DICIEMBRE ME GUSTO PARA IRME: PINA PELLICER Y LUPE VÉLEZ

Un día como hoy, pero de 1944, se apago la vida de una de las máximas estrellas de origen mexicano en la Meca del Cine: Lupe Vélez, quien tomó su existencia entre sus manos para suicidarse a los 36 años de edad.

Pero tristemente no solo fue ella, sino otra actriz también mexicana pero de una generación posterior que con menos títulos en su filmografía pero que iba con paso firme también en Hollywood quien escogió el mes de diciembre para también quitarse la vida el 4 de diciembre de 1964 a los 30 años de edad.

Esta última se trataba de Pina Pellicer, hermana también de la primera actriz Pilar Pellicer, y quien al protagonizar con el primer actor Ignacio Lopez Tarso el clásico del cine nacional "Macario", bajo la dirección del maestro Roberto Gavaldon, luego de convertirse en la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la terna de Mejor Película Extranjera en 1960 introdujo su bello y enigmático rostro en la vista de presencias muy importantes de Hollywood como lo fueron el célebre Marlon Brando y "el mago del suspenso" Alfred Hitchcock.

El primero, en preparación de lo que sería su ópera orima como director, desde que vio en pantalla a Pina estuvo seguro de tener al interés amoroso de su personaje protagónico en el western que se convirtió en el debut suyo como director, "El rostro impenetrable" ("One Eyed Jacks"), en donde la actriz comoarto créditos además de Brando con su compatriota Katy Jurado en el papel de su madre y Karl Malden, quien ya había acompañado a Brando en dos de los más relevantes trabajos de su filmografía "Un tranvía llamado deseo" y "Nido de ratas", personificando al padrastro de Piña en la trama. El filme dio a ganar a Pina Pellicer el premio a la Mejor Actriz del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1961.

En 1962 Pina regresa a su país a hacer de nueva cuenta mancuerna con el director Roberto Gavaldon y el actor Ignacio Lopez Tarso en otro gran clásico como "Días de otoño" pero en 1963 es el maestro de origen ingles Alfred Hitchcock quien la llama para participar en un episodio de su famoso programa de televisión. Por desgracia en lo que lo profesional le era muy favorecedor y pintaba para un futuro deslumbrante, en lo personal Pina sufría de una profunda tristeza que exponencialmente la llevo a una depresión y el correspondiente suicidio del 4 de diciembre de 1964.

Una historia propia, pero un desenlace igual de funesto fue la de Lupe Vélez, quien por su parte si llego a saborear por varios consecutivos las mieles del triunfo en Hollywood donde inclusive llego a protagonizar con un considerable éxito en taquilla una saga de películas de un personaje denominado "The Mexican Spitfire" (algo así como "La Chispa de Fuego" mexicana) y se valió de su exotismo y sensualidad para transitar sin problema como si sucedió a otros contemporáneos y extranjeros de la época del cine silente al sonoro.

Sin embargo la vida sentimental de Lupe Vélez fue una montaña rusa que alcanzó sus puntos altos con actores y galanes de la talla de Gary Cooper (a quien consideró el amor de su vida pero en gran parte por el rechazo de la madre de Cooper para con su relación estuvo destinada a nunca concretarse como algo formal) o Johnny Weismuller, el memorable "Tarzan" del cine con quien si llego a contraer nupcias pero el carácter explosivo de los dos los llevo al fracaso.

Lupe tuvo otro desafortunado romance con un actor no muy conocido de nombre Harald Marash pero quien marcó su destino fatal puesto que quedo embarazada de el y al estar sola y muy afectada por su formación conservadora familiar al ser oriunda del estado de San Luis Potosí y una familia tradicional que por mucho tiempo reprobó su oficio, termina con su vida ingiriendo Seconal y provocando una sobredosis que la lleva a la muerte el 13 de diciembre de 1944 en su residencia en Hollywood. Un recuerdo para estas grandes mexicanas con destino trágico que este mes de diciembre conmemoran sus aniversarios luctuosos.

ANDRES SOLER

Nacido en la ciudad de Saltillo, Coahuila, el 18 de noviembre de 1898, el trabajo de este primer actor surgido a la par de sus hermanos Fernando, Domingo, Julián y Mercedes en los escenarios teatrales, quedo impreso con letras de oro en la historia del celuloide nacional por haber formado parte de un gran numero de producciones fílmicas pertenecientes a la llamada "Epoca de Oro" del cine mexicano.

Fue así como la década de los 40 la corono en 1949 con su primera nominación al Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de aquel año bajo las órdenes como director de su hermano, el también primer actor de origen saltillense Don Fernando Soler en el filme "La hija del penal", que protagonizó al lado de la sensual rumbera cubana Maria Antonieta Pons, Rubén Rojo y Amparito Arozamena, entre otros.

La década de los 50 la inicia Don Andrés la inicia con el pie derecho ahora actuando al lado de su hermano Fernando en el clásico "No desearas la mujer de su hijo", de Ismael Rodriguez, donde también actuo su tocayo de cumpleaños, el ídolo Pedro Infante, y por cuya actuación en lo que Don Fernando Soler gano el único Ariel al Mejor Actor de 1951 de su filmografía, Don Andrés obtuvo su segunda nominación como Mejor Coactuacion Masculina de la suya,

Tan pronto como en 1952 Don Andrés fue parte de un tercer clásico que le dio a su vez su tercera nominación al Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de aquel año bajo las órdenes en la dirección de otro maestro, en su caso del español Luis Buñuel, en "El bruto" donde compartió créditos con otros grandes iconos de la Época de Oro de nuestra cinematografia como lo fueron Pedro Armendariz y Katy Jurado.

Fue en 1953 cuando Don Andrés obtiene su cuarta y última nominación en la misma categoría de Mejor Coactuacion Masculina de otro gran clásico de nuestro cine como lo fue "Los Fernández de Peralvillo", del maestro Alejandro Galindo, donde actuó al lado de David Silva, Victor Parra, Sara Garcia y Adalberto Martinez "Resortes", entre otros mas.

Don Andrés Soler siguió activo en el cine nacional prácticamente hasta el momento de su muerte puesto que falleció el 26 de julio de 1969 a los 70 años de edad de una embolia cerebral, justo el mismo año en que se estrenó su última película al lado de otro de los célebres comediantes de nuestro cine como lo fue Gaspar Henaine "Capulina" en "El hermano Caoulina", bajo la dirección de Alfredo Zacarías. Muchas felicidades y gracias por su legado.

DOLORES DEL RIO

Un día como hoy pero de 1938 el genio del teatro, la radio y el cine norteamericano Orson Welles, hace historia por su adaptación para radio del célebre texto de ciencia ficción "La guerra de los mundos", de H.G. Wells. Welles transmitía los domingos de la noche de aquel año piezas por lo general de teatro shakesperiano que montaba su compañía Mercury que el mismo producía, narraba y a veces también actuaba pero en vísperas del Halloween vio como una ocasión propicia para la fecha hacer una version libre de aquella historia ubicándola en Norteamérica. Nadie imaginaba la histeria provocó puesto que muchos radioecsuchas creyeron que la invasion extraterrestre que ahí se narra era veridical al recrearse con gran veracidad por Welles y sus actores. En lugar de enfrentar cargos legales que pudieran haberse ocasionado por la histeria colectiva que ocasionó Welles se vio más bien recompensado como creador puesto que productores hollywoodenses que escucharon el programa o de quienes lo oyeron lo vieron como la major opción para que produciera en Hollywood una película de igual o mayor trascendencia. No se equivocaron, ya que la opera prima de Welles como director es ese parteaguas en un antes y después de la historia del cine que es "El ciudadano Kane", de 1941, a cuya premiere llegó acompañado de la mano de su compañera sentimental de aquellos años que fue nada más y nada menos que la diva de origen mexicano Dolores del Río, ya para entonces consagrada como la primera estrella mexicana en el horizonte hollywoodense, particularmente en su época silente.


Es por tanto Dolores del Río quien es la actriz que tenemos como seis grados de separación de Welles a Ramón Novaro, quien era primo de Dolores en la vida real, también originario de Durango, Durango, y quien la Meca del Cine alcanzó su máximo estrellato como "Latin Lover" con clásicos de la talla de la primera version de "Ben Hur" (Fred Niblo, 1925), y quien una noche como hoypero de 1968  falleció a los 69 años de edad asesinado por dos jóvenes a quienes había invitado a pasar una velada a su mansion de North Holywood y lo terminaron robando y matando. Descanse en paz.

AGUSTIN ISUNZA

Nacido el 3 de septiembre de 1900 en el municipio de Muzquiz, Coahuila, Agustin Isunza y del Palacio se llego a convertir en casi cinco decadas en el primer actor Agustin Isunza, quien junto a Mantequilla y el Chocote formo el trio de comicos de apoyo mas importante del cine nacional participado en poco mas de 200 titulos cinematograficos.

Su primera incursion en la industria se dio en 1938 con la pelicula "La Adelita", de Guillermo Hernandez Gomez y Mario Lara, donde compartio creditos con Pedro Armendariz, Esther Fernandez y otros mas, pero es con el inicio de la decada de los 40 cuando su rostro comienza a hacerse mas familiar entre los grandes publicos, particularmente a partir de su participacion en "Ahi esta es detalle" (Juan Bustillo Oro, 1940), la clasica comedia protagonizada por Mario Moreno "Cantinflas" donde el personaje de Isunza aparece en la parte climatica del juicio de los historia como el fiscal que se encarga de interrogar al personaje del genial mimo y la cual es recreada en la mas reciente cinta biografica "Cantinflas", de Sebastián del Amo.

Sin embargo, puede decirse que su primer gran personaje de reparto dentro del cine nacional se dio en 1943 bajo las ordenes de otro grande como Fernando de Fuentes en la adaptacion de la celebre novela del escritor venezolano Romulo Gallegos "Dona Barbara", que le dio a Maria Felix el protagonico que le dejo como anillo al dedo su mote de "La Donia" y a Isunza en el papel de Juan Primito, amigo del galan Santos Luzardo (Julian Soler) quien lo ayuda a educar a la salvaje Marisela (Maria Elena Marques), hija de Barbara y Lorenzo Barquer (Andres Soler).

De ese mismo anio es otro clasico en el que Isunza trabajo bajo las ordenes de su paisano coahuilense Emilio "Indio" Fernandez al lado de su colega "El Chicote" en el primer gran filme del cineasta, "Flor Silvestre", protagonizado por Dolores del Rio y Pedro Armendariz y de la cual comento Emilio Garcia Riera en su "Historia Documental del Cine Mexicano" lo siguiente: "... La presencia de dos  comicos (el Chicote e Isunza) cuyo sentimentalismo y torpeza sugieren la persistencia del peon
necesitado de paternalismo"  (Idem, tomo 3, p.18)

En 1946 Agustin Isunza es requerido para el primer trabajo filmico del director espanol Luis Bunuel en nuestro pais y es asi como protagoniza "Gran Casino", junto a Libertad Lamarque, Jorge Negrete, Meche Barba y Julio Villarreal, entre otros. Sin embargo, no es sino hasta principios de la decada de los 50 cuando el mismo Bunuel llama a Isunza para hacer un papel de mayor importancia como el inolvidable "papa Pinillos" de "La ilusion viaja en tranvia", de 1953, una de las tantas que tuvo en cine junto a su colega Mantequilla y aqui acompanados a su vez por los protagonistas Carlos Navarro y Lilia Prado.

En la decada de los 60 Agustin Isunza es llamado a trabajar en clasicos como "La sombra del caudillo", la llamada "pelicula maldita del cine mexicano" por haber permanecido encantada por tries decadas al hablar de un magnicidio politico ocurrido en la realidad dirigida en 1960 por Julio Bracho y que protagonizaron,mente otros, Tito Junco, Ignacio Lopez Tarso y Kitty de Hoyos;  "El gallo de Oro", (Roberto Gavaldon, 1964) basada en la no menos celebre novela del mexicano Juan Rulfo donde los roles estelares corrieron a cargo de los primeros actores Ignacio Lopez Tarso y Narciso Busquets asi como de la sensual actriz y cantante Lucha Villa, y "La Valentina" (Rogelio A. Gonzalez, 1965), protagonizado otra vez por Maria Felix y el tambien regiomontano Eulalio Gonzalez "Piporro".

Con la decada de los 70 llega la epoca del llamado "nuevo cine mexicano", y es dentro de este movimiento donde Agustin Isunza forma parte de clasicos de culto como "El Topo", de Alejandro Jodorowsky, un singular western que es filmado en algunas locaciones de Coahuila en 1969; "Presagio" (Luis Alcoriza, 1975), basada en una historia del premio Nobel de Literatura Gabriel Garcia Marquez otra vez al lado de Lucha Villa pero tambien de David Reynoso, Amparo Rivelles, Anita Blanch, Carmen Montejo y otros mas, y un clasico de culto en su caso del genero del terror como lo fue "Alucarda" (Juan Lopez Moctezuma, 1977), donde compartio creditos con actores como Claudio Brook, David Silva y Adriana Roel y con la que cerro con broche de oro su vasta filmografia. Muchas felicidades y gracias por su legado.

