About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
Un dia como hoy pero de 1954 nacio en la ciudad de Puebla Amedee Gerardo Ligarde Mayaudon, mejor conocido como el actor Sebastián Ligarde. Nacido de madre mexicana y padre texano Sebastián combino su pasion por el arte dramatico tanto en Mexico como en Estados Unidos, y no por nada es gratuito que su debut en el cine se da en una coproduccion Mexico-Estados Unidos basada en un sonado caso de la vida real que dio titulo al filme, "Los supervivientes de los Andes", de Rene Cardona, en 1976. Aquel mismo anio participa en una epica basada en otra historia de la vida real ocurrida en el estado de Chihuahua del norte de Mexico, "Longitud de guerra", de Gonzalo Martinez Ortega, lo cual sigue con la obtencion de su Licenciatura en Direccion de Cine en la Universidad de Texas en Austin. La decada de los 80 la inicia regresando al cine mexicano con la pelicula "Verano Salvaje", de 1980, protagonizada por los actores Jorge Rivero, Ana Martin y Fernando Allende, inicia una prolifica mancuerna cinematografica con el director Enrique Gomez Vadillo. En 1982 participa en otra epica produccion mexicana como "Antonieta", del espanol Carlos Saura, donde comparte creditos con la francesa Isabelle Adjani y la alemana Hanna Schygulla, y en 1983 en una secuela de la saga de peliculas del genero western "El truinfo del hombre llamado caballo", de John Hough, protagonizada por el primer actor britanico nominado al Oscar Richard Harris. Hablando de nominaciones al Oscar, Ligarde hace el personaje de un teniente apellidado Johnson en 1985 de la pelicula "Remo Williams: La aventura inicia", de Guy Hamilton, que fue nominada al Oscar al Mejor Maquillaje de aquel anio y en cuyo reparto sobresalen ademas del protagonista, Fred Ward, el ganador del Oscar al Mejor Actor de 1972 por el clasico "Cabaret", de Bob Fosse, Joel Grey. El mismo 1985 Sebastián Ligarde debuta en la television norteamericana en un capitulo de la ultima temporada de la no menos clasica "Alfred Hitchcock presenta", que aunque ya no era producida por el mago del suspenso tras su muerte en 1980 seguia la tematica de suspenso y terror que en Mexico retomo a finales de la misma decada la productora Carmen Armendariz en la celebre "Hora marcada", que hizo despuntar los talentos de los hoy famosos cineastas mexicanos Alfonso Cuaron y Guillermo del Toro, entre otros. Pero volviendo a la television mexicana luego de hacer su debut en telenovelas en 1986 haciendo un pequeno papel en "Pobre Juventud" y ser dirigido por otro reconocido director como Alfonso Arau en una cinta hecha aprovechando el furor del Mundial de Mexico 86 titulada "Chido Guan: El tacos de oro", en 1987 es la misma productora de "Pobre Juventud", Carla Estrada, quien le da a Sebastián. Ligarde el personaje que le dio la mas grande popularidad de su carrera como el pandillero Memo de la clasica telenovela tambien juvenil "Quinceanera" donde actuo al lado de Adela Noriega, Thalia, Nailea Norvind y Ernesto Laguardia, entre otros mas. La decada de los 80 la termina Ligarde participado en una telenovela en su caso en el horario estelar de Televisa producida por Etnesto Alonso bajo el titulo de "Lo blanco y lo negro", la cual protagonizo, entre otros, la cantante Lupita D'Alessio, y al tiempo que la decada de los 90 le da continuidad a historias en el horario estelar de dicha televisora con la produccion de la dupla de Carlos Tellez y Carlos Olmos ("Cuna de lobos") titulada "En carne propia", al lado del primer actor Gonzalo Vega y la pareja protagonica que formation Edith Gonzalez y Eduardo Yanez, vuelve al cine en plan estelar con la pelicula "El homicida", de Alfonso Rosas Pliego, que fue ganadora de tres Arieles a la Mejor Actriz de Reparto de 1990 para Laura Forastieri; Mejor Actor de Cuadro para Alfredo Solares y Mejor Edicion para Carlos Savage, y por la que a su vez Ligarde obtiene la Diosa de Plata al Mejor Actor de Reparto por el personaje que da titulo a la pelicula. De 1991 dirigido por por el ganador del Ariel Rafael Montero en "Justicia de nadie", al lado de los coahuilenses Carmen Salinas y Roberto "Flaco" Guzman, a "Reclusorio", del maestro Ismael Rodriguez, Sebastián Ligarde se mantiene activo entre videohomes y peliculas estrenadas en cines, al tiempo que sigue Sebastián Ligarde destacando como villano de telenovelas en seriales que van de "Entre la vida y la muerte", de 1993, junto a Leticia Calderon, Fernando Ciangherotti y los primeros actores Beatriz Aguirre, Iran Eory y Roberto Canedo, hasta "Vivo por Elena", al lado de Victoria Ruffo y Saul Lisazo, en 1998. El nuevo milenio lo inicia Ligarde con el pie derecho en el anio 2000 en la pantalla chica como parte del elenco de primer nivel de la telenovela "La casa en la playa", produccion del mencionado Entique Gomez Vadillo donde comparte creditos con los protagonistas, Sergio Goyri y Cynthia Klitbo, pero tambien con primeros actores de la talla de Marga Lopez, ignacio Lopez Tarso, Blanca Guerra y Jose Carlos Ruiz, entre otros mas, pero tambien formando parte del refrito del clasico "Quinceanera", que bajo el titulo de "Primer amor ... a mil por hora", produccion de Pedro Damian, ahora lo unica en los personajes adultos mientras los protagonistas juveniles corren a cargo de Anahi, Kuno Becker y Mauricio Islas, entre otros. En 2004 vuelve a trabajar bajo las ordenes de Enrique Gomez Vadillo en la adaptacion cinematografica de la obra teatral "Cuatro Equis" que se titulo "Desnudos", y que protagonizaron Karyme Lozano, Rafael Amaya y otros mas, para que respecto a las telenovelas, a partir de su cambio de televisora en Mexico trabajando para TV Azteca en "Belinda", tambien en 2004, es precisamente esta ultima televisora la que transmite en la actualidad la primera telenovela con la que Sebastián Ligarde vuelve a trabajar de nuevo en su otra patria, Estados Unidos, "Olvidarte jamas", protagonizada por Sonya Smith y Gabriel Porras, a la que siguio su trabajo en otras dos telenovelas graba dias en. Miami como "Acorralada", de 2007, transmitir a por Univiison y protagonizada por Alejandra Lazcano, David Zepeda y William Levy, y del mismo 2007 para Telemundo la exitosa "Pecados ajenos", al lado de sus compatriotas Lorena Rojas y Mauricio Islas, entre otros. En 2013, justo cuando se destapa un escandalo mediatico por la salida del closet del actor, vuelve al cine protagonizando un cortometraje titulado "The Dark Forest", de Carlo Serran, y este 2014 esta por estrenarse una serie de television del genero del misterio que protagoniza de nuevo junto a Lorena Rojas bajo el titulo de "Sangre en el divan". Muchas felicidades y que sigan los exitos!
