons; la comedia "La casa del te bajo la luna de agosto" (Daniel Mann, 1956), junto a Glenn Ford y Eddie Albert, o el drama bélico "The young lions" (Edward Dmytryk, 1958), compartiendo créditos con Maximilian Schell y Deán Martin, para los años 60 iniciarlos con su ópera prima como director con el clásico western "El rostro impenetrable" ("One Eyed Jacks"), donde dirige además de su compañero en "Un tranvía llamado deseo", Karl Malden, a las mexicanas Katy Jurado y Pina Pellicer, esta última como el interés amoroso de Brando en la historia. El resto de la década mantiene Brando su status estelar al protagonizar al lado de la diva Elizabeth Taylor en 1967 bajo las órdenes de otro gran director norteamericano como John Huston el controversial filme donde interpreta a un militar homosexual de closet casado con la Taylor que le pone los cuernos mientras es atraído por un soldado interpretado por Robert Forster de la base militar donde se desenvuelve en "Reflections of a Golden Eye". Pero hablando de controversias y plano estelar es la década de los 70 la que le da un segundo aire que consolida su filmografía al interpretar por un lado al patriarca de la familia Corleone en el clásico de gángsters que dirige Francis Ford Coppola bajo el título de "El padrino", que gana merecidamente los Oscares a la Mejor Película , el Mejor Actor para Brando y Mejor Guion Adaptado por Coppola para el best seller de Mario Puzo que además se posiciona automáticamente como una de las Mejores Películas en la historia del cine, y hablando de controversias en 1973 obtiene una cuarta nominación al Óscar como Mejor Actor por la escandalosa cinta del maestro italiano Bernardo Bertolucci "El último tango en París", al realizar audaces escenas sexuales al lado de la actriz María Schneider. La década de los 70 la cierra Brando con broche de oro primero interpretando al padre del Hombre de Acero, Jor-El, en " Superman" (Richard Donner, 1978) y "Apocalipsis Ahora" (Coppola, 1979) donde realiza una vez mas el papel de un militar en su caso renegado ante sus superiores enelcontexto de la guerra de Vietnam en donde realiza el ultimo gran papel de su filmografia. Una década después en 1989 obtener la última nominación al Óscar de su filmografía y la primera como Mejor Actor de Reparto por el drama ubicado en Sudáfrica "A Dry White Season", de la cineasta Euzhan Falcy. Su última década productiva de los años 90 destaca en colaboraciones delante y detrás de cámaras con su amigo y pupilo Johnny Depp tanto en el éxito "Don Juan de Marco", de 1995 como en la ópera prima como director de Depp que fue "The brave", en 1997. Brando muere el 1 de julio de 2004 a los 80 años de edad en Los Ángeles, California. muchas felicidades y gracias por su legado.