Extracto del libro "Coahuila y sus protagonistas en el cine" (Consejo Editorial del Estado de  Coahuila, 2006)

MARIA EUGENIA LLAMAS "LA TUCITA"

Agosto es un mes muy cercano a mi corazon por ser el mes en el que naci, en es que nacio mi madre ... pero tambien el que murio mi padre. Y hoy esta en mi corazon una amiga muy querida, la productora de mi primer trabajo en cine, Maru Lozano Llamas, con quien tambien comparto cumple en agosto ... pero con quien tambien a partir del ultimo dia de agosto de 2014 comparto el dolor de haber perdido a uno de sus progenitores: su querida madre Maria Eugenia Llamas, "La Tucita", a quien gracias a la cercania con Maru desde que fuimos companeros de carrera en el Tecnologico de Monterrey vi como la mejor representacion de una familia regiomontana: un hogar con las puertas abiertas siempre para los amigos, el caluroso abrazo, la sabrosa platica ... y mas si esta era aderezada por el pan de pulque por el que siempre me preguntaba Don Romulo, el patriarca de la familia, si le habia llevado de Saltillo el fin de semana que habia visitado mi terruno.

No terminaria de contar anecdotas y risas, muchas risas, aunque tambien comparti con Maru y "La Tucita" dolores como la partida de Don Romulo. Hoy ya esta "La Tucita" a su lado, del de mi padre y otros Angeles que por nosotros miran. Querida Maru, te mando todo el carino de siempre y mas en estos momentos tan dificiles pero quiero unirme a toda tu familia y amigos que se encuentran en este trance a celebrar la vida de ese ser tan lleno de luz que ademas de echarme siempre muchas porras en mi incipiente carrera como cineasta me concedio con la amabilidad y amistad una entranable entrevista para mi libro "Coahuila y sus protagonistas en el cine" sobre su trabajo en es Septimo Arte con un primer actor como el tambien saltillense Don Andres Soler en la pelicula "Los hijos de la calle", de 1950, por la que gano el Ariel a la Mejor Actriz Infantil de su anio y en la que ademas participaron Evita Munoz "Chachita", Domingo Soler, Miguel Inclan, Emma Roldan, Alberto Mariscal y otros talentos ahora si que de aquellos de los de antes entre los que no tuvo ninguna dificultad de integrar tu mami. Comparto el recuerdo de esa entrevista en estos momentos donde te pienso y te quiero muncho mi queridisima Maruez.

Que recuerdos tiene de Don Andres Soler?
Hay una escena que recuerdo mucho en donde vamos a la Feria de Chapultepec y nos subimos a la rueda de la fortuna. Cuando bajamos Don Andres estaba bien mareado. En general, me acuerdo de sentirme muy a gusto, cosa que no me pasaba con todo el mundo. Yo creo que los ninos perciben de alguna manera la buena o mala vibra ... Yo lo que recuerdo, de veras, tanto como de Domingo como de Andres es como mucho apoyo, mucha ... Muy apapachadores conmigo y de haberme hecho alguna indicacion, de como mejorar la forma de decir un dialogo, de algun ensayo, y siempre comentarios como muy positivos de lo que habia hecho. No me imponian ni me era desagradable estar con ellos, sino todo lo contrario ... Especificamente, yo creo que Andres Soler era muy maestro. Ademas de ser un excelente actor y persona, era como muy guiador con sus companeros, siempre buscando que las cosas salieran mejor ... Esa es la percepcion que yo tengo de el ...

Un beso hasta el cielo querida "Tucita", y muchas gracias por ser mi guiadora y amiga.

DANIELA ROMO

Nacida el 27 de agosto de 1959 en la Ciudad de México bajo el nombre de Teresa Presmanes Corona, Daniela Romo logró el crossover al cine hollywoodense luego de filmar en escenarios coahuilenses la producción épica "El batallón de San Patricio" ("One man´s hero"), bajo la dirección de Lance Hool, y compartiendo créditos con el actor norteamericano nominado al Oscar, Tom Berenger (por ¨Pelotón¨, de Oliver Stone, en 1986) y el actor de origen portugués Joaquim de Almeida ("Pistolero"), entre otros. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

VENUSTIANO CARRANZA

Encabeza la entrada triunfal a la Ciudad de México el 20 de agosto de 1914 filmada por uno de los pioneros del género documental, Jesus H. Abitia, y en ella Carranza a caballo ocupa el centro del cuadro: su cuerpo ligeramente de perfil y Obregón a su costado (Zuzanna M. Pick, "Fotografía, cine y literatura de la Revolución Nexicana", de Angel Miquel, pp. 44-45. Universidad Autónoma del Estado de Morelos, 2004).

FELICES 80 PRIMAVERAS, RUBEN AGUIRRE!!!

Un dia como hoy pero de 1934 nace en Saltillo, Coahuila, el actor Ruben Aguirre, quien luego de iniciarse en la locucion se dio a conocer a nivel nacional e internacional gracias a su papel de "El Profesor Jirafales" que interpreto en la famosa teleserie comica mexicana "El chavo del ocho".

Paralelamente a su trabajo en dicho serial, Ruben Aguirre trabajo junto a Roberto Gomez Bolanos "Chespirito" en la serie de peliculas de "El Chanfle" al tiempo que participo bajo las ordenes del cineasta de origen tambien coahuilense Mario Hernandez en filmes protagonizados por el actor y cantante Antonio Aguilar como "El Moro de Cumpas"; "Viva el Chubasco"; "Mi caballo el cantador" y "El chivo", entre otras. Muchas felicidades!

ROBERTO GAVALDON, UNO DE LOS GRANDES DEL CINE MEXICANO

Un dia como hoy pero de 1909 nace en Jimenez, Chihuahua, Roberto Gavaldon Leyva, quien con el tiempo se convertiria en uno de los directores mas representativos de la Epoca de Oro del cine mexicano. De hecho, el maestro Gavaldon fue quien inaugura en 1944 la premiacion de los Arieles a lo mejor de su primera entrega con broche de Oro al ganar el mayor número de estatuillas por su clasico "La barraca", que obtuvo el número record de 10 entre ellos a la Mejor Pelicula, Mejor Director (Gavaldon) y Mejor Actor (Domingo Soler), entre otros.

La segunda nominacion al Mejor Director la obtuvo Gavaldon por su primera colaboracion filmica con la diva mexicana Dolores del Rio en el thriller "La otra", de 1946, de la autoria del escritor texano Rian James cuya adaptacion del prestigiado escritor duranguense Jose Revueltas le dio a ganar a este ultimo un merecido Ariel a la Mejor Adaptacion de aquel ano.

La decada la cierra Roberto Gavaldon con broche de Oro con una tercera nominacion al Mejor Director de 1949 por el drama "La casa chica", segunda colaboracion con Dolores del Rio como actriz protagonica, pero es hasta la cuarta nominacion en la misma terna por la maxima ganadora de Arieles a lo mejor de 1951 por el thriller "En la palma de tu mano" que Gavaldon gana su segundo Ariel como Mejor Director al tiempo que la pelicula gana otros 7 entre los que destacan tambien el de Mejor Pelicula y Mejor Actor para Arturo de Cordova.

Precisamente haciendo otra vez mancuerna con Arturo de Cordova es que Roberto Gavaldon consigue otro exito de critica y de taquilla con "El rebozo de Soledad", que le da al cineasta una quinta nominacion en ka categoria de Mejor Director de 1952, pero es hasta al ano siguiente que gracias al drama psicologico "El Niño y la Niebla", donde trabajando otra vez con la actriz Dolores del Rio obtienen merecidamente 8 de los principals premios Ariel a lo mejor de 1953 incluyendo los de Mejor Pelicula, Mejor Director y Mejor Actriz para la del Rio, entre otros.

En 1954 Roberto Gavaldon se gana una nueva nominacion al Ariel a la Mejor Director de aquel anio por su colaboracion con es oara entonces ya estrella hollywoodense Ricardo Montalban en "Sombra verde" y por la superproduccion de 1956 "La Escondida", ahora dirigiendo a otra de las grandes divas de la Epoca de Oro del cine nacional como Maria Felix, obtiene ka que seria la ultima nominacion en ka categoria de Mejor Director de su filmografia debido a que los Arieles se dejaron de entregar de 1957 a 1972 y aunque el seguia activo ese honor no se volvio a repetir de nuevo.

Ironicamente justo con la decada de los 60 Roberto Gavaldon inicia la etapa de su "segundo aire" como realizador al comenzar a ser reconocido si bien ya no en Mexico a nivel internacional puesto que teniendo como actor protagonico al primer actor Ignacio Lopez Tarso su pelicula "Macario" se gana el honor de convertirse en la primera pelicula mexicana en ser nominada al Oscar a la Mejor Pelicula Extranjera en ka historia del premio.

A partir de entonces Lopez Tarso se convierte en el actor fetiche de Gavaldon en cuando menos tres titulos mas entre los que destacan "La Rosa Blanca", de 1961, que ironicamente le da a ganar a Lopez Tarso el Ariel al  Mejor Actor de 1972 porque la pelicula se tarda justo una decada en ser estrenada por tratar el hasta entonces tema tabu de la expropriacion oetrolera;  "Dias de otono", de 1962, que repite a su vez la colaboracion de Lopez Tarso con la actriz Pina Pellicer que hubo en "Macario", y la ultima adaptacion filmica de "La vida inutil de Pito Perez", en 1969, que represento el debut en el cine de la actriz coahuilense Carmen Salinas.

Es justo a esta ultima actriz es que Gavaldon filma en 1971 una de sus ultimas cintas mejor logradas en la decada de los 70, la adaptacion de la comedia de humor negro original del autor Hugo Arguelles, "Dona Macabra", al lado de las primeras actrices Marga Lopez y Carmen Montejo, siendo la ultima pelicula del realizador "Cuando tejen las aranas", de 1977, protagonizada por la recientemente desaparecida primera actriz Alma Muriel, Carlos Pinar, Alfredo Leal y otros. Roberto Gavaldon fallece el 4 de Septiembre de 1986 poco despues de ganar la medalla Salvador Toscano que se entrega a creadores destacados del Septimo Arte. Muchas felicidades y gracias por su legado.

TRES DECADAS SIN ROGELIO A. GONZALEZ

Un dia como hoy pero de 1984 un accidente automovilistico en la carretera 57 de la ciudad de Saltillo a la altura de los Chorros termina con la vida del prolifico y muy talentoso director, guionista y actor de origen regiomontano Rogelio A. Gonzalez. Nacido con el nombre de Rogelio Antonio Gonzalez Villarreal el 27 de enero de 1920 inicia su carrera cinematografica como actor en el musical de 1945 dirigido por el maestro Carlos Orellana "Como Mexico no hay dos" para en 1947, iniciarse como guionista cinematografico con "Cuando lloran los valientes", de otro maestro como Ismael Rodriguez, asi como del melodrama "Los interpretar el papel por el que como actor es mas recordado puesto que es el de León Lopez en la secuela del clasico melodrama "Los tres Garcia", tambien de Ismael Rodriguez, el cual protagonizan Pedro Infante, Abel Salazar, Victor Manuel Mendoza, Sara Garcia, Marga Lopez y Carlos Orellana, entre otros, y que le da a Gonzalez su primera nominacion a un premio Ariel en ka terna al Mejor Guion Original.

De 1947 es tambien la secuela de este clasico, "Vuelven los Garcia", que tambien Gonzalez escribe y le da una segunda nominacion al Ariel en su caso a la Mejor Papel de Cuadro Mascuoino por haber interpretado en el mismo el papel de León Lopez que  desencadena la tragedia familiar en este capitulo de la historia al matar a la matriarca de la familia Garcia, Sara Garcia, y quien es hermano del personaje que hizo la actriz Blanca Estela Pavon.

Rogelio A. Gonzalez termina la decada de los 40 con una tercera nominacion al Ariel ahora al Mejor Guion Adaptado de 1948 por su trabajo en otro clasico melodrama de la dupla Infante-Rodriguez como "Los tres huastecos", donde el idolo de Mexico interpreta tres personajes, y para quien siguio escribiendo grandes historias como "Angelitos negros", tambien de 1948, o la otra dupla de clasicos "La oveja negra" y su secuela "No desearas la mujer de tu hijo", de 1950 y 1951 respectivamente, dirigidas por Ismael Rodriguez y donde tambien participaron los primeros actores de origen saltillense Fernando y Andres Soler.

Justo con el inicio de la decada de los 50 Gonzalez inicia su faceta como director con su opera prima que tambien escribe, "El gavilan pollero" la cual protagoniza justamente Pedro Infante, a quien dirige posteriormente en otra dupla de clasicos tambien de su autoria como "Un rincon cerca del cielo" y "Ahora soy rico", de 1952, donde tambien actuan Marga Lopez, Silvia Pinal, otra vez el primer actor saltillense Andres Soler y el tambien cantante Antonio Aguilar, entre otros.