Un dia como hoy pero de 1928 nace en Paris, Francia, una de las divas mas reconocidas de la cinematografia francesa, Jeanne Moreau. Luego de varios anios dedicada al trabajo en escenarios teatrales y peliculas de clase B es su compatriota, Louis Malle, quien al llamarla para protagonizar dos de sus clasicos Elevador al cadalso, de 1957, y Los amantes, de 1958, quien la coloca en la mira de colegas de Malle como Francois Truffaut, protagonistas a su vez del emblematico movimiento de la Nueva Ola Francesa, primero en una participacion fugaz del clasico Los 400 golpes, de 1959, y despues como la protagonista de otra cinta clave de ese movimiento, Jules y Jim, de 1962. Ya para entonces Jeanne Moreau habia sido llamada a trabajar por otros grandes del cine internacional como el italiano Federico Fellini para hacer "La noche", de 1961; el norteamericano Orson Welles en "El proceso", de 1962 y del espanol Luis Bunuel en "El diario de una recamarera", en 1964. El resto de la decada vuelve a trabajar con Louis Malle en un filme rodado en Mexico, "Viva Maria", al lado de otra diva del cine frances Brigitte Bardot; con Welles en "Campanadas a la medianoche", tambien de 1965 y con Truffaut en es thriller Hitchcockiano "La novia viste de negro", de 1968. En los 70 trabaja bajo las ordenes del maestro Elia Kazan en "El ultimo magnate", de 1976; en los 80 con el gran Rainer Werner Fassbinder en "Querelle", de 1982; en los 90 con su compatriota Luc Besson en el exito taquillero "La femme Nikita", de 1991 y en el nuevo milenio, entre otros, con uno mas de sus compatriotas con el no menos extraordinario Francois Ozon en "Tiempo de vivir", de 2005. Muchas felicidades y que sigan los exitos!
Un dia como hoy pero de 1937 miles de personas se reunieron a las acuerdas de las oficinas del Condado de Chicago tras esparcirse los rumores de que la ya para entonces gran estrella del cine, Katharine Hepburn, y el piloto millonario tambien involucrado en el cine, Howard Hughes, habian obtenido una licencia para casarse de inmediato. Ninguno de los dos llego al Lugar. Mas adelante la Hepburn, quien estaba dando una funcion de teatro en esa fecha, envio un mensaje a traves de una mucama en el hotel donde se hospedaba durante la gira de la misma que decia lo siguiente: "No voy a casarme con Howard Hughes el dia de hoy". Todo esta etapa de infatuacion entre manos personajes la retrata a la perfeccion el maestro Martin Scorsese en la en muchos aspects grandiosa biopic de 2004 "El Aviador", donde a la Hepburn la intepreta magistralmente la primera actriz australiana Cate Blanchett cuya actuacion le valio merecidamente el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto de 2004, y a Hughes el tambien primerisimo actor Leonardo DiCaprio en su segundo trabajo como actor fetiche de Scorsese. Una decada despues la Blanchett y DiCaprio se encuentran nominados de nueva cuenta a Oscares que muy probablemente puedan ganar, la. Blanchett como Mejor Actriz de 2013 por su extraordinaria "Jazmin Azul", de Woody Allen y DiCaprio como Mejor Actor por su trepidante "El lobo de Wall Street", de Martin Scorsese. La mejor de las suertes a los dos.
Fue en 1969 cuando la entrega del Oscar a lo mejor en cine vio el empate de dos actrices de generaciones y antecedentes diferentes en la terna como Mejor Actriz de 1968: Katharine Hepburn por "El León en Invierno", de Anthony Harvey, y Barbra Streisand por su debut en el cine con "Funny Girl". La Hepburn sigue conservando el record de ser la actriz que mas Oscares como Mejor Actriz ha ganado en la historia del premio con cuatro en su haber mientras que la Streisand solo gano uno mas a la Mejor Cancion de 1976 por el remake de "Nace una Estrella", de Frank Pierson.