LINDA HUNT: EL ANIO QUE VIVIO EN PELIGRO ... Y FILMO EN MEXICO

Un dia como hoy pero de 1945 nace en Morristown, New Jersey, Lydia Susanna Hunter, conocida para el cine como la actriz de diminuto tamano pero talento enorme Linda Hunt, cuya primera pelicula importante en Hollywood como lo fue la adaptacion al cine del comic "Popeye" que hizo el director norteamericano Robert Altman en 1980 teniendo como protagonistas a Robin Williams y Shelley Duvall. En 1982 otro prestigiado cineasta como el australiano Peter Weir la convoca para personificar a un fotografo indonesio que termina de abrirle los ojos a la realidad de su pais a un periodista tambien australiano interpretado por Mel Gibson durante el gobierno del presidente Sukarno la lleva a ganar el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto de 1983 ... ironicamente al interpretar un rol del genero masculino. Este truinfo lleva a la actriz a incursionar en otros generos y bajo las ordenes de otros directores importantes como lo fue David Lynch, con quien justo el anio que gana la estatuilla filma en Mexico la adaptacion al cine de la novela de culto de ciencia ficcion "Dunas", en cuyo elenco se encuentran uno de los actores fetiche a partir de entonces de Lynch, Kyle MacLachlan; el cantante Sting y hasta el mexicano Ernesto Laguardia; dirigida por el ingles James Ivory en la aclamada cinta de epoca "The Bostonians", junto a Christopher Reeve y las primeras actrices Vanessa Redgrave y Jessica Tandy; bajo la direccion de Laurence Kasdan en el exitosa western de 1985 "Silverado", donde comparte creditos con actores como Kevin Kline, Kevin Costner y Danny Glover, entre otros, y en el genero de la comedia dirigida por la realizador a Susan Seidelman participando en 1989 en "La diabla", al lado de la ganadora del Oscar Meryl Strep y la comedia the Roseanne Barr. La decada de los 90 la inicia Linda Hunt dando continuidad a su presences en cintas comicas como lo fue "Un detective en el kinder", de Ivan Reitman, protagonizada por Arnold Schwarzenegger y Penelope Ann Miller en 1990; en 1994 vuelve a hacer mancuerna con el director Robert Altman en el conglomerado de estrellas que tuvo "Caprichos de la moda", al lado de actrices como Julia Roberts, Kim Basinger, la italiana Sofia Loren y el galan tambien italiano Marcello Marstroiani; en 1995 preta su voz a la exitosa cinta animado de aquel anio "Pocahontas", y en 1997 protagoniza de nuevo al lado de Penelope Ann Miller un filme ahora del genero del terror titulado "La reliquia", bajo la direccion de Peter Hyams. El nuevo milenio trae a la actriz una nueva colaboracion con el ahora ganador del Oscar Kevin Costner en el drama "El misterio de la libelula", de Tom Shadyac y en 2006 bajo la direccion de Marc Forster participa en uno de los mejores filmes del comediante Will Ferrell en el genero del drama dentro de "Mas extrano que la ficcion", donde tambien trabajan los ganadores del Oscar Emma Thompson y Dustin Hoffman, para los ultimos anios enfocar su trabajo principalmente a la pantalla chica. Muchas felicidades y que sigan los exitos!

TOSHIRO MIFUNE: DE KUROSAWA A ISMAEL RODRIGUEZ

Un dia como hoy pero de 1920 nace en Tsigntao, China, Sanchuan Minglang, conocido para el cine universal como el actor japones mas famoso del siglo XX gracias a su prolifica mancuerna con el director de origen japones Akira Kurosawa en un total de 16 peliculas a partir de "El angel borracho", de 1948, y que en la decada de los 50 se proyecta alrededor del mundo en clasicos que incluyen "Rashomon", de 1950; "El idiota", de 1951; "Los siete samurai", de 1954; "Trono de sangre", de 1957 o "La Fortaleza Prohibida", de 1958, para a inicios de la decada de los 60, justo despues de protagonizar otro de los clasicos del maestro Kurosawa titulado "Yojimbo", de 1961, aceptar el ofrecimiento del director mexicano Ismael Rodriguez para interpretar al protagonista de "Animas Trujano: Un Hombre Importante", un indigena zapoteco que aspira a ser el mayordomo de su aldea, uno de los rangos mas importantes de su entorno social, pero que por lo general es conferido a personajes de mejor posicion economica que la de el y ademas mas responsables y hasta sobrios que el quien es afecto a la bebida. Este filme donde Mifune comparte creditos con Columba Dominguez, Flor Silvestre y Antonio Aguilar, entre otros, fue la segunda cinta en la historia de los Oscares en ser nominada en la categoria de Mejor Pelicula Extranjera de 1961. Justo una decada despues Mifune es invitaba por el director norteamericano Terence Young para formar parte del elenco internacional del western Red Sun, de 1971, al lado de Charles Bronson, Ursula Andress y Alain Delon; a mediados de la decada en el filme belico "La batalla de Midway" (Jack Smight, 1976), compartiendo creditos con primeros actores norteamericanos como Charlton Heston, Henry Fonda, James Coburn y Glenn Ford, y termina la decada en otra super produccion en su caso tambien de corte belico pero ubicada en es genero de la comedia bajo al direccion de Steven Spielberg titulada "1941", al lado de John Belushi, John Candy y Dan Aykroyd. Los 80 incursiona Mifune con su respectivo exito en la pantalla chica norteamericana con la exitosa serie "Shogun", de 1980, donde comparte creditos con Richard Chamberlain y Yoko Shimada, siguiendo activo hasta 1995 cuando filma la que seria su ultima pelicula que fue "Fukai Kawa", de Kei Kumai, antes de morir el 24 de diciembre de 1997 a los 77 anios de edad, victima del Alzheimer, apenas unos meses antes que lo hiciera su director de cabecera, Akira Kurosawa, fallecido en septiembre de 1998. Muchas felicidades y gracias por su legado.