Gonzalez se mantiene como un director recurrente de Pedro Infante en otra trilogia de clasicos posteriores como "El mil amores", de 1954, que tambien protagonizan Rosita Quintana y el primer actor Joaquin Pardave; "El inocente", junto a Silvia Pinal, Sara Garcia y Oscar Ortiz de Pinedo, y "Escuela de vagabundos", al lado de Miroslava, Blanca de Castejon y Oscar Pulido, ambas de 1955,  asi como la ultima pelicula filmografia de Infante que fue "Escuela de rateros", de 1957, el mismo ano que estrena la cinta por la que obtiene su unica nominacion al Ariel al Mejor Director por "La culta dama", escrita en coautoria con el dramaturgo Salvador Novo, nominada a su vez a la Mejor
Pelicula de 1957 y en la que actuaron y obtuvieron sus respectivas Arieles Rosa Maria Moreno como Mejor Actriz y Mejor Escenografia para Manuel Fontanals.

La decada de los 50 la cierra Rogelio A. Gonzalez con broche de oro ya que luego de adaptar para la pantalla grande la historia de la escritora saltillense Lilia Rosa "Vainilla, bronce y morir", que protagonizaron Elsa Aguirre, Ignacio Lopez Tarso y Jose Galvez, en 1957 y del maestro Luis Spota
en "El hambre nuestra de cada dia", de 1958, protagonizada por Pedro Armendariz, Rosita  Quintana y otra vez Ignacio Lopez Tarso, filma el gran clasico de humor negro "El esqueleto de la señora Morales", donde dirige al primer actor Arturo de Cordova y la primera actriz espanola Amparo Rivelles, entre otros.

En la decada de los 60 Gonzalez se mantiene activo dirigio do a figuras de la talla de Maria Felix y el tambien regiomontano Eulalio Gonzalez "Piporro", en "La Valentina", de 1965, o las adaptacion es de comics de "Alma Grande en el desierto", de 1966, que protagonizada por Manuel Lopez Ochoa, Jose Elias Moreno y Jorge Russek y que se filma en locaciones naturales de Saltillo, Coahuila, y "Chanoc", tambien de 1966, que estelarizan el galan Andres Garcia y el comediante German Valdes "Tin Tan", entre otros.

 La decada de los 70 entra en la tendencias del llamado "nuevo cine mexicano" de temas mas realistas entre los que destacan titulos como "La sangre enemiga", protagonizada por Mercedes Carreno y David Reynoso; "Las virgenes locas", de 1972, estelarizada por Enrique Lizalde y las primeras actrices Ofelia Guilmain, Rosario Granados y Carmen Montejo, o " La inocente", tambien de 1972,  otra vez con Meche Carreno, entre otras.

Su ultima pelicula es la comedia "Mexico 2000", de 1983, la cual protagonizaron los comediantes Chucho Salinas y Hector Lechuga ybka cual parodiaba la supuesta vida futurista en nuestro pais y que hoy al verla no se sabe si reir o llorar por la exactitud visionaria que el maestro Gonzalez tuvo al respecto a la vida nacional en este nuevo milenio. Descanse en paz y muchas gracias por su legado.



MARIA SORTE: ENTRE EL INDIO FERNANDEZ Y CANTINFLAS

Un dia como hoy pero de 1951 nace en la ciudad de Camargo, Chihuahua, Maria Harfuch Hidalgo, mejor conocida como la hoy primera actriz Maria Sorte. Si bien Maria Sorte se inicia como actriz en la pantalla chica como parte del elenco de una de las primeras telenovelas con mas larga duracion del genero como lo fue "Mundo de juguete", en 1974, en la pantalla grande su padrino es nada menos que el aclamado cineasta de origen coahuilense Emilio "Indio" Fernandez al debutar en el cine haciendo un desnudo parcial dentro de "Zona roja", de 1976, al lado de Fanny Cano y Armando Silvestre.

Pero ademas de su indudable belleza fisica, el talento histrionico de Maria Sorte en el cine no tarde en dar frutos cerrando "con broche de oro" la decada de los 70 al ganar su primera Diosa de Plata como Mejor Actriz de Cuadro de 1979 por su participacion en "Mexicano hasta las cachas", de Edgardo Gazcon, donde participa al lado de Valentin Trujillo, Yolanda Lievana y Silvia Manriquez. Su segunda Diosa de Plata se le otorga en 1983 como Mejor Coactuacion Femenina compartiendo creditos nada menos que con el legendario Mario Moreno "Cantinflas" en la ultima pelicula pelicula en la filmografia del actor que fue "El Barrendero", de 1982. Otras peliculas sobresalientes de Maria Sorte de la decada de los 80 fueron "El testamento" (Gonzalo Martinez Ortega, 1981), la ultima pelicula  de la filmografia de otra leyenda de la Epoca de Oro del cine mexicano; Maria Elena Marques donde tambien aparecen Anita Blanch, Bruno Rey y la coahuilense Carmen Salinas; El embustero" (Rafael Villasenor Kuri, 1983), donde participa junto a Vicente Fernandez, la coahuilense Patricia Rivera y Miguel Angel Rodriguez y otra vez bajo la direccion de Gonzalo Martinez en "El hombre de la mandolina", filme de tematica gay donde actuo junto a la primera actriz Rosita Quintana y que consiguio una nominacion al Ariel al Mejor Argumento Original de 1984 para Gonzalo Martinez y Ruben Torres, entre otras mas.

La decada de los 90 la dedica Maria Sorte mas a su trabajo en la television empezando por la exitosa "De frente al sol", de 1992, que propicia una segunda parte en 1994 titulada "Mas alla del puente", bajo la produccion de Carla Estrada, pero entre una y otra filma "Un angel para los diablillos" (Fernando Perez Gavilan, 1993), otra vez actuando junto a la coahuilense Patricia Rivera, y en es drama "En manos de Dios" (Sergio Vejar, 1996), al lado de sus companeros en dichas telenovelas Alfredo Adame y Lilia Aragon, entre otras.

En la primera decada del siglo XXI regresa en plan estelar a las salas de cine acompanada del primer actor Rafael Inclan y bajo la direccion otra vez de Rafael Villasenor Kuri en la comedia "Bienvenido paisano", de 2006, y en 2013 bajo las ordenes de Joel Nunez, otra comedia como "Siete anos de matrimonio", protagonizada por Ximena Herrera, Victor Gonzalez y por la que la actriz Yolanda Andrade acaba de ganar la Diosa de Plata a la Mejor Coactuacion Femenina de 2013. Muchas felicidades y que sigan los exitos!


AUDREY HEPBURN: MUNEQUITA DE LUJO DEL CINE

Un dia como hoy pero de 1929 nace en Ixelles, Belgica, Audrey Kathleen Ruston, mejor conocida como la ganadora del Oscar a la Mejor Actriz de 1953 por "La princesa querias vivir" ("Roman Holiday", de William Wyler, Audrey Hepburn. Aun y cuando el resto de la decada de los 50 fue de las excepciones de la llamada "maldicion del Oscar" puesto que su fama y popularidad a raiz de ganar la estatuilla en lugar de decrecer aumento all protagonizar clasicos como "Sabrina", bajo la direccion del maestro Billy Wilder y en la que compartio creditos con otros ganadores del Oscar como Humphrey Bogart y William Holden, en 1954 o la superproduccion basada en el celebre texto del escritor ruso León Tolstoi, "La guerra y la paz", de King Vidor, en 1956, al lado de otro primer actor y ganador tambien de la estatuilla Henry Fonda.

Sin embargo, fue hasta justo una decada despues de su debut en el cine, en 1961, cuando Audrey Hepburn consolido su presencia en la Meca del Cine al interpretar a Holly Goligthly, la protagonista de la adaptacion al cine del best seller del aclamado escritor Truman Capote, "Breakfast at Tiffany's", dirigida por el maestro Blake Edwards y conocida en Mexico como "Munequita de lujo", por la que fue otra vez nominada a la estatuilla dorada como Mejor Actriz, donde compartio creditos con George Peppard y el recientemente fallecido Mickey Rooney en un filme que gano merecidamente el Oscar a la Mejor Cancion por el tema "Moon river", de Henry Mancini, que ella misma se encargo de entonar con guitarra acustica en una de las secuencias mas memorables del filme.

En contraste total, ese mismo ano Audrey Hepburn hizo mancuerna nuevamente con el director que le dio a ganar su unico Oscar, William Wyler, por otra gran adaptacion del texto de otra prestigiada autora norteamericana, Lillian Hellman, "The Children's Hour" ("La mentira inflame") donde al lado de otra ganadora del Oscar como Shirley MacLaine y el nominado James Garner protagonizo una historia que para la Epoca era un tema muy poco tratado en el cine y de ahi que a la fecha siga siendo una de las peliculas de menor perfil de su filmografia a pesar de la vigencia y relevancies que hoy en dia tiene: la homosexualidad femenina.

Con todo, el resto de la decada protagonizo otros grandes clasicos como el thriller "Charada", de 1963, de Stanley Donen y teniendo como galan a uno de los actores mas reconocidas del Hollywood clasico, Cary Grant, y en 1964, bajo la direccion de otro de los grandes directores de la Meca del Cine, George Cukor, es la protagonista de la ganadora del Oscar a la Mejor Pelicula de aquel ano, el musical "Mi bella dama" ("My fair lady"), donde tuvo como pareja a otro primer actor como Rex Harrison, quien junto al director Cukor gano su respectiva estatuilla dorada por su trabajo en este filme pero ironicamente a pesar de estar nominada otra vez como Mejor Actriz Audrey Hepburn perdio ante la britanica Julie Andrews por el clasico "Mary Poppins", de Robert Stevenson. Lanactriz sigue trabajando en el cine hasta fines de la decada de los 80 cuando filma su ultima pelicula en 1989 bajo las ordenes de Steven  Spielberg en el remake "Siempre", interpretando nada menos que a un angel al lado de otros ganadores del Oscar como Richard Dreyfuss y Holly Hunter. Fallece el 20 de enero de 1993 de cancer en el apendice a los 63 anos de edad. Muchas felicidades y gracias por su legado.

ANTHONY QUINN: SU TRABAJO CON COAHUILENSES

Un día como hoy pero de 1915 nace en Chihuahua, Chihuahua, Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca, mejor conocido como el primer actor Anthony Quinn, el único actor de origen mexicano hasta la fecha en haber ganado no sólo uno sino dos premios Oscar en la categoría de Mejor Actor de Reparto de 1952 por "Viva Zapata!", de Elia Kazan, compartiendo créditos con otros ganador de dos estatuillas ( en su caso al Mejor Actor), Marlon Brando, interpretando al caudillo del sur, y de 1956 por "Sed de vivir", de Vincente Minnelli, donde apareció al lado de una leyenda aún viviente del celuloide como Kirk Douglas.

Lo que pocos saben es que Quinn también compartió créditos en una ocasión de su filmografía con dos grandes directores pero también actores de origen coahuilense de la Época de Oro del cine mexicano: Emilio "Indio" Fernández y Julio Aldama, ambos nacidos en la Region Carbonifera del norteño Estado de México, cuando filmaron bajo las órdenes del francés nominado al Óscar y a la Palma de Oro de Cannes Henri Verneuilen la coproducción "Los cañones de San Sebastián" filmada en escenarios de Durango y San Miguel de Allende en 1968 y donde también participaron otros primeros actores y actrices mexicanos como Silvia Pinal, Jaime Fernández, Jorge Martínez de Hoyos y Jorge Russek, entre otros.

En décadas posteriores Quinn siguió combinando su trabajo en el extranjero con historias que tenían que ver con sus raíces en proyectos como "Los hijos de Sánchez" (Hal Bartlett, 1978), la última película en la filmografía de la diva Dolores del Río en donde participaron también primeros actores y actrices mexicanos de la talla de Ignacio López Tarso, Carmen Montejo, Katy Jurado y Patricia Reyes Spindola, ente otros, o "Un paseo por las nubes" (Alfonso Araújo, 1995), donde además de compartir créditos con el norteamericano Keanu Reeves y la española Aitana Sánchez Gijon aparece al lado de primeras actrices mexicanas como Evangelina Elizondo y Angélica Aragón, muchas felicudades y gracias por su legado.

"LUNA DE SANGRE" ... DEL CINE MEXICANO

Esta madrugada fue histórico el fenómeno natural que propició a partir de un eclipse que la luna se tornará de color rojo. El mismo fenómeno dio pie a interpretaciones de pasajes bíblicos relacionados al Apocalipsisis y a una "luna de sangre" que sería antecedente del final de los tiempos. Lo que pocos saben es que hace justo 30 años el cine mexicano ofreció ya una "Luna de sangre" a través del título de la ópera prima de un prometedor cineasta llamado Luis Antúnez cuyo primer largometraje fue lamentablemente su debut y despedida del quehacer cinematográfico como tal.

"Luna de sangre" era la historia que a manera de thriller nos presenta a una pareja de recién casados (el coahuilense Humberto Zurita y la recientemente desaparecida Alma Muriel) quienes durante su luna de miel sufren una avería en el automóvil que los transporta y al acudir a recibir el apoyo de un grupo de mecánicos de un taller cercano a la carretera donde sufrieron el desperfecto el novio es golpeado brutalmente y la novia violada salvajemente. Con lo que no cuentan este grupo de atacantes es en la venganza que sufrirán por ese ultraje.