Un dia como hoy pero de 1946 nace en Missoula, Montana, David Keith Lynch, quien con el tiempo seria conocido como uno de los mas reconocidos directores norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX, David Lynch, un cineasta bizarro y poco convencional que sorprendio de su opera prima de 1977 "Eraserhead", una muy original propuesta estilizada del cine de clase B que en blanco y negro lo hizo ser el mejor candidato para que el genio Mel Brooks le dijera su apoyo total para dirigir el clasico de 1980 "El Hombre Elefante", que Mel produjo para el lucimiento de su esposa Anne Bancroft como protagonista Femenina pero a final de cuentas el relato basado en el caso real de un hombre monstruosamente deforme de la Inglaterra Victoriana que fue nominada merecidamente a ocho Oscares a lo mejor en cine de 1980 entre los que se incluyeron los de Mejor Pelicula, Mejor Director y Mejor Actor Protagonico John Hurt. Fue este truinfo artistico que puso en los cuernos de la luna a Lynch en la Meca del Cine y lo hizo ser elegido para dirigir una ambiciosa superproduccion basada en el libro de culto de Frank Herbert "Dunas", la cual produjo el celebre Dino de Laurentiis y se filmo en los Estudios Churubusco de Mexico en 1984. El elenco fue tan eclectico que conto con la participacion desde el musico Sting, recien separado de The Police, y el mexicano Ernesto Laguardia. A pesar del estrepitoso fracaso en la taquilla de la cinta Lynch la experiencia lo llevo no solo a iniciar una trilogia de grandes proyectos con el que seria su primer actor fetiche en Kyle McLachlan (con quien trabajaria en "Terciopelo Azul", en 1986 y la serie de culto de los 90 "Twin Peaks") sino tambien a buscar alternativas financieras para proyectos mas personales que lo llevaron a su status de director de culto con obras como "Salvaje de corazon" (1990); "El lado oscuro del camino" (1996); "Una historia sencilla" (1999); "Mullholland Drive" (2001) o "Inland Empire" (2006). Muchas felicidades y que sigan los exitos!
Sin duda alguna, y fuera de los escándalos frente a cámara que propiciaron algunos conductores ó premiados pasados de copas, ó en twitter algunos espectadores no contentos con algunos de los ganadores, los Globos de Oro a lo mejor en cine de 2013, a diferencia de otros años, fue un truinfo para la diversidad.
La gran ganadora, ¨12 años de esclavitud¨, es dirigida por un británico de color de nombre Steve McQueen que conformó un reparto multicultural para este crudo relato de un caso de la vida real de un hombre negro en los Estados Unidos previos a la abolición de la esclavitud que es secuestrado en Nueva York donde es un próspero hombre de negocios (el también británico de color Chiwetel Ejofor) y llevado al sur para ser explotado por un despiadado terrateniente (el alemán Michael Fassbender). Además del protagonista y el antagonista, brilla la actuación de Lupita Nyong´o, una actriz de ascendencia africana que nace en México porque es hija de un diplomático de Kenya y a pesar de regresar al país del que es originaria su familia no dudó en regresar a nuestro país a los 16 años de edad para aprender español y recuperar sus raíces mexicanas.
Hablando de mexicanos ganadores, llenó de orgullo el hecho de que el cineasta mexicano Alfonso Cuarón dieracontinuidad al truinfo de nuestros compatriotas en dichas premiaciones al convertirse en su caso en el primer oriundo de Mexico en ser el primero en alzarse con el Globo al Mejor Director por su trabajo en ¨Gravedad¨.
En le resto de la ternas hubo su respective diversidad de orígenes puesto que si bien truinfan en actuación la mayor parte de intérpretes norteamericanos como Matthew McCounaghey, Jennifer Lawrence, Amy Adams, Jared Leto ó Leonardo DiCaprio, por ahí se coló también una multifacética Cate Blanchett en el papel de una socialite norteamericana en Jazmín Azul, de Woody Allen, cuando ella es de origen asutraliano.
Hablando de socialites la ganadora a la Mejor Película Extranjera fue la italiana ¨La grande belleza¨, de Paolo Sorrentino, donde un socialite de las elites italianas a sus 65 años de edad encuentra una belleza en su entorno lleno de excesos y antros que se propone visitar en su afán de darle un ¨segundo aire¨ a su vida, ¨un segunfo aire¨ que en el caso de los actors se aplicó también, por ejemplo, para Michael Douglas, quien gracias a su excelente interpretación del pianista homosexual de closet Liberace en ¨Behind the candelabra¨, de Steven Soderbergh, ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Series ó Película para Televisión.
Sin embargo, justo cuando en lo referente a la diversidad de los Globos de Oro se dieron muy importantes truinfos a diferencia de años anteriores, el truinfo de Michael Douglas por enaltecer a personajes homosexuals se vio opacado por el discurso en parte homofóbico que dio al ganarlo al decirle, en tono burlón, a Matt Damon, que ¨si hubiera tenido que besarte en más tomas no lo hubiera aguantado¨.
Por su parte Jared Leto, quien interpreta a un transgénero con sida en ¨Dallas Buyers Club¨ en otra muy Buena interpetación que le dio el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto, también habló en tono burlón con respecto a intepretar a un homosexual que está en su proceso por convertirse en mujer diciendo que ¨fue un papel de trasnformación para mí y tuve que hacer muchas cosas para prepararlo. Una de las cosas fue ponerme cera en todos el cuerpo, incluyendo mis pestañas. Lo que sí no usé fueron prostéticos, ese pequeño y burbujeante trasero brasileño no es más que mío¨.
Ante esas declaraciones no se tardó mucho en que miembros de la comunidad LGBTTI de estados Unidos mostraron su inconformidad por, una vez más, ser víctimas de la mofa en este caso por actors heterosexuals que se supone fueron muy osados por llevar estas historias a la pantalla. Nada qué ver, por ejemplo, con el discurso de agradecimiento de Matthew McCounaghey, como Mejor Actor Dramático por la misma ¨Dallas Buyers Club¨, quien se vio más como el personaje heterosexual de la película que de la homofobia previa a saberse enfermo de sida, al relacionarse con el personaje transgénero de Leo aprende el amor, el respeto y tolerancia a aquellos que son diferentes. McCounaghey en su discurso, contrario a Douglas y Leto, se refirió agradeció a su esposa a que lo ayudara apreparar su retador personaje para el que perdió 20 kilos de peso para poder interpretarlo con mayor veracidad.
Ese truinfo se equipara de alguna forma al que obtuvo Tom Hanks hace justo 20 años como Mejor Actor de 1993 por un abogado que sufre de discriminación en la firma en la que trabaja cuando se enteran de que es homosexual y que tiene sida por ¨Filadelfia¨, de Jonathan Demme, la primera película en haber sido financiada en Hollywood con esta temática.