La película que tuvo una exitosa corrida comercial durante su estreno se vio favorecida a su vez con 6 nominaciones a los premios Ariel a lo mejor en cine de su año para Alma Muriel como Mejor Opera Prima para Luis Antúnez; Mejor Actuación Femenina de 1984; Juan Angel Martínez a la Mejor Coactuacion Masculina por interpretar a uno de los mecánicos; Mejor Fotografía (Alberto Arellanos); Mejor Edición (Federico Landeros) y Mejor Música interpretada por un grupo igualmente prometedor de rock progresivo de nombre Flught. Por desgracia "Luna de sangre" fue como dijimos al inicio de este comentario el debut y despedida del director Antúnez en este tipo de empresa fílmica pero también del grupo Flught. ¿Profecía apocalíptica acaso por meterse con una "Luna de sangre"? La respuesta queda en el aire.

OCTAVIO PAZ, "EL POETA BUÑUEL"


Escrito distribuido en el marco del Festival de Cine de Cannes, Francia, el 4 de abril de 1951

Después de un silencio de muchos años, Buñuel presenta una nueva película: "Los olvidados". Si se comparan a esta cinta las realizadas con Salvador Dalí sorprende sobre todo el rigor con que Buñuel lleva hasta los límites extremos sus primeras intuiciones. Por una parte, "Los olvidados" representa un momento de madurez artística; por la otra, de mayor y más total desesperación: la puerta del sueño parece cerrada para siempre, sólo queda la de la sangre. Sin renegar de la gran experiencia de su juventud, pero consciente del cambio de los tiempos - que ha hecho más espesa esa realidad que denunciaba en sus primeras obras-, Buñuel construye una película en la que la acción es precisa como un mecanismo, alucinante como un sueño, implacable, como la marcha silenciosa de la lava. El argumento de "Los olvidados" -la infancia delincuente- ha sido extraído de los archivos penales. Sus personajes son nuestros contemporáneos y tienen la edad de nuestros hijos. Pero "Los olvidados" es más que un filme realista. El sueño, el deseo, el horror, el delirio y el azar, la porción nocturna de la vida, también tienen su parte. Y el peso de la realidad que nos muestra es de tal modo atroz, que acaba de parecernos imposible, insoportable. Y así es: la realidad es insoportable; y por eso, porque no la soporta, el hombre mata y muere, ama y crea.

La más rigurosa economía artística rige a "Los olvidados". A mayor condensación corresponde siempre una más intensa explosión. Por eso es una película sin "estrellas"; por eso, también la discreción del "fondo musical", que no pretende usurpar lo que en el cine la música le debe a los ojos; y finalmente, el desdén por el color local. Dando la espalda a la tentación del impresionante paisaje mexicano, la escenografía se reduce a la desolación sórdida e insignificante, más siempre implacable, de un paisaje urbano. El espacio físico y humano en que se desarrolla el drama no puede ser más cerrado: la vida y la muerte de unos niños entregados entregados a su propia fatalidad, entre los cuatro muros del abandono. La ciudad, con todo lo que esta palabra entraña de solidaridad humana, es lo ajeno y extraño. Lo que llamamos civilización no es para ellos sino un muro, un gran No que cierra el paso. Esos niños son mexicanos pero podrían ser de otro país, habitar un suburbio cualquiera de otra gran ciudad. En cierto modo no viven en México, ni en ninguna parte, son los olvidados, los habitantes de esas waste lands que cada urbe moderna engendra a sus costados. Mundo cerrado sobre sí mismo, donde todos los actos son circulares y todos los pasos nos hacen volver a nuestro punto de partida. Nadie puede salir de allí, ni de sí mismo, sino por la calle larga de la muerte. El azar, que en otros mundos abre puertas, aquí las cierra.

La presencia continua del azar posee en "Los olvidados", una significación especial, que prohíbe confundirlo con la suerte. El azar que rige la acción de los héroes se presenta como una necesidad que, sin embargo, pudiera no haber ocurrido. (¿Por qué no llamarlo entonces por su verdadero nombre, como en la tragedia: destino?) La vieja fatalidad vuelve a funcionar, sólo que despojada de sus atributos sobrenaturales: ahora nos enfrentamos a una fatalidad social y psicológica. O, para emplear la palabra mágica de nuestro tiempo, el nuevo fetiche intelectual: una fatalidad histórica. No basta, sin embargo, con que la sociedad, la historia o las circunstancias se muestren hostiles a los héroes: para que la catástrofe se produzca es necesario que esos determinantes coincidan con la voluntad de los hombres. Pedro lucha contra el azar, contra su mala suerte o mala sombra, encarnada en el Jaibo, cuando, cercado, la acepta y la afronta, transforma su fatalidad en destino. Muere, pero hace suya su muerte. El choque entre la conciencia humana y la fatalidad externa constituye la esencia del acto trágico. Buñuel ha redescubierto esta ambigüedad fundamental: sin la complicidad humana el destino no se cumple y la tragedia es imposible. La fatalidad ostenta la máscara de la libertad; esta, la del destino.

"Los olvidados" no es un filme documental. Tampoco es una película de tesis, de propaganda o de moral. Aunque ninguna predica empaña su admirable objetividad, sería calumnioso decir que es un filme estético, en el que sólo cuentan los valores artísticos. Lejos del realismo (social, psicológico y edificante) y del esteticismo, la película de Buñuel se inscribe en la tradición de un arte pasional y feroz, contenido y delirante, que reclama como antecedente a Goya y a Posada, quizá los artistas plásticos que han llevado más lejos el humor negro. Lava fría, hielo volcánico. A pesar de la universalidad de su tema, de la ausencia de color local y de la extrema desnudez de su construcción. "Los olvidados" posee un acento que no hay más remedio que llamar racial (en el sentido en que los toros tienen "casta"). La miseria y el abandono pueden darse en cualquier parte del mundo, pero la pasión encarnizada con que están descritas pertenece al gran arte español. Ese mendigo ciego ya lo hemos visto en la picaresca española. Esas mujeres, esos borrachos, esos cretinos, esos asesinos, esos inocentes, los hemos visto en Quevedo y en Galdos, los vislumbramos en Cervantes, los han retratado  Velázquez y Murillo. Esos palos - palos de ciego- son los mismos que se oyen en todo el teatro español. Y los niños, "Los olvidados", su mitología, su rebeldía pasiva, su lealtad suicida, su dulzura que relampaguea, su ternura llena de ferocidades exquisitas, su desgarrada afirmación de sí mismos en y para la muerte, su búsqueda sin fin de la comunión - aún a través del crimen - no son ni pueden ser sino mexicanos. Así, en la escena clave de la película - la escena onírica- el tema de la madre se resuelve en la cena en común, en el festín sagrado. Quizá sin proponérselo, Buñuel descubre en el sueño de sus héroes las imágenes arquetípicas del pueblo mexicano: Coatlicue y el sacrificio. El tema de la madre, que es una de las obsesiones mexicanas, esta ligado inexorablemente al de la fraternidad, al de la amistad hasta la muerte. Ambos constituyen el fondo secreto de esta película. El mundo de "Los,olvidados" esta poblado por huérfanos, por solitarios que buscan la comunión y que para econtrarla no retroceden ante la sangre. La búsqueda del "otro", de nuestro semejante, es la otra cara de la búsqueda de la madre. O la aceptación de su ausencia definitiva: el sabernos solos. Pedro, el Jaibo y sus compañeros nos revelan así la naturaleza última del hombre, que quizá consista en una permanente y constante orfandad.

Testimonio de nuestro tiempo, el valor moral de "Los olvidados" no tiene relación alguna con la propaganda. El arte, cuando es libre, es testimonio, conciencia. La obra de Buñuel es una prueba de lo que pueden hacer un talento creador y la conciencia artística cuando nada, excepto su propia libertad, los constriñe o coacciona.

DE OSCARES, GUIONES Y DIVAS DEL CINE HOLLYWOODENSE

Un día como hoy pero de 1998 la superproducción "Titanic", de James Cameron, se coloca en una selecta elite de honor de las pocas películas en la historia de Hollywood en haber ganado un total de Oscares, incluyendo los de Mejor Película y Mejor Director. Irónicamente, el filme no fue ni siquiera nominado en la terna al Mejor Guión. En su defecto los ganadores en esa categoría fueron como Mejor Guión Original de 1997 el de "Mente indomable", de la autoría de los actores Ben Affleck y Matt Damon, y Mejor Guión Adaptado el de "Los Angeles al desnudo", de Curtis Hanson.

Hablando de Oscares y ganadores del Óscar al Mejor Guión, un día como hoy también pero de 2003 el maestro del cine español Pedro Almodóvar hace historia en dichos premios al ganar el Óscar al Mejor Guión Original de 2002 por su película "Hable con ella", convirtiéndose en el primer y único guión en castellano en hacerlo hasta la fecha. Cabe señalar que entre sus competidores estaban los cineastas Alfonso y Carlos Cuaron, los primeros mexicanos en ser nominados en esta terna por el guión de "Y tu mama también".

Para terminar, y siguiendo con los ganadores del Óscar, un día como hoy también pero de 2011 fallece una de las últimas grandes divas del cine clásico hollywoodense, Elizabeth Taylor, ganadora de dos oremios Óscar a la Mejor Actriz de 1960 por "Una Venus en Visón" (Butterfield 8) y de 1966 por "Quien le teme a Virginia Woolf?". Descanse en paz y gracias por su legado

WILLIAM HURT: PIONERO DEL ÓSCAR "GAY"

Un día como hoy pero de 1950 nace en Washington, D.C. el actor que sería pionero en ganar un Óscar al Mejor Actor de 1985 por su papel protagónico en el hoy clásico "El beso de la mujer araña", de Hector Babenco y compartiendo créditos con el primer actor de origen puertorriqueño Raul Julia. Basada en la obra de teatro del mismo nombre de la autoría del argentino Manuel Puig, "El beso de la mujer araña" cuenta la historia de dos prisioneros en una cárcel sudamericana, Luis (Hurt) y Valentín (Julia), el primero preso por conducta inmoral y el segundo por cuestiones políticas. Durante el tiempo que pasan juntos los dos hombres aprenden a comprenderse y respetarse.

Este triunfo fue meteórico en cierta forma para Hurtbque tuvo la fortuna de debutar en el cine bajo la dirección del maestro del cine inglés Ken Russell en el clásico "Estados alterados", de 1980, y que a partir de 1981 compartiendo créditos con otra primera actriz como Kathleen Turner en el clásico thriller "Cuerpos ardientes", se convirtió en el actor fetiche del cineasta norteamericano Lawrence Kasdan bajo cuyas órdenes fue parte del elenco de la nominada al Óscar a la Mejor Película de 1983 "Reencuentro" ("The Big Chill").

Pero volviendo a "El beso de la mujer araña" Hurt comento en su momento sobre esta triunfadora interpretación lo siguiente: "No intérprete a mi personaje como un gay. Lo intérprete como una mujer porque la clave para mi como un artista es la investigación, y mientras frecuentaba bares gays y trataba de entender este ambiente por mi condición real de heterosexual no lograba entender el personaje. Había algo que no estaba funcionando. Días después mientras caminaba por una calle vi caminar a una mujer y me dije: 'Mi personaje no es gay, es una mujer atrapada en el cuerpo de un hombre'. Es como un actor atrapado en el cuerpo de una estrella de cine".

Después de su triunfo en "El beso de la mujer araña" Hurt tuvo dos nominaciones más consecutivas al Óscar como Mejor Actor en 1986 por "Te amaré en silencio", de Aranda  hacines y en 1987 por "Detrás de las noticias", de James L. Brooks. En 1988 fue al primer actor al que la UCLA le entregó su hoy tradicional premio Spencer Tracy por su admirable cuerpo de trabajo fílmico hasta ese entonces, y aunque en los años 90 sorprendió su rechazo de papeles protagónicos masculinos de éxitos como "Miseria", de Rob Reiner, en 1990, o de "Parque Jurásico", de Steven Spielberg, en 1993, su más reciente nominación al Óscar en su caso al Mejor Actor de Reparto de 2005 por su papel antagónico en "Una historia violenta", de David Cronenberg, lo regreso a los primeros planos, y ya desde ahora su habla de una muy probable nueva nominación al Óscar al Mejor Actor de este año por su interpretación del músico norteamericano Gregg Allman en una biografía fílmica de próximo estreno. Muchas felicudades y que sigan los éxitos!

LINA SANTOS: LA PROTAGONISTA ORIGINAL DE "EL MARIACHI"

Un día como hoy pero de 1966 nace en Ciudada Acuña, Coahuila, la actriz Lina Santos, quien luego de obtener el título de Miss Coahuila en el año de 1985 tuvo una suerte similar a su paisana coahuilense Patricia Rivera la década anterior al iniciarse casi de inmediato en el cine nacional en su caso dentro de las famosas sexi comedias de aquellos años al debutar en 1986 con "Los lavaderos", de Javier Durán. Su ascenso en el género fue prácticamente vertiginoso aunque también tuvo su incursión en otros géneros como el ranchero ("El macho", de Rafael Villaseñor Kuri, en 1987, al lado del actor y cantante Vicente Fernández y Eulalio González "Piporro"); de drama y aventuras ("El jinete de la divina providencia", de Oscar Blancarte, de 1988, por la cual fueron nominados al Mejor Actor y la Mejor Actriz de aquel año Bruno Rey y Martha Navarro, de manera respectiva) y la comedia blanca en "Mi compadre Capulina" (Víctor Ugalde, 1989), la última película de la filmografía del famoso "Rey del Humorismo Blanco".