Irónicamente, ¨Behind the Candelabra¨ fue una película que ningún estudio grande en Hollywood quiso financiar y en su lugar lo hizo el canal de cable, HBO, por lo que no ganó como Mejor Película Dramática como ¨Dallas Buyers Club¨, sino Mejor Película o Serie para TV. Sin embargo, ¨Dallas Buyers Club¨, dirigida por el canadiense Jean Marc Valle, fue financiada principalmente por un studio independiente y de ahí que por ello esté considerada para varias nominaciones en este año en los Independent Spirit Awards a lo mejor del cine independiente en Estados Unidos a entergarse, como los Oscares, a principios del próximo mes de marzo.
Por todo lo anterior es indudable que hay qué celebrar la diversidad y que poco a poco premiaciones importantes como estas sean más abiertas y plurals a grupos étnicos y minorías sociales, sexuales y políticas, pero también que se predique con el ejemplo, que si bien el arte sea atrevido y transgresor para materializar proyectos, quienes en ellos participan sean igual de comprometidos para ellos en su vida cotidiana y prediquen con ese ejemplo, ¿o no?
La gran ganadora, ¨12 años de esclavitud¨, es dirigida por un británico de color de nombre Steve McQueen que conformó un reparto multicultural para este crudo relato de un caso de la vida real de un hombre negro en los Estados Unidos previos a la abolición de la esclavitud que es secuestrado en Nueva York donde es un próspero hombre de negocios (el también británico de color Chiwetel Ejofor) y llevado al sur para ser explotado por un despiadado terrateniente (el alemán Michael Fassbender). Además del protagonista y el antagonista, brilla la actuación de Lupita Nyong´o, una actriz de ascendencia africana que nace en México porque es hija de un diplomático de Kenya y a pesar de regresar al país del que es originaria su familia no dudó en regresar a nuestro país a los 16 años de edad para aprender español y recuperar sus raíces mexicanas.
Hablando de mexicanos ganadores, llenó de orgullo el hecho de que el cineasta mexicano Alfonso Cuarón dieracontinuidad al truinfo de nuestros compatriotas en dichas premiaciones al convertirse en su caso en el primer oriundo de Mexico en ser el primero en alzarse con el Globo al Mejor Director por su trabajo en ¨Gravedad¨.
En le resto de la ternas hubo su respective diversidad de orígenes puesto que si bien truinfan en actuación la mayor parte de intérpretes norteamericanos como Matthew McCounaghey, Jennifer Lawrence, Amy Adams, Jared Leto ó Leonardo DiCaprio, por ahí se coló también una multifacética Cate Blanchett en el papel de una socialite norteamericana en Jazmín Azul, de Woody Allen, cuando ella es de origen asutraliano.
Hablando de socialites la ganadora a la Mejor Película Extranjera fue la italiana ¨La grande belleza¨, de Paolo Sorrentino, donde un socialite de las elites italianas a sus 65 años de edad encuentra una belleza en su entorno lleno de excesos y antros que se propone visitar en su afán de darle un ¨segundo aire¨ a su vida, ¨un segunfo aire¨ que en el caso de los actors se aplicó también, por ejemplo, para Michael Douglas, quien gracias a su excelente interpretación del pianista homosexual de closet Liberace en ¨Behind the candelabra¨, de Steven Soderbergh, ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Series ó Película para Televisión.
Sin embargo, justo cuando en lo referente a la diversidad de los Globos de Oro se dieron muy importantes truinfos a diferencia de años anteriores, el truinfo de Michael Douglas por enaltecer a personajes homosexuals se vio opacado por el discurso en parte homofóbico que dio al ganarlo al decirle, en tono burlón, a Matt Damon, que ¨si hubiera tenido que besarte en más tomas no lo hubiera aguantado¨.
Por su parte Jared Leto, quien interpreta a un transgénero con sida en ¨Dallas Buyers Club¨ en otra muy Buena interpetación que le dio el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto, también habló en tono burlón con respecto a intepretar a un homosexual que está en su proceso por convertirse en mujer diciendo que ¨fue un papel de trasnformación para mí y tuve que hacer muchas cosas para prepararlo. Una de las cosas fue ponerme cera en todos el cuerpo, incluyendo mis pestañas. Lo que sí no usé fueron prostéticos, ese pequeño y burbujeante trasero brasileño no es más que mío¨.
Ante esas declaraciones no se tardó mucho en que miembros de la comunidad LGBTTI de estados Unidos mostraron su inconformidad por, una vez más, ser víctimas de la mofa en este caso por actors heterosexuals que se supone fueron muy osados por llevar estas historias a la pantalla. Nada qué ver, por ejemplo, con el discurso de agradecimiento de Matthew McCounaghey, como Mejor Actor Dramático por la misma ¨Dallas Buyers Club¨, quien se vio más como el personaje heterosexual de la película que de la homofobia previa a saberse enfermo de sida, al relacionarse con el personaje transgénero de Leo aprende el amor, el respeto y tolerancia a aquellos que son diferentes. McCounaghey en su discurso, contrario a Douglas y Leto, se refirió agradeció a su esposa a que lo ayudara apreparar su retador personaje para el que perdió 20 kilos de peso para poder interpretarlo con mayor veracidad.
Ese truinfo se equipara de alguna forma al que obtuvo Tom Hanks hace justo 20 años como Mejor Actor de 1993 por un abogado que sufre de discriminación en la firma en la que trabaja cuando se enteran de que es homosexual y que tiene sida por ¨Filadelfia¨, de Jonathan Demme, la primera película en haber sido financiada en Hollywood con esta temática.
Irónicamente, ¨Behind the Candelabra¨ fue una película que ningún estudio grande en Hollywood quiso financiar y en su lugar lo hizo el canal de cable, HBO, por lo que no ganó como Mejor Película Dramática como ¨Dallas Buyers Club¨, sino Mejor Película o Serie para TV. Sin embargo, ¨Dallas Buyers Club¨, dirigida por el canadiense Jean Marc Valle, fue financiada principalmente por un studio independiente y de ahí que por ello esté considerada para varias nominaciones en este año en los Independent Spirit Awards a lo mejor del cine independiente en Estados Unidos a entergarse, como los Oscares, a principios del próximo mes de marzo.