A principios de los años 90 Lina Santos sigue reinando en las sexy comedias donde es dirigida por un cineasta del nivel del maestro Felipe Cazals en títulos como "Burbujas de amor" y "Desvestidas y alborotadas", ambas de 1991, e incursiona exitosamente en la televisión en la telenovela "Alcanzar una estrella 2" al lado de actores y cantantes como Sasha Sokol, Pedro Fernández, Eric Rubin, Ricky Martín y Angélica Rivera por lo que en apariencia debido a su agenda sumamente saturada fue que le dijo no a un hoy famoso director texano como Robert Rodríguez en su célebre ópera prima de 1992 "El Mariachi" para la cual Lina Santos fue considerada como la primera opción para ser la protagonista femenina según lo relata Rodriguez en su libro "Rebel without a crew, or how a 23 year old filmmaker with 7,000 became a Hollywood Player" (Dutton Books, 1995): "Carlos (Gallardo) decidió apresurar nuestra suerte al preguntarle a Lina Santos, quien está en Del Río (Texas) por unos días a interpretar el papel de Domino. La llamamos y acordamos una cita para verla el próximo lunes ya que estaríamos por ahí para recoger los detonadores que había pedido a Los Angeles.

Lunes, julio 29, 1991. Cruzamos la frontera hacía Del Río y enviamos un cheque de 2,000 dólares a Allied Film Labs donde íbamos a revelar nuestra película así como transferirla a video para nuestra futura cuenta de servicios. Fuimos a casa de Lina. Nadaba afuera, viendo se como toda una estrella. Nos sentamos, y con nerviosismo le pedimos si nos haría el favor. Le contamos de nuestro plan, de nuestro buen guión y de como necesitábamos vender esta película para hacer dinero y hacer más películas y así ir avanzando por la escalera en orden ascendente.

Le dije que llenaríamos la película del tipo de acción y del trabajo de cámara que los distribuidores no están acostumbrados en ver en este tipo de películas baratas y hechas muy a la carrera pero que con su nombre incluido la haría fácil de vender para el distribuidor. Le pedimos que considerara interpretar el papel estelar femenino de Domino. Ella dijo que tenía que regresar a México el día siguiente para otro trabajo y que chocaría su agenda. Si ella esta libre, regresaría el lunes siguiente por cuatro días y medio" (Ídem, pags. 37-38)

Pero Lina no regreso y el resto es historia. Irónicamente el papel de Domino aunque lo interpreto otra actriz también coahuilense de nombre Consuelo Gomez cuyo trabajo en "El Mariachi" fue su debut y despedida en el cine fue inspiración para un papel que con otros nombres repitieron posteriormente la nominada al Óscar Salma Hayek en "Pistolero", de 1995, también bajo las órdenes de Rodríguez, o de Martha Higareda en la serie del mismo nombre actualmente en transmisiones a través del canal AXN. Las sexi comedias terminaron con la debacle de la industria del cine a finales de la década, de telenovelas de Televisa paso Lina Santos a TV Azteca ("La chacala", 1998) y de ahí de vuelta a Televisa en 2012 vía "Que bonito amor", protagonizada por Jorge Salinas y Danna García. Esperemos pronto haya para Lina Santos más proyectos en el cine y por lo pronto un muy feliz cumple y los mejores deseos!

MARIO HERNÁNDEZ: DE COAHUILA A HOLLYWOOD Y MÉXICO

Un día como hoy pero de 1936 nace en la ciudad de Piedras Negras, Coahuila, Mario Hernández, quien desde pequeño se ve seducido por las historias vistas en la sala de cine al grado de que aprovechando la cercanía de la frontera se decide a lanzarse a la aventura de estudiar cine directamente en la ciudad de Los Angeles, California, donde a principios de los años 60 asiste a tomar clases en UCLA y además de tener de compañero en el aula al célebre cineasta Francis Ford Coppola,    autor de un clásico del cine como "El Padrino", tuvo entre sus maestros a grandes directores norteamericanos como lo fueron Frank Capra y Orson Welles.

Fue este último quien con un acento español de la Madre Patria le sugirió regresar a su país para hacer realidad las historias que quería contar y no se equivocó, ya que al hacerlo a principios de la década de los 60 el cine mexicano cuya vasta producción fílmica de la Época de Oro lo alentó a viajar a la Meca del Cine, vivía un alentador "segundo aire" con producciones como "Macario", del maestro Roberto Gavaldon, que en 1960 se convirtió en el primer filme mexicano en ser nominado a un Óscar a la Mejor Película Extranjera de aquel año o bien "Animas Trujano", de otro maestro de la cinematográfica nacional como Ismael Rodríguez, la segunda película mexicana en ser nominada a un Óscar en la misma terna y cuya proyección le tocó ver todavía en Los Angeles estando presente el mismísimo "Padrino", Marlon Brando, quién se manifestó públicamente perturbado por su antológico final pero al ser cuestionado sobre cuál sería su propuesta para cambiar el mismo el astro se limitó a responder: "No lo se".

El caso es que justo a su regreso a México Hernández no pudo estar mejor apadrinado en su debut en el cine mexicano como contador de historias al ser comisionado a trabajar por el mismo maestro Ismael Rodríguez en el guión de otro gran clásico de los años 60, "El hombre de papel", la historia de un pepenador mudo cuya vida cambia radicalmente al encontrarse un billete de 10 mil pesos y que interpretó con la maestría que en la actuación lo caracteriza el mencionado primer actor Ignacio
López Tarso. La historia se basó en un cuento del prestigiado escritor Luis Spota y junto a Hernandez estuvieron colaborando en la adaptación otros grandes de la pluma como Pedro de Urdimalas, colaborador de cabecera de Ismael Rodríguez, y Ricardo Garibay, entre otros.

A "El hombre de papel" le siguió una década muy prolífica a Mario Hernández de colaboraciones con Don Ismael Rodríguez en proyectos como "La mujer del carnicero" y "Autopsia de un fantasma", de 1968; "Cuernos debajo de la cama", de 1969 y "Mi niño Tizoc", de 1972, pero fue a principios de los años 70 cuando su acercamiento al actor, cantante y productor Antonio Aguilar la que detono su imparable carrera como director a partir de su ópera prima de 1973 "La yegua colorada".

Lo que sucedió es que después de trabajar en el guión de "Zapata", donde otro maestro del cine como Felipe Cazals dirigió a Antonio Aguilar en el papel del caudillo del sur en 1970, así como del clásico de culto "Los marcados", un western dirigido por Alberto Mariscal con temática homosexual y que protagonizaron además de Aguilar otros primeros actores como Eric del Castillo, José Carlos Ruiz, Flor Silvestre y Carmen Montejo, en 1971, entre Antonio Aguilar y Hernández se dio una gran química que los llevo a hacer una prolífica mancuerna como actor y director en un total de 34 películas.

En ese conjunto de películas hubo desde comedias rancheras hasta más épicas de héroes revolucionarios o postrevolucionarios como el yuca tecno Felipe Carrillo Puerto en "Peregrina", de 1974; Francisco Villa en "La muerte de Pancho Villa", también de 1974 o el mismo Zapata en "Zapata en Chinameca", en 1987, entre otras más. A principios de los años 80 Mario Hernández fue nominado al Ariel al Mejor Director de 1981 por "Noche de carnaval", filme por el cual quien gano el galardón a la Mejor Actriz fue su protagonista femenina Ninon Sevilla y en 1984 el recientemente fallecido Miguel Ángel Ferriz fue nominado como Mejor Actor de aquel año por "El tonto que hacia milagros" que gano por su parte el Ariel al Mejor Guión escrito en su caso por su paisano coahuilense Francisco Sánchez y  Luis Mariano Sabines.

El más reciente largometraje de Mario Hernández es el que estrenó en 2007 en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara "Cementerio de papel", la cual protagonizada por Alberto Estrella, el también coahuilense José Juan Meraz y la activista de origen saltillense Rosario Ibarra de Piedra es una historia sobre la época de la guerra sucia. Actualmente el maestro Hernandez prepara un nuevo largometraje sobre otro tema controvertido: la expropiación petrolera. Muchas felicudades y que sigan los éxitos!

ALFONSO CUARON: ACTOR DE PELÍCULA NOMINADA AL ÓSCAR?

Hoy es un día que tiene muchas posibilidades de ser histórico para los mexicanos en el Óscar debido a los pronosticados triunfos de Alfonso Cuaron (Mejor Director por "Gravedad"); Emmanuel "El Chivo" Lubezki (Mejor Fotografía, "Gravedad") y hasta Lupita Nyong'o (Mejor Actriz de Reparto por "12 años de esclavitud"). En los días previos a la ceremonia mucho se ha hablado por los mismo de la historia de Cuaron en el cine, tanto mexicano como internacional, desde su salida de la escuela de cine para darle prioridad a su formación profesional hasta sus primeras dos nominaciones a la estatuilla al Mejor Guión Original de 2002, compartido con su hermano Carlos Cuaron por "Y tu mama también", y Mejor Guión Adaptado de 2006 por "Niños del hombre", de una novela de P.D. James junto a Timothy Sexton, David Areta, Mark Fergus y Hawk Ostby. Lo que pocos saben es que en su etapa de formación profesional como segundo asistente de dirección y mientras trabajaba como tal en la primera película que el también mexicano. Luis Mandoki hacía en coproducción con las grandes ligas hollywoodenses que fue "Gaby, una historia verdadera", de 1987, la historia real dela escritora Gaby Brimmer (Rachel Levin), una joven con discapacidad que en tiempos donde tenía más limitaciones por su condición se impone sobre ella para estudiar y sobresalir en su oficio. Resulta que en una secuencia clave de la película protagonizada, entre otros, por la actriz fetiche del maestro Ingmar Bergman, Liv Ullman; el entonces reciente nominado Robert Loggia ( como Mejor Actor de Reparto de 1985 por "Al filo de la sospecha", de Richard Marquand) y la primera actriz argentina Norma Aleandro, quien recibió por su parte la nominación al Óscar a la Mejor Actriz de Reparto de 1987 por su entrañable personaje de la nana de Gaby Brimmer que más que sus propios padres (Ullman y Loggia) la alentó a salir adelante a pesar de su discapacidad, y al asistir por primera vez a la universidad, entre maravillada como asustada por esa nueva experiencia, de pronto duda al decir presente cuando pasan lista por orden alfabético de nombres de alumnos por apellidos. En pantalla se ven además de la actriz protagónica Rachel Levin a la actriz mexicana Nailea Norbind, en aquellos años muy famosa gracias a su participación en la telenovela juvenil "Quinceañera", y aunque no se ve en pantalla luego de que el maestro da el nombre de "Brimmer, Gaby", y la cámara capta en un plano medio el desconcierto como alegría de la joven, se sigue pasando lista en el orden alfabético de alumnos al que sigue "Cuaron, Alfonso" y se escucha un presente ...puesto que si no se animó el hoy nominado al Óscar a estar entre los extras no podía faltar en el set como segundo asistente de dirección de dicha película que hoy ya es historia también dentro de los proyectos de su filmografía relacionados al premio Óscar. Mucha suerte y enhorabuena Alfonso Cuaron!

JOHN SCHLESINGER: PIONERO DEL CINE "CENSURABLE"

Un día como hoy pero de 1926 nace en Londres, Inglaterra, John Richard Schlesinger, mejor conocido como uno de los grande directores ingleses que en la tradición de otros grandes compatriotas suyos como Charles Chaplin, Alfred Hitchcock o David Lean, entre otros, emigro con gran éxito desde su país natal hasta la Meca del Cine siendo en su caso pionero en llevar temas polémicos al cine iniciando con la cinta ganadora del Óscar a la Mejor Película de 1969 "Perdidos en la noche" ("Midnight cowboy"), el único filme hasta la fecha en haber recibido una clasificación X en haber ganado esa distinción. Y es que la única película por la que a su vez el maestro Schlesinger gano el único Oscar de su filmografía al Mejor Director y a su vez le dio su respectivo Oscar al Mejor Guión Adaptado de la novela del mismo nombre al escritor Waldo Salt además de contar la historia de un vaquero texano (Jon Voight) quien al viajar con grandes sueños a Nueva York termina ejerciendo la prostitución, manejaba un subtexto de homosexualidad entre el personaje de Voight con el de otro primer actor como Dustin Hoffman, un vagabundo cojo que en las calles de la Gran Manzana en medio de un crudo invierno conoce al vaquero y le ofrece un espacio en su pequeño departamento iniciando con el un fuerte vínculo de amistad.