Por todo lo anterior es indudable que hay qué celebrar la diversidad y que poco a poco premiaciones importantes como estas sean más abiertas y plurals a grupos étnicos y minorías sociales, sexuales y políticas, pero también que se predique con el ejemplo, que si bien el arte sea atrevido y transgresor para materializar proyectos, quienes en ellos participan sean igual de comprometidos para ellos en su vida cotidiana y prediquen con ese ejemplo, ¿o no?
En visperas de que el cineasta mexicano Alfonso Cuaron tenga una probabilidad muy grande de que sea el primer mexicano distinguido con el Globo de Oro como Mejor Director por su trabajo en "Gravedad", tras el hay particularmente algunos cuantos compatriotas que se han alzado con el premio en su caso frente a las camaras, entre quienes destacan:
1) GABRIEL FIGUEROA, Mejor Fotografia de 1947 por La perla, del coahuilense Emilio "Indio" Fernandez, cuando aun se daban premios en categorias tecnicas
2) KATY JURADO, Mejor Actriz de Reparto de 1952 por su trabajo en el clasico western la hora senalada" ("High Noon"), de Fred Zinnemann.
3) CANTINFLAS, Mejor Actor de Comedia o Musical de 1956 por "La vuelta al mundo en 80 dias", de Michael Anderson. En 1960 aunque no gano en la misma terna gracias a su papel protagonico por el que estaba nominado de "Pepe", de George Sidney, se le concedio ese mismo anio un premio especial como Actor de Comedia, por lo que gano en su totalidad 2.
4) TIZOC" Y "ANIMAS TRUJANO", de Ismael Rodriguez, son las dos unicas peliculas que han ganado a la fecha un Globo de Oro para Mexico en la categoria de Mejor Pelicula Extranjera de 1957 y 1961 de manera respectiva.
5) ANTHONY QUINN, Premii Cecil B. DeMille, 1987
6) ALEJANDRO GONZALEZ INARRITU, productor a la Mejor Pelicula Dramatica de 2006, "Babel".
1) GABRIEL FIGUEROA, Mejor Fotografia de 1947 por La perla, del coahuilense Emilio "Indio" Fernandez, cuando aun se daban premios en categorias tecnicas
2) KATY JURADO, Mejor Actriz de Reparto de 1952 por su trabajo en el clasico western la hora senalada" ("High Noon"), de Fred Zinnemann.
3) CANTINFLAS, Mejor Actor de Comedia o Musical de 1956 por "La vuelta al mundo en 80 dias", de Michael Anderson. En 1960 aunque no gano en la misma terna gracias a su papel protagonico por el que estaba nominado de "Pepe", de George Sidney, se le concedio ese mismo anio un premio especial como Actor de Comedia, por lo que gano en su totalidad 2.
4) TIZOC" Y "ANIMAS TRUJANO", de Ismael Rodriguez, son las dos unicas peliculas que han ganado a la fecha un Globo de Oro para Mexico en la categoria de Mejor Pelicula Extranjera de 1957 y 1961 de manera respectiva.
5) ANTHONY QUINN, Premii Cecil B. DeMille, 1987
6) ALEJANDRO GONZALEZ INARRITU, productor a la Mejor Pelicula Dramatica de 2006, "Babel".
Un día como hoy pero de 1932 nace en la Ciudad de México el actor y cineasta Alfonso Arau, quien luego de tener una formación actoral con el maestro japonés Seki Sano, quien fuera discípulo junto a Lee Strasberg del mismísimo Stanislavski en Rusia, al tiempo que actúa finales de la década de los 60 bajo las órdenes de grandes como el norteamericano Sam Peckinpah en el clásico western ¨La pandilla salvaje¨ (¨The wild bunch¨), y del chileno Alejandro Jodorowsky en ¨El topo¨, quizás fue en alguna de las ocasiones que para ambas películas tuvo qué filmar en locaciones naturales del estado de Coahuila fue ahí donde conoció al empresario originario de Torreon, Coahuila, Juan Abusáid Ríos, quien lo apoyó para filmar la que sería su opera prima como director ¨El águila descalza¨, de 1969, la cual basada en un popular comic sobre un superhéroe que por andar descalzo ahora sí que su talon de Aquiles en lugar de ser la kriptonita eran la tachuelas, donde compartió créditos como actor con la actriz Ofelia Medina y la cual ganó el Ariel a la Mejor Película de 1971 cuando se estrenó.
Al debutar como realizador en la década de los 70, Alfonso Arau se une a otros directores de esa generación como Arturo Ripstein, Felipe Cazals, Jorge Fons, Jaime Humberto Hermosillo y otros más en ese movimiento que se estableció como de ¨nuevo cine mexicano¨ de los años 70, y fue por ello que esta nueva corriente que se caracterizó porque el estado produjera películas ¨de aliento¨ dirigidas por nuevos cineastas con propuestas en su mayor parte artíticas y de calidad estética, por lo que a Arau siendo actor no le faltó chamba tampoco como protagonista de pelícuas ya que al tiempo que dirigió y protagonizó otro clásico basado en otra popular tira cómica de la época como lo fue ¨Calzonztin inspector¨, de 1973, al lado de la actriz coahuilense Carmen Salinas, junto a esta última y otro prolífico creador coahuilense con el que ya había trabajado en ¨La Pandilla Salvaje¨, Emilio ¨Indio¨ Fernandez, protagoniza ¨El rincón de las vírgenes¨ (Alberto Isaac, 1972), basada en varios cuentos del escritor mexicano Juan Rulfo, y ¨Tivoli¨, de 1974, la historia del popular antro de la capital azteca en las décadas de los 50 y 60 otra vez bajo las órdenes de Alberto Isaac y otra vez protagonizando junto a la coahuilense Carmen Salinas.