Quizás porque a pesar de que la década de los 70 vino a ser un parteaguas en el cine a nivel mundial para muchos temas, y que directores como el norteamericano William Friedkin iniciaba la década llevando al cine la controvertida obra sobre temática homosexual "Los chicos de la banda" que en México monto con no menos éxito y controversia la reconocida dramaturga coahuilense Nancy Cardenas, Schlesinger decidió que el siguiente proyecto después del éxito y reconocimiento de "Perdidos en la noche" fuera un filme que le dio merecidamente una segunda nominación al Óscar como lo fue "Sunday Bloody Sunday", una cinta que protagonizaron los primeros actores Peter Finch y Glenda Jackson acompañados de un joven actor como el futuro cantante de pop Murray Head en una historia de un triángulo amoroso que mantienen un doctor, una mujer divorciada y un joven hippie bisexual que le dio su tercera y última nominación al Óscar al Mejor Director a Schlesinger (la primera fue por "Darling", que por su parte le dio el Óscar a la mejor Actriz de 1965 a su compatriota Julie Christie) así como nominaciones a Finch como el Mejor Actor, Glenda  Jackson como la Mejor Actriz y a Oenelope Hillard al Mejor Guión Adaotado de su propia obra teatral.

Aunque el resto del siglo XX el maestro Schelsinger se inclinó por hacer con la eficacia que lo caracteriza películas de otros géneros como lo fueron, entre otras, "Maratón de la muerte", de 1976; "La traición del halcón", de 1985; "Los creyentes", de 1987; "Madame Sousatzka", de 1988; "Pacific Heigths", de 1990 y "Ojo por ojo", de 1996, para iniciando el nuevo milenio hacer la primera película en Hollywood de su filmografía (que irónicamente sería la última) en tener a un protagonista homosexual tanto en la vida real como en la historia de "Una pareja casi perfecta", en el año 2000, donde Rupert Everett interpreta a un gay que tras pasar una noche de copas con su mejor amiga (nada menos que la cantante Madonna) tiene relaciones con ella y la embaraza teniendo que emparentar en tono de comedia las consecuencias de todo esto. Muchas felicidades maestro y gracias por su legado.


FELIZ CUMPLE NÚMERO 69, MIA FARROW!!!

Un día como hoy pero de 1945 nace en Los Angeles, California, María de Lourdes Villiers-Farrow, mejor conocida como la actriz Mía Farrow, hija del director de cine John Farrow y de la actriz Maureen O'Sullivan, famosa por haber interpretado a la Jane de la serie de películas de Tarzan protagonizadas por el actor Johnny Weismuller. Es justo a la edad de 20 anios que Mía Farrow comienza a dar de manera firme sus primeros pasos como actriz luego de ganar el Globo de Oro a la debutante más prometedora de 1965 para el resto de la década volver a ser nominada al premio primero a la Mejor Actriz de Televisión de 1966 por la versión para la pantalla chica de "La caldera del diablo" ("Peyton Place"); en 1968 a la Mejor Actriz de Película Dramática por su memorable protagónico en el clásico de terror de Román Polanski "El bebé de Rosemary", al lado de actores como John Cassavettes y la ganadora del Óscar Ruth Gordon, entre otros y en 1969 a la Mejor Actriz de Película de Comedia o Musical por "John and Mary", de Peter Yates, junto al primer actor también ganador del Óscar Dustin Hoffman. Es justo dentro del género del terror que tiene otro éxito taquillero en los años 70 como protagonista de "Terror ciego", de Richard Fleischer, en 1971; en 1974 protagoniza junto al galán Robert Redford la versión del director Jack Clayton de la novela de F. Scott Fitzgerald "El gran Gatsby", ganadora de dos Oscares al Mejor Vestuario y a la Mejor Música de aquel anio y en 1978 de la adaptación del director John Guillermin del texto de Agatha Christie "Muerte en el Nilo", donde actúa junto a primeros actores como Bette Davis y Peter Ustimov, entre otros. Es a partir de 1982 y hasta 1992 que Mía Farrow se convierte en pareja en la vida real pero también en actriz fetiche en la pantalla grandes del aclamado cineasta neoyorkino Woody Allen bajo cuyas órdenes protagoniza filmes que incluyen "Comedia sexual de una noche de verano" (1982); "Broadway Danny Rose" (1984; "La rosa púrpura del Cairo" (1985); "Hannah y sus hermanas" (1986); "Días de radio" y "Septiembre" (1987); "La otra mujer" (1988); "Crímenes y pecados" (1989); "Alice" (1990); "Sombras y niebla" (1991) y "Maridos y esposas", de 1992. Ya alejada de Allen profesional y personalmente Mía Farrow protagoniza a mediados de los 90 junto a Sarah Jessica Parkerr y el español Antonio Banderas la comedia romántica "Rapsodia en Miami", de David Frankel, en 1995, y no es sino hasta justo una década después que vuelve a participar en una película de alto perfil hollywoodense como el no muy afortunado remake del clásico de terror "La profecía", de John Moore, en 2006, protagonizada por los actores Julia Stiles y Lieb Schrieber. Su más reciente trabajo cinematográfico a la fecha ha sido bajo las órdenes del gran realizador norteamericano de cine independiente Todd Solondz de 2011 "Dark Horse", al lado del ganador del Óscar Christopher Walken. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

DE JAMES DEAN, JOHN WILLIAMS Y LANA TURNER

Un día como hoy también nacieron varias leyendas de Hollywood entre las que vamos a recordar a tres: la primera de ellas es la que hizo historia de manera por demás lamentable al convertirse en el primer actor en recibir no sólo una sino una doble nominación al Óscar al Mejor Actor tanto de 1955 como de 1956, James Dean, nacido el 8 de febrero de 1931 como James Byron Dean en Marion, Indiana. Habiendo completado las filmaciones de un total de tes películas al hilo como lo fueron "Al este del paraíso", de Elia Kazan, de 1955; "Rebelde sin causa", de Nicholas Ray, también de 1955 y "Gigante", de George Stevens, estrenada en 1956, muere en un accidente automovilístico el 30 de septiembre de 1955.

Hablando de Oscares, un día como hoy también pero de 1932 nace en Queens, Nueva York, el prolífico compositor para cine John Williams, ganador en una larga filmografía de cinco premios Oscar de un total de 49 nominaciones a la estatuilla. Los Oscares que ha obtenido son por clásicos como "El violinista en el tejado", de Norman Jewison, en 1971; "Tiburon", de Steven Spielberg, en 1975; "La guerra de las galaxias", de 1977; "E.T. : El extraterrestre", de Steven Spielberg, de 1982 y "La lista de Schindler", también de Spielberg, de 1993.

Y hablando de grandes divas del cine, un día como hoy también pero de 1921 nace en Wallace, Idaho, Julia Jean Mildred Frances Turner, mejor conocida como la memorable "chica del sueter", Lana Turner, recordada por clásicos del cine como la primera versión de "El cartero llama dos veces" (Tay Garnett, 1946);  "Cautivos del mal" (Vincente Minnelli, 1952) y "La caldera del diablo", de Mark Robson, que le dio a la Turner su única nominación al Óscar a la Mejor Actriz de 1957. En 1958 Lana Turner protagoniza otro clásico bajo la dirección del maestro Douglas Sirk, "Immitation of life", que le dio por su parte nominaciones a la Mejor Actriz de Reparto a la recientemente desaparecida Juanita Moore pero también a Susan Kohner, quien apareció en aquel filme como hija de Lana Turner pero quien en la vida real es hija de la actriz mexicana Lupita Tovar y madre de los exitosos guionistas y directores hollywoodenses Chris y Paul Weitz. Feliz cumpleaños a todos ellos.

FELIZ 202 CUMPLE, CHARLES DICKENS!!!

Un día como hoy pero de 1812 nace en Portmouth, Hampshire, Inglaterra, Charles John Huffam Dickens, mejor conocido como el prolífico escritor británico Charles Dickens. Hijo de un trabajador de una oficina de gobierno al que cambiaban de ciudad continuamente, con todo y que era un empleado muy comprometido fue arrestado y encarcelado por haberse hecho de deudas impagables cuando Charles tenía 11 anios de edad por lo que desde esa edad comienza a trabajar en una fábrica para apoyar a su familia numerosa. Eventualmente la economía familiar comenzó a mejorar, por lo cual Charles pudo continuar con sus estudios, convertirse primero en periodista y después en escritor. Todas sus vivencias de la infancia a la época adulta fueron plasmadas en algunas de sus más conocidas obras que han sido llevadas al cine como "Oliver Twist" (que como musical dirigido por Carol Reed fue ganadora del Óscar a la Mejor Película de 1968 y la más reciente adaptación para la pantalla grande fue hecha por el maestro Román Polanski en 2006); "Un cuento de Navidad" o "Grandes esperanzas", desde el clásico en blanco y negro ganador de dos Oscares dirigido por otro grande el cine como David Lean, en 1946 hasta la más reciente adaptación de Mike Newell en 2012 pasando por la aproximación modernista que le dio el mexicano Alfonso Cuaron en 1998 contando en su elenco con ganadores del Óscar de la talla de Gwyneth Paltrow, Anne Bancroft y Robert De Niro además del nominado Ethan Hawke. Este 2014 el legado de Dickens en el cine sigue presente con la película nominada en la categoría del Mejor Vestuario de 2013 por la segunda película como director del actor dos veces nominado al Óscar Ralph Fiennes, "La Mujer. Invisible" donde el mismo Fiennes interpreta a Dickens en uno de los pasajes más tormentosos de su vida personal, cuando en medio de su etapa más critica como escritor mantuvo una relación extramarital con una mujer mientras seguía casado con su esposa Catherine con quien tuvo un total de diez hijos. Muchas felicidades y gracias por su legado!

FELICES 60, SEBASTIÁN LIGARDE!!!

Un dia como hoy pero de 1954 nacio en la ciudad de Puebla Amedee Gerardo Ligarde Mayaudon, mejor conocido como el actor Sebastián Ligarde. Nacido de madre mexicana y padre texano Sebastián combino su pasion por el arte dramatico tanto en Mexico como en Estados Unidos, y no por nada es gratuito que su debut en el cine se da en una coproduccion Mexico-Estados Unidos basada en un sonado caso de la vida real que dio titulo al filme, "Los supervivientes de los Andes", de Rene Cardona, en 1976. Aquel mismo anio participa en una epica basada en otra historia de la vida real ocurrida en el estado de Chihuahua del norte de Mexico, "Longitud de guerra", de Gonzalo Martinez Ortega, lo cual sigue con la obtencion de su Licenciatura en Direccion de Cine en la Universidad de Texas en Austin. La decada de los 80 la inicia regresando al cine mexicano con la pelicula "Verano Salvaje", de 1980, protagonizada por los actores Jorge Rivero, Ana Martin y Fernando Allende, inicia una prolifica mancuerna cinematografica con el director Enrique Gomez Vadillo. En 1982 participa en otra epica produccion mexicana como "Antonieta", del espanol Carlos Saura, donde comparte creditos con la francesa Isabelle Adjani y la alemana Hanna Schygulla, y en 1983 en una secuela de la saga de peliculas del genero western "El truinfo del hombre llamado caballo", de John Hough, protagonizada por el primer actor britanico nominado al Oscar Richard Harris. Hablando de nominaciones al Oscar, Ligarde hace el personaje de un teniente apellidado Johnson en 1985 de la pelicula "Remo Williams: La aventura inicia", de Guy Hamilton, que fue nominada al Oscar al Mejor Maquillaje de aquel anio y en cuyo reparto sobresalen ademas del protagonista, Fred Ward, el ganador del Oscar al Mejor Actor de 1972 por el clasico "Cabaret", de Bob Fosse, Joel Grey. El mismo 1985 Sebastián Ligarde debuta en la television norteamericana en un capitulo de la ultima temporada de la no menos clasica "Alfred Hitchcock presenta", que aunque ya no era producida por el mago del suspenso tras su muerte en 1980 seguia la tematica de suspenso y terror que en Mexico retomo a finales de la misma decada la productora Carmen Armendariz en la celebre "Hora marcada", que hizo despuntar los talentos de los hoy famosos cineastas mexicanos Alfonso Cuaron y Guillermo del Toro, entre otros. Pero volviendo a la television mexicana luego de hacer su debut en telenovelas en 1986 haciendo un pequeno papel en "Pobre Juventud" y ser dirigido por otro reconocido director como Alfonso Arau en una cinta hecha aprovechando el furor del Mundial de Mexico 86 titulada "Chido Guan: El tacos de oro", en 1987 es la misma productora de "Pobre Juventud", Carla Estrada, quien le da a Sebastián. Ligarde el personaje que le dio la mas grande popularidad de su carrera como el pandillero Memo de la clasica telenovela tambien juvenil "Quinceanera" donde actuo al lado de Adela Noriega, Thalia, Nailea Norvind y Ernesto Laguardia, entre otros mas. La decada de los 80 la termina Ligarde participado en una telenovela en su caso en el horario estelar de Televisa producida por Etnesto Alonso bajo el titulo de "Lo blanco y lo negro", la cual protagonizo, entre otros, la cantante Lupita D'Alessio, y al tiempo que la decada de los 90 le da continuidad a historias en el horario estelar de dicha televisora con la produccion de la dupla de Carlos Tellez y Carlos Olmos ("Cuna de lobos") titulada "En carne propia", al lado del primer actor Gonzalo Vega y la pareja protagonica que formation Edith Gonzalez y Eduardo Yanez, vuelve al cine en plan estelar con la pelicula "El homicida", de Alfonso Rosas Pliego, que fue ganadora de tres Arieles a la  Mejor Actriz de Reparto de 1990 para Laura Forastieri; Mejor Actor de Cuadro para Alfredo Solares y Mejor Edicion para Carlos Savage, y por la que a su vez Ligarde obtiene la Diosa de Plata al Mejor Actor de Reparto por el personaje que da titulo a la pelicula. De 1991 dirigido por por el ganador del Ariel Rafael Montero en "Justicia de nadie", al lado de los coahuilenses Carmen Salinas y Roberto "Flaco" Guzman, a "Reclusorio", del maestro Ismael Rodriguez, Sebastián Ligarde se mantiene activo entre videohomes y peliculas estrenadas en cines, al tiempo que sigue Sebastián Ligarde destacando como villano de telenovelas en seriales que van de "Entre la vida y la muerte", de 1993, junto a Leticia Calderon,  Fernando Ciangherotti y los primeros actores Beatriz Aguirre, Iran Eory y Roberto Canedo, hasta "Vivo por Elena", al lado de Victoria Ruffo y Saul Lisazo, en 1998. El nuevo milenio lo inicia Ligarde con el pie derecho en el anio 2000 en la pantalla chica como parte del elenco de primer nivel de la telenovela "La casa en la playa", produccion del mencionado Entique Gomez Vadillo donde comparte creditos con los protagonistas, Sergio Goyri y Cynthia Klitbo, pero tambien con primeros actores de la talla de Marga Lopez, ignacio Lopez Tarso,  Blanca Guerra y Jose Carlos Ruiz, entre otros mas, pero tambien formando parte del refrito del clasico "Quinceanera", que bajo el titulo de "Primer amor ... a mil por hora", produccion de Pedro Damian, ahora lo unica en los personajes adultos mientras los protagonistas juveniles corren a cargo de Anahi, Kuno Becker y Mauricio Islas, entre otros. En 2004 vuelve a trabajar bajo las ordenes de Enrique Gomez Vadillo en la adaptacion cinematografica de la obra teatral "Cuatro Equis" que se titulo "Desnudos", y que protagonizaron Karyme Lozano, Rafael Amaya y otros mas, para que respecto a las telenovelas, a partir de su cambio de televisora en Mexico trabajando para TV Azteca en "Belinda", tambien en 2004, es precisamente esta ultima televisora la que transmite en la actualidad la primera telenovela con la que Sebastián Ligarde vuelve a trabajar de nuevo en su otra patria, Estados Unidos, "Olvidarte jamas", protagonizada por Sonya Smith y Gabriel Porras, a la que siguio su trabajo en otras dos telenovelas graba dias en. Miami como "Acorralada", de 2007, transmitir a por Univiison y protagonizada por Alejandra Lazcano, David Zepeda y William Levy, y del mismo 2007 para Telemundo la exitosa "Pecados ajenos", al lado de sus compatriotas Lorena Rojas y Mauricio Islas, entre otros. En 2013, justo cuando se destapa un escandalo mediatico por la salida del closet del actor, vuelve al cine protagonizando un cortometraje titulado "The Dark Forest", de Carlo Serran, y este 2014 esta por estrenarse una serie de television del genero del misterio que protagoniza de nuevo junto a Lorena Rojas bajo el titulo de "Sangre en el divan". Muchas felicidades y que sigan los exitos!