Los años 80 los inicia Alfonso Arau con el pie derecho actuando y dirigiendo una película que bajo el título de ¨Mojado power¨, donde actúa al lado de otra primera actriz como Blanca Guerra, y quizás por acercarlo la temática de la misma a la frontera con la Unión Americana porpicia su ¨crossover¨ como actor en producciones hollywoodenses entre las que destacan la que hizo bajo la dirección de otro ganador del Oscar como Robert Zemeckis (¨Forrest Gump¨, 1994) en el clásico de aventuras ¨Dos bribones tras la esmeralda perdida¨ (¨Romancing the stone¨), donde actuó al lado del también ganador del Oscar Michael Douglas, la nominada Kathleen Turner y Danny DeVito, y la comedia ¨Three amigos!¨, dirigida por John Landis en 1986, donde compartió créditos con actores reconocidos del género como Steve Martin, Chevy Chase y Martin Short intepretando al villano de la historia llamado ¨El Guapo¨.
Pero fue a principios de la década de los 90 cuando Arau, entonces recién casado con la escritora Laura Esquivel, se instaló nuevamente en escenarios naturales de Coahuila, en su caso las ciudades fronterizas de Piedras Negras y Ciudad Acuña, para ahí filmar la película que le daría el reconocimiento internacional particularmente como cineaste así como lo uniera a una nueva generación de directores como su tocayo Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y otros más en el que se estableció como el movimiento del ¨nuevo cine mexicano de los 90¨.
La película en cuestión fue el hoy clásico contemporáneo ¨Como Agua para Chocolate¨, fue protagonizada por el actor de origen italiano Marco Leonardi (de ¨Cinema Paradiso¨), la primera actriz Regina Torné y las entonces nacientes actrices Lumi Cavazos, Arcelia Ramirez, Claudette Maille y Yarelli Arizmendi, entre otras, quienes hicieron de esta historia de amor que se desarrollaba en medio de la gastronomía y la Revolución Mexicana con tintes de realism mágico bajo la fotografñia tanto de Emmanuel Lubezki como del norteamericano Steven Bernstein (¨Monster: Asesina en serie¨) fue un éxito tanto de crítica como de taquilla a nivel nacional e internacional que lo llevó a dirigir en Hollywood a mediados de la década a actores como Keanu Reeves, la española Aitana Sánchez Gijon y el dos veces ganador del Oscar Anthony Quinn en otro drama romántico del estilo de ¨Como agua para chocolate¨ titulado ¨Un paseo por las nubes¨ (¨A walk in the clouds¨), ó películas para television como la sátira ¨Picking up the pieces¨, en el año 2000, donde dirigió nada menos que al maestro Woody Allen, Sharon Stone y Kiefer Sutherland, entre otros.
Poco después de esta última producción es que Alfonso Arau regresa a trabajar en México en el que ha sido el gran tropezón de su filmografía, ¨Zapata: El sueño de un héroe¨, de 2004, que protagonizada por el cantante Alejandro Fernandez y la cantante Lucero poco ofreció de credible e interesante en relación a una biografía del caudillo del sur y cuyo punto más alto fue la participación en un papel secundario de su compañera de actuación en otros proyectos, la coahuilense Carmen Salinas.
Actualmente, ya en sus ocho décadas de vida, Alfonso Araui no deja de estar active y ya se ha dado a conocer que prepara la biografía del primer astronauta mexicano, quizás para no quedarse atrás de su tocayo Alfonso Cuarón y su ¨Gravedad¨, ó de la nueva generación de mexicanos exitosos en la Meca del Cine. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!
Al debutar como realizador en la década de los 70, Alfonso Arau se une a otros directores de esa generación como Arturo Ripstein, Felipe Cazals, Jorge Fons, Jaime Humberto Hermosillo y otros más en ese movimiento que se estableció como de ¨nuevo cine mexicano¨ de los años 70, y fue por ello que esta nueva corriente que se caracterizó porque el estado produjera películas ¨de aliento¨ dirigidas por nuevos cineastas con propuestas en su mayor parte artíticas y de calidad estética, por lo que a Arau siendo actor no le faltó chamba tampoco como protagonista de pelícuas ya que al tiempo que dirigió y protagonizó otro clásico basado en otra popular tira cómica de la época como lo fue ¨Calzonztin inspector¨, de 1973, al lado de la actriz coahuilense Carmen Salinas, junto a esta última y otro prolífico creador coahuilense con el que ya había trabajado en ¨La Pandilla Salvaje¨, Emilio ¨Indio¨ Fernandez, protagoniza ¨El rincón de las vírgenes¨ (Alberto Isaac, 1972), basada en varios cuentos del escritor mexicano Juan Rulfo, y ¨Tivoli¨, de 1974, la historia del popular antro de la capital azteca en las décadas de los 50 y 60 otra vez bajo las órdenes de Alberto Isaac y otra vez protagonizando junto a la coahuilense Carmen Salinas.
Los años 80 los inicia Alfonso Arau con el pie derecho actuando y dirigiendo una película que bajo el título de ¨Mojado power¨, donde actúa al lado de otra primera actriz como Blanca Guerra, y quizás por acercarlo la temática de la misma a la frontera con la Unión Americana porpicia su ¨crossover¨ como actor en producciones hollywoodenses entre las que destacan la que hizo bajo la dirección de otro ganador del Oscar como Robert Zemeckis (¨Forrest Gump¨, 1994) en el clásico de aventuras ¨Dos bribones tras la esmeralda perdida¨ (¨Romancing the stone¨), donde actuó al lado del también ganador del Oscar Michael Douglas, la nominada Kathleen Turner y Danny DeVito, y la comedia ¨Three amigos!¨, dirigida por John Landis en 1986, donde compartió créditos con actores reconocidos del género como Steve Martin, Chevy Chase y Martin Short intepretando al villano de la historia llamado ¨El Guapo¨.