JEANNE MOREAU, A CINCO DECADAS DE "LA RECAMARERA"

Un dia como hoy pero de 1928 nace en Paris, Francia, una de las divas mas reconocidas de la cinematografia francesa, Jeanne Moreau. Luego de varios anios dedicada al trabajo en escenarios teatrales y peliculas de clase B es su compatriota, Louis Malle, quien al llamarla para protagonizar dos de sus clasicos Elevador al cadalso, de 1957, y Los amantes, de 1958, quien la coloca en la mira de colegas de Malle como Francois Truffaut, protagonistas a su vez del emblematico movimiento de la Nueva Ola Francesa, primero en una participacion fugaz del clasico Los 400 golpes, de 1959, y despues como la protagonista de otra cinta clave de ese movimiento, Jules y Jim, de 1962. Ya para entonces Jeanne Moreau habia sido llamada a trabajar por otros grandes del cine internacional como el italiano Federico Fellini para hacer "La noche", de 1961; el norteamericano Orson Welles en "El proceso", de 1962 y del espanol Luis Bunuel en "El diario de una recamarera", en 1964. El resto de la decada vuelve a trabajar con Louis Malle en un filme rodado en Mexico, "Viva Maria", al lado de otra diva del cine frances Brigitte Bardot; con Welles en "Campanadas a la medianoche", tambien de 1965 y con Truffaut en es thriller Hitchcockiano "La novia viste de negro", de 1968. En los 70 trabaja bajo las ordenes del maestro Elia Kazan en "El ultimo magnate", de 1976; en los 80 con el gran Rainer Werner Fassbinder en "Querelle", de 1982; en los 90 con su compatriota Luc Besson en el exito taquillero "La femme Nikita", de 1991 y en el nuevo milenio, entre otros, con uno mas de sus compatriotas con el no menos extraordinario Francois Ozon en "Tiempo de vivir", de 2005. Muchas felicidades y que sigan los exitos!

SUPUESTA BODA DE HOWARD HUGHES Y KATHARINE HEPBURN

Un dia como hoy pero de 1937 miles de personas se reunieron a las acuerdas de las oficinas del Condado de Chicago tras esparcirse los rumores de que la ya para entonces gran estrella del cine, Katharine Hepburn, y el piloto millonario tambien involucrado en el cine, Howard Hughes, habian obtenido una licencia para casarse de inmediato. Ninguno de los dos llego al Lugar. Mas adelante la Hepburn, quien estaba dando una funcion de teatro en esa fecha, envio un mensaje a traves de una mucama en el hotel donde se hospedaba durante la gira de la misma que decia lo siguiente: "No voy a casarme con Howard Hughes el dia de hoy". Todo esta etapa de infatuacion entre manos personajes la retrata a la perfeccion el maestro Martin Scorsese en la en muchos aspects grandiosa biopic de 2004 "El Aviador", donde a la Hepburn la intepreta magistralmente la primera actriz australiana Cate Blanchett cuya actuacion le valio merecidamente el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto de 2004, y a Hughes el tambien primerisimo actor Leonardo DiCaprio en su segundo trabajo como actor fetiche de Scorsese. Una decada despues la Blanchett y DiCaprio se encuentran nominados de nueva cuenta a Oscares que muy probablemente puedan ganar, la. Blanchett como Mejor Actriz de 2013 por su extraordinaria "Jazmin Azul", de Woody Allen y DiCaprio como Mejor Actor por su trepidante "El lobo de Wall Street", de Martin Scorsese. La mejor de las suertes a los dos.

KATHARINE HEPBURN Y BARBRA STREISAND

Fue en 1969 cuando la entrega del Oscar a lo mejor en cine vio el empate de dos actrices de generaciones y antecedentes diferentes en la terna como Mejor Actriz de 1968: Katharine Hepburn por "El León en Invierno", de Anthony Harvey, y Barbra Streisand por su debut en el cine con "Funny Girl". La Hepburn sigue conservando el record de ser la actriz que mas Oscares como Mejor Actriz ha ganado en la historia del premio con cuatro en su haber mientras que la Streisand solo gano uno mas a la Mejor Cancion de 1976 por el remake de "Nace una Estrella", de Frank Pierson.

FELIZ CUMPLE 68 DAVID LYNCH!!!

Un dia como hoy pero de 1946 nace en Missoula, Montana, David Keith Lynch, quien con el tiempo seria conocido como uno de los mas reconocidos directores norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX, David Lynch, un cineasta bizarro y poco convencional que sorprendio de su opera prima de 1977 "Eraserhead", una muy original propuesta estilizada del cine de clase B que en blanco y negro lo hizo ser el mejor candidato para que el genio Mel Brooks le dijera su apoyo total para dirigir el clasico de 1980 "El Hombre Elefante", que Mel produjo para el lucimiento de su esposa Anne Bancroft como protagonista Femenina pero a final de cuentas el relato basado en el caso real de un hombre monstruosamente deforme de la Inglaterra Victoriana que fue nominada merecidamente a ocho Oscares a lo mejor en cine de 1980 entre los que se incluyeron los de Mejor Pelicula, Mejor Director y Mejor Actor Protagonico John Hurt. Fue este truinfo artistico que puso en los cuernos de la luna a Lynch en la Meca del Cine y lo hizo ser elegido para dirigir una ambiciosa superproduccion basada en el libro de culto de Frank Herbert "Dunas", la cual produjo el celebre Dino de Laurentiis y se filmo en los Estudios Churubusco de Mexico en 1984. El elenco fue tan eclectico que conto con la participacion desde el musico Sting, recien separado de The Police, y el mexicano Ernesto Laguardia. A pesar del estrepitoso fracaso en la taquilla de la cinta Lynch la experiencia lo llevo no solo a iniciar una trilogia de grandes proyectos con el que seria su primer actor fetiche en Kyle McLachlan (con quien trabajaria en "Terciopelo Azul", en 1986 y la serie de culto de los 90 "Twin Peaks") sino tambien a buscar alternativas financieras para proyectos mas personales que lo llevaron a su status de director de culto con obras como "Salvaje de corazon" (1990); "El lado oscuro del camino" (1996); "Una historia sencilla" (1999); "Mullholland Drive" (2001) o "Inland Empire" (2006). Muchas felicidades y que sigan los exitos!

TRUINFA LA DIVERSIDAD EN GLOBOS DE ORO PERO, ¿IMITA EL ARTE LA VIDA REAL?

Sin duda alguna, y fuera de los escándalos frente a cámara que propiciaron algunos conductores ó premiados pasados de copas, ó en twitter algunos espectadores no contentos con algunos de los ganadores, los Globos de Oro a lo mejor en cine de 2013, a diferencia de otros años, fue un truinfo para la diversidad.


La gran ganadora, ¨12 años de esclavitud¨, es dirigida por un británico de color de nombre Steve McQueen que conformó un reparto multicultural para este crudo relato de un caso de la vida real de un hombre negro en los Estados Unidos previos a la abolición de la esclavitud que es secuestrado en Nueva York donde es un próspero hombre de negocios (el también británico de color Chiwetel Ejofor) y llevado al sur para ser explotado por un despiadado terrateniente (el alemán Michael Fassbender). Además del protagonista y el antagonista, brilla la actuación de Lupita Nyong´o, una actriz de ascendencia africana que nace en México porque es hija de un diplomático de Kenya y a pesar de regresar al país del que es originaria su familia no dudó en regresar a nuestro país a los 16 años de edad para aprender español y recuperar sus raíces mexicanas.


Hablando de mexicanos ganadores, llenó de orgullo el hecho de que el cineasta mexicano Alfonso Cuarón  dieracontinuidad al truinfo de nuestros compatriotas en dichas premiaciones al convertirse en su caso en el primer oriundo de Mexico en ser el primero en alzarse con el Globo al Mejor Director por su trabajo en ¨Gravedad¨.


En le resto de la ternas hubo su respective diversidad de orígenes puesto que si bien truinfan en actuación la mayor parte de intérpretes norteamericanos como Matthew McCounaghey, Jennifer Lawrence, Amy Adams, Jared Leto ó Leonardo DiCaprio, por ahí se coló también una multifacética Cate Blanchett en el papel de una socialite norteamericana en Jazmín Azul, de Woody Allen, cuando ella es de origen asutraliano.


Hablando de socialites la ganadora a la Mejor Película Extranjera fue la italiana ¨La grande belleza¨, de Paolo Sorrentino, donde un socialite de las elites italianas a sus 65 años de edad encuentra una belleza en su entorno lleno de excesos y antros que se propone visitar en su afán de darle un ¨segundo aire¨ a su vida, ¨un segunfo aire¨ que en el caso de los actors se aplicó también, por ejemplo, para Michael Douglas, quien gracias a su excelente interpretación del pianista homosexual de closet Liberace en ¨Behind the candelabra¨, de Steven Soderbergh, ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Series ó Película para Televisión.


Sin embargo, justo cuando en lo referente a la diversidad de los Globos de Oro se dieron muy importantes truinfos a diferencia de años anteriores, el truinfo de Michael Douglas por enaltecer a personajes homosexuals se vio opacado por el discurso en parte homofóbico que dio al ganarlo al decirle, en tono burlón, a Matt Damon, que ¨si hubiera tenido que besarte en más tomas no lo hubiera aguantado¨.


Por su parte Jared Leto, quien interpreta a un transgénero con sida en ¨Dallas Buyers Club¨ en otra muy Buena interpetación que le dio el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto, también habló en tono burlón con respecto a intepretar a un homosexual que está en su proceso por convertirse en mujer diciendo que ¨fue un papel de trasnformación para mí y tuve que hacer muchas cosas para prepararlo. Una de las cosas fue ponerme cera en todos el cuerpo, incluyendo mis pestañas. Lo que sí no usé fueron prostéticos, ese pequeño y burbujeante trasero brasileño no es más que mío¨.