Pero fue a principios de la década de los 90 cuando Arau, entonces recién casado con la escritora Laura Esquivel, se instaló nuevamente en escenarios naturales de Coahuila, en su caso las ciudades fronterizas de Piedras Negras y Ciudad Acuña, para ahí filmar la película que le daría el reconocimiento internacional particularmente como cineaste así como lo uniera a una nueva generación de directores como su tocayo Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y otros más en el que se estableció como el movimiento del ¨nuevo cine mexicano de los 90¨.
La película en cuestión fue el hoy clásico contemporáneo ¨Como Agua para Chocolate¨, fue protagonizada por el actor de origen italiano Marco Leonardi (de ¨Cinema Paradiso¨), la primera actriz Regina Torné y las entonces nacientes actrices Lumi Cavazos, Arcelia Ramirez, Claudette Maille y Yarelli Arizmendi, entre otras, quienes hicieron de esta historia de amor que se desarrollaba en medio de la gastronomía y la Revolución Mexicana con tintes de realism mágico bajo la fotografñia tanto de Emmanuel Lubezki como del norteamericano Steven Bernstein (¨Monster: Asesina en serie¨) fue un éxito tanto de crítica como de taquilla a nivel nacional e internacional que lo llevó a dirigir en Hollywood a mediados de la década a actores como Keanu Reeves, la española Aitana Sánchez Gijon y el dos veces ganador del Oscar Anthony Quinn en otro drama romántico del estilo de ¨Como agua para chocolate¨ titulado ¨Un paseo por las nubes¨ (¨A walk in the clouds¨), ó películas para television como la sátira ¨Picking up the pieces¨, en el año 2000, donde dirigió nada menos que al maestro Woody Allen, Sharon Stone y Kiefer Sutherland, entre otros.
Poco después de esta última producción es que Alfonso Arau regresa a trabajar en México en el que ha sido el gran tropezón de su filmografía, ¨Zapata: El sueño de un héroe¨, de 2004, que protagonizada por el cantante Alejandro Fernandez y la cantante Lucero poco ofreció de credible e interesante en relación a una biografía del caudillo del sur y cuyo punto más alto fue la participación en un papel secundario de su compañera de actuación en otros proyectos, la coahuilense Carmen Salinas.
Actualmente, ya en sus ocho décadas de vida, Alfonso Araui no deja de estar active y ya se ha dado a conocer que prepara la biografía del primer astronauta mexicano, quizás para no quedarse atrás de su tocayo Alfonso Cuarón y su ¨Gravedad¨, ó de la nueva generación de mexicanos exitosos en la Meca del Cine. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!
Hoy es Día de los Santos Reyes, importantes personajes de la Biblia pero que al representarnos a todos nosotros y la diversidad del mundo no podían dejar de ser parte de una o varias historias cinematográficas desde la creación del celuloide como tal.
Es así como de manera preponderante, y a diferencia de la version más conocida de 1959 realizada por el maestro Wlliam Wyler, la no menos exhuberante superproducción cinematográfica del relato de Lewis Wallace ¨Ben Hur: A Tale of the Christ¨ (Fred Niblo, 1925) la cual tuvo en el personaje protagónico al actor de origen duranguense Ramón Novarro en el papel que dio el único Oscar al Mejor Actor de su filmografía a Charlton Heston en su remake, presentó a los Tres Reyes Magos desde las primeras escenas de la misma y a uno de ellos, Baltazar, en la parte climática ... algo que la version de 1959 ignore por completo.
¿Por qué sucedió esto? Quizás porque Charlton Heston era judío, y aunque ¨Ben Hur¨, la version de 1959, no deja de darle su importancia al momento de la Crucifixión de Jesús y que es vital para el cierre del relato del esclavo judío que al lograr vengarse de su amigo de la infancia Messala vence metafóricamente también al imperio romano, no presenta el nacimiento de Ben Hur y la historia de la dinastía de Hur de forma paralela a la del nacimiento de Jesús como sí lo hace la version de 1925 en donde en blanco y negro se presenta el contexto en el que nace Jesús en Belén y quien al ser visitado por Melchor, rey de la India; Gaspar, rey de Grecia y Baltazar, rey de Egipto, el blanco y negro pasa a ser una secuencia de color por la importancia que tiene ese encuentro.
Luego de esa secuencia inicial es cuando conocemos a Ben Hur, su madre y su hermana, así como los demás protagonistas de la historia, y vuelve a encontrarse con Jesús cuando al ser tomado como prisionero por atentar ¨accidentalmente¨ con un ladrillo contra una de las autoridades romanas de visita en su ciudad, el calvario que sufre en su trayecto a la embarcación en la que pasará varios años como esclavo lo suaviza aunque sea por unos instantes el hecho de que el grupo de soldados romanos que lo lleva se detenga en la choza de José hace que sin que le veamos el rostro Jesús lo conforte y sea su sola presencia motivación para que siga adelante y se convierta posteriormente en el héroe judío de la historia.
De ahí que poco después de darse la emblemática carrera de carruajes donde Ben Hur vence a Messala aparezca el rey mago Baltazar, años después de hacerse presente en la Navidad con la que inicia el relato, para alertar a Ben Hur del calvario al que ahora está amenazado en experimentar Jesús y lleva al climax de la historia.
Años después, justo a mediados de los años 70, es en el cine mexicano donde los Tres Reyes Magos son ahora protagonistas de la primera película animada en la historia de nuestra industria, ¨Los 3 Reyes Magos¨ (Fernando Ruiz y Adolfo Torres Portillo, 1976), con textos nada menos que de grandes talentos de las letras mexicanas como Emilio Carballido y Rosario Castellanos y música de los no menos memorables Hermanos Zavala. Felices Reyes!
Es así como de manera preponderante, y a diferencia de la version más conocida de 1959 realizada por el maestro Wlliam Wyler, la no menos exhuberante superproducción cinematográfica del relato de Lewis Wallace ¨Ben Hur: A Tale of the Christ¨ (Fred Niblo, 1925) la cual tuvo en el personaje protagónico al actor de origen duranguense Ramón Novarro en el papel que dio el único Oscar al Mejor Actor de su filmografía a Charlton Heston en su remake, presentó a los Tres Reyes Magos desde las primeras escenas de la misma y a uno de ellos, Baltazar, en la parte climática ... algo que la version de 1959 ignore por completo.