Ante esas declaraciones no se tardó mucho en que miembros de la comunidad LGBTTI de estados Unidos mostraron su inconformidad por, una vez más, ser víctimas de la mofa en este caso por actors heterosexuals que se supone fueron muy osados por llevar estas historias a la pantalla. Nada qué ver, por ejemplo, con el discurso de agradecimiento de Matthew McCounaghey, como Mejor Actor Dramático por la misma ¨Dallas Buyers Club¨, quien se vio más como el personaje heterosexual de la película que de la homofobia previa a saberse enfermo de sida, al relacionarse con el personaje transgénero de Leo aprende el amor, el respeto y tolerancia a aquellos que son diferentes. McCounaghey en su discurso, contrario a Douglas y Leto, se refirió agradeció a su esposa a que lo ayudara apreparar su retador personaje para el que perdió 20 kilos de peso para poder interpretarlo con mayor veracidad.


Ese truinfo se equipara de alguna forma al que obtuvo Tom Hanks hace justo 20 años como Mejor Actor de 1993 por un abogado que sufre de discriminación en la firma en la que trabaja cuando se enteran de que es homosexual y que tiene sida por ¨Filadelfia¨, de Jonathan Demme, la primera película en haber sido financiada en Hollywood con esta temática.


Irónicamente, ¨Behind the Candelabra¨ fue una película que ningún estudio grande en Hollywood quiso financiar y en su lugar lo hizo el canal de cable, HBO, por lo que no ganó como Mejor Película Dramática como ¨Dallas Buyers Club¨, sino Mejor Película o Serie para TV. Sin embargo, ¨Dallas Buyers Club¨, dirigida por el canadiense Jean Marc Valle, fue financiada principalmente por un studio independiente y de ahí que por ello esté considerada para varias nominaciones en este año en los Independent Spirit Awards a lo mejor del cine independiente en Estados Unidos a entergarse, como los Oscares, a principios del próximo mes de marzo.


Por todo lo anterior es indudable que hay qué celebrar la diversidad y que poco a poco premiaciones importantes como estas sean más abiertas y plurals a grupos étnicos y minorías sociales, sexuales y políticas, pero también que se predique con el ejemplo, que si bien el arte sea atrevido y transgresor para materializar proyectos, quienes en ellos participan sean igual de comprometidos para ellos en su vida cotidiana y prediquen con ese ejemplo, ¿o no?

LOS MEXICANOS QUE SE HAN LLEVADO EL ORO

En visperas de que el cineasta mexicano Alfonso Cuaron tenga una probabilidad muy grande de que sea el primer mexicano distinguido con el Globo de Oro como Mejor Director por su trabajo en "Gravedad", tras el hay particularmente algunos cuantos compatriotas que se han alzado con el premio en su caso frente a las camaras, entre quienes destacan:
1) GABRIEL FIGUEROA, Mejor Fotografia de 1947 por La perla, del coahuilense Emilio "Indio" Fernandez, cuando aun se daban premios en categorias tecnicas
2) KATY JURADO, Mejor Actriz de Reparto de 1952 por su trabajo en el clasico western la hora senalada" ("High Noon"), de Fred Zinnemann.
3) CANTINFLAS, Mejor Actor de Comedia o Musical de 1956 por "La vuelta al mundo en 80 dias", de Michael Anderson. En 1960 aunque no gano en la misma terna gracias a su papel protagonico por el que estaba nominado de "Pepe", de George Sidney, se le concedio ese mismo anio un premio especial como Actor de Comedia, por lo que gano en su totalidad 2.
4) TIZOC" Y "ANIMAS TRUJANO", de Ismael Rodriguez, son las dos unicas peliculas que han ganado a la fecha un Globo de Oro para Mexico en la categoria de Mejor Pelicula Extranjera de 1957 y 1961 de manera respectiva.
5) ANTHONY QUINN, Premii Cecil B. DeMille, 1987
6) ALEJANDRO GONZALEZ INARRITU, productor a la Mejor Pelicula Dramatica de 2006, "Babel".

ALFONSO ARAU: SUS MANCUERNAS CON COAHUILA

Un día como hoy pero de 1932 nace en la Ciudad de México el actor y cineasta Alfonso Arau, quien luego de tener una formación actoral con el maestro japonés Seki Sano, quien fuera discípulo junto a Lee Strasberg del mismísimo Stanislavski en Rusia, al tiempo que actúa finales de la década de los 60 bajo las órdenes de grandes como el norteamericano Sam Peckinpah en el clásico western ¨La pandilla salvaje¨ (¨The wild bunch¨), y del chileno Alejandro Jodorowsky en ¨El topo¨, quizás fue en alguna de las ocasiones que para ambas películas tuvo qué filmar en locaciones naturales del estado de Coahuila fue ahí donde conoció al empresario originario de Torreon, Coahuila, Juan Abusáid Ríos, quien lo apoyó para filmar la que sería su opera prima como director ¨El águila descalza¨, de 1969, la cual basada en un popular comic sobre un superhéroe que por andar descalzo ahora sí que su talon de Aquiles en lugar de ser la kriptonita eran la tachuelas, donde compartió créditos como actor con la actriz Ofelia Medina y la cual ganó el Ariel a la Mejor Película de 1971 cuando se estrenó.


Al debutar como realizador en la década de los 70, Alfonso Arau se une a otros directores de esa generación como Arturo Ripstein, Felipe Cazals, Jorge Fons, Jaime Humberto Hermosillo y otros más en ese movimiento que se estableció como de ¨nuevo cine mexicano¨ de los años 70, y fue por ello que esta nueva corriente que se caracterizó porque el estado produjera películas ¨de aliento¨ dirigidas por nuevos cineastas con propuestas en su mayor parte artíticas y de calidad estética, por lo que a Arau siendo actor no le faltó chamba tampoco como protagonista de pelícuas ya que al tiempo que dirigió y protagonizó otro clásico basado en otra popular tira cómica de la época como lo fue ¨Calzonztin inspector¨, de 1973, al lado de la actriz coahuilense Carmen Salinas, junto a esta última y otro prolífico creador coahuilense con el que ya había trabajado en ¨La Pandilla Salvaje¨, Emilio ¨Indio¨ Fernandez, protagoniza ¨El rincón de las vírgenes¨ (Alberto Isaac, 1972), basada en varios cuentos del escritor mexicano Juan Rulfo, y ¨Tivoli¨, de 1974, la historia del popular antro de la capital azteca en las décadas de los 50 y 60 otra vez bajo las órdenes de Alberto Isaac y otra vez protagonizando junto a la coahuilense Carmen Salinas.


Los años 80 los inicia Alfonso Arau con el pie derecho actuando y dirigiendo una película que bajo el título de ¨Mojado power¨, donde actúa al lado de otra primera actriz como Blanca Guerra, y quizás por acercarlo la temática de la misma a la frontera con la Unión Americana porpicia su ¨crossover¨ como actor en producciones hollywoodenses entre las que destacan la que hizo bajo la dirección de otro ganador del Oscar como Robert Zemeckis (¨Forrest Gump¨, 1994) en el clásico de aventuras ¨Dos bribones tras la esmeralda perdida¨ (¨Romancing the stone¨), donde actuó al lado del también ganador del Oscar Michael Douglas, la nominada Kathleen Turner y Danny DeVito, y la comedia ¨Three amigos!¨, dirigida por John Landis en 1986, donde compartió créditos con actores reconocidos del género como Steve Martin, Chevy Chase y Martin Short intepretando al villano de la historia llamado ¨El Guapo¨.


Pero fue a principios de la década de los 90 cuando Arau, entonces recién casado con la escritora Laura Esquivel, se instaló nuevamente en escenarios naturales de Coahuila, en su caso las ciudades fronterizas de Piedras Negras y Ciudad Acuña, para ahí filmar la película que le daría el reconocimiento internacional particularmente como cineaste así como lo uniera a una nueva generación de directores como su tocayo Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y otros más en el que se estableció como el movimiento del ¨nuevo cine mexicano de los 90¨.


La película en cuestión fue el hoy clásico contemporáneo ¨Como Agua para Chocolate¨, fue protagonizada por el actor de origen italiano Marco Leonardi (de ¨Cinema Paradiso¨), la primera actriz Regina Torné y las entonces nacientes actrices Lumi Cavazos, Arcelia Ramirez, Claudette Maille y Yarelli Arizmendi, entre otras, quienes hicieron de esta historia de amor que se desarrollaba en medio de la gastronomía y la Revolución Mexicana con tintes de realism mágico bajo la fotografñia tanto de Emmanuel Lubezki como del norteamericano Steven Bernstein (¨Monster: Asesina en serie¨) fue un éxito tanto de crítica como de taquilla a nivel nacional e internacional que lo llevó a dirigir en Hollywood a mediados de la década a actores como Keanu Reeves, la española Aitana Sánchez Gijon y el dos veces ganador del Oscar Anthony Quinn en otro drama romántico del estilo de ¨Como agua para chocolate¨ titulado ¨Un paseo por las nubes¨ (¨A walk in the clouds¨), ó películas para television como la sátira ¨Picking up the pieces¨, en el año 2000, donde dirigió nada menos que al maestro Woody Allen, Sharon Stone y Kiefer Sutherland, entre otros.


Poco después de esta última producción es que Alfonso Arau regresa a trabajar en México en el que ha sido el gran tropezón de su filmografía, ¨Zapata: El sueño de un héroe¨, de 2004, que protagonizada por el cantante Alejandro Fernandez y la cantante Lucero poco ofreció de credible e interesante en relación a una biografía del caudillo del sur y cuyo punto más alto fue la participación en un papel secundario de su compañera de actuación en otros proyectos, la coahuilense Carmen Salinas.


Actualmente, ya en sus ocho décadas de vida, Alfonso Araui no deja de estar active y ya se ha dado a conocer que prepara la biografía del primer astronauta mexicano, quizás para no quedarse atrás de su tocayo Alfonso Cuarón y su ¨Gravedad¨, ó de la nueva generación de mexicanos exitosos en la Meca del Cine. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!

LOS REYES MAGOS: DEL CINE MUDO AL CINE MEXICANO

Hoy es Día de los Santos Reyes, importantes personajes de la Biblia pero que al representarnos a todos nosotros y la diversidad del mundo no podían dejar de ser parte de una o varias historias cinematográficas desde la creación del celuloide como tal.

Es así como de manera preponderante, y a diferencia de la version más conocida de 1959 realizada por el maestro Wlliam Wyler, la no menos exhuberante superproducción cinematográfica del relato de Lewis Wallace ¨Ben Hur: A Tale of the Christ¨ (Fred Niblo, 1925) la cual tuvo en el personaje protagónico al actor de origen duranguense Ramón Novarro en el papel que dio el único Oscar al Mejor Actor de su filmografía a Charlton Heston en su remake, presentó a los Tres Reyes Magos desde las primeras escenas de la misma y a uno de ellos, Baltazar, en la parte climática ... algo que la version de 1959 ignore por completo.

¿Por qué sucedió esto? Quizás porque Charlton Heston era judío, y aunque ¨Ben Hur¨, la version de 1959, no deja de darle su importancia al momento de la Crucifixión de Jesús y que es vital para el cierre del relato del esclavo judío que al lograr vengarse de su amigo de la infancia Messala vence metafóricamente también al imperio romano, no presenta el nacimiento de Ben Hur y la historia de la dinastía de Hur de forma paralela a la del nacimiento de Jesús como sí lo hace la version de 1925 en donde en blanco y negro se presenta el contexto en el que nace Jesús en Belén y quien al ser visitado por Melchor, rey de la India; Gaspar, rey de Grecia y Baltazar, rey de Egipto, el blanco y negro pasa a ser una secuencia de color por la importancia que tiene ese encuentro.

Luego de esa secuencia inicial es cuando conocemos a Ben Hur, su madre y su hermana, así como los demás protagonistas de la historia, y vuelve a encontrarse con Jesús cuando al ser tomado como prisionero por atentar ¨accidentalmente¨ con un ladrillo contra una de las autoridades romanas de visita en su ciudad, el calvario que sufre en su trayecto a la embarcación en la que pasará varios años como esclavo lo suaviza aunque sea por unos instantes el hecho de que el grupo de soldados romanos que lo lleva se detenga en la choza de José hace que sin que le veamos el rostro Jesús lo conforte y sea su sola presencia motivación para que siga adelante y se convierta posteriormente en el héroe judío de la historia.

De ahí que poco después de darse la emblemática carrera de carruajes donde Ben Hur vence a Messala aparezca el rey mago Baltazar, años después de hacerse presente en la Navidad con la que inicia el relato, para alertar a Ben Hur del calvario al que ahora está amenazado en experimentar Jesús y lleva al climax de la historia.

Años después, justo a mediados de los años 70, es en el cine mexicano donde los Tres Reyes Magos son ahora protagonistas de la primera película animada en la historia de nuestra industria, ¨Los 3 Reyes Magos¨ (Fernando Ruiz y Adolfo Torres Portillo, 1976), con textos nada menos que de grandes talentos de las letras mexicanas como Emilio Carballido y Rosario Castellanos y música de los no menos memorables Hermanos Zavala. Felices Reyes!