¿Por qué sucedió esto? Quizás porque Charlton Heston era judío, y aunque ¨Ben Hur¨, la version de 1959, no deja de darle su importancia al momento de la Crucifixión de Jesús y que es vital para el cierre del relato del esclavo judío que al lograr vengarse de su amigo de la infancia Messala vence metafóricamente también al imperio romano, no presenta el nacimiento de Ben Hur y la historia de la dinastía de Hur de forma paralela a la del nacimiento de Jesús como sí lo hace la version de 1925 en donde en blanco y negro se presenta el contexto en el que nace Jesús en Belén y quien al ser visitado por Melchor, rey de la India; Gaspar, rey de Grecia y Baltazar, rey de Egipto, el blanco y negro pasa a ser una secuencia de color por la importancia que tiene ese encuentro.
Luego de esa secuencia inicial es cuando conocemos a Ben Hur, su madre y su hermana, así como los demás protagonistas de la historia, y vuelve a encontrarse con Jesús cuando al ser tomado como prisionero por atentar ¨accidentalmente¨ con un ladrillo contra una de las autoridades romanas de visita en su ciudad, el calvario que sufre en su trayecto a la embarcación en la que pasará varios años como esclavo lo suaviza aunque sea por unos instantes el hecho de que el grupo de soldados romanos que lo lleva se detenga en la choza de José hace que sin que le veamos el rostro Jesús lo conforte y sea su sola presencia motivación para que siga adelante y se convierta posteriormente en el héroe judío de la historia.
De ahí que poco después de darse la emblemática carrera de carruajes donde Ben Hur vence a Messala aparezca el rey mago Baltazar, años después de hacerse presente en la Navidad con la que inicia el relato, para alertar a Ben Hur del calvario al que ahora está amenazado en experimentar Jesús y lleva al climax de la historia.
Años después, justo a mediados de los años 70, es en el cine mexicano donde los Tres Reyes Magos son ahora protagonistas de la primera película animada en la historia de nuestra industria, ¨Los 3 Reyes Magos¨ (Fernando Ruiz y Adolfo Torres Portillo, 1976), con textos nada menos que de grandes talentos de las letras mexicanas como Emilio Carballido y Rosario Castellanos y música de los no menos memorables Hermanos Zavala. Felices Reyes!
Un día como hoy pero de 1961 nace en Los Angeles, California, el director, guionista y productor Todd Haynes, quien habiendo cumplido los 30 años de edad consigue un gran debut como realizador con su ópera prima ¨Poison¨, la cual exploró en una compilación de tres historias su experiencia y formación como hombre y cineasta homosexual que por lo mismo fue de los pioneros de una nueva generación de directores de estos temas en los años 90 que consolidó la filmografía de otros directores como Gus Van Sant que debutaron en los años 80 y dio a conocer a otros más como Gregg Arakki, Tom Kalin y otros más.
Ese debut le valió el premio del Gran Jurado en el Festival de Cine Independiente de Sundance de 1991 y el Teddy al Mejor Filme de temática gay del Festival de Cine de Berlín también de aquel año. Por aquellos años tuve la oportunidad de ver la premiere de ¨Poison¨ en el Melnitz Hall de la Escuela de Cine de UCLA y conocer a Haynes personalmente, oportunidad que tuve nuevamente en México dentro de la edición de 2008 del Festival Internacional de Cine de Morelia donde inclusive me firmó una copia en DVD de la cinta que le dio su primera nominación a un Oscar al Mejor Guión Original de 2002 por ese exquisito homenaje a clásicos de los años 50 que fue ¨Lejos del cielo¨, protagonizada por una de sus actrices fetiche Julianne Moore.
La relación de Haynes con Julianne Moore se inició de manera oficial en 1995 con su segundo largometraje como director que fue ¨Safe¨, sobre una mujer que desarrolla una hipersensibilidad química a los espacios cerrados. Hablando de Oscares y homenajes a historias de otras épocas, en 1998 Haynes se trasladó a la época del glam rock de los años 70 que tuvo como uno de sus principales representantes en Inglaterra a David Bowie en el clásico ¨Velvet Goldmine¨, protagonizada por Jonathan Rhys Myers, Ewan McGregor y Christian Bale y la cual obtuvo una nominación muy merecida al Oscar al Mejor Vestuario de 1998.
Ya en el nuevo milenio, y hablando de Oscares y dramas musicales, Todd Haynes realiza en 2007 una muy original biografía del legendario cantante de folk norteamericano Bob Dylan en ¨Mi historia sin mí¨ (¨I´m not there¨), donde seis actores (y una actriz como Cate Blanchett, en una intepretación que le dio una nueva nominación al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto de 2007) recrearon diferentes etapas en la vida del músico.
Justo cuando volví a encontrarme personalmente con Todd Haynes en el Festival de Cine de Morelia en la edición de 2008 y en donde pude ver algunos de sus primeros cortos como el clásico ¨Superstar¨, su respectivo homenaje a la agrupación setentera de los Carpenter, venía desempecado de los reconocimientos por ¨I´m not there¨ que lo llevaron tanto a él como a Cate Blanchett a estar en ternas (y ganar algunas de ellas) como las de los Independent Spirit Awards a lo mejor en cine norteamericano de 2007, y al preguntarle cuál iba a ser su próximo proyecto supe de primera mano que estaba aterrizando hacer una ´nueva versión del clásico que hizo ganar a la diva del cine clásico hollywoodense Joan Crawford el único Oscar de su filmografía a la Mejor Actriz de 1945, ¨Mildred Pierce¨. La nueva versión de Haynes de dicha historia se estrenó como serie televisiva de HBO en 2011 y la protagonizó nada menos que otra para entonces ganadora del Oscar, Kate Winslet, acompañada por actores como Guy Pearce, Evan Rachel Wood y Melissa Leo, entre otros más.
Este 2014 Todd Haynes se encuentra en plena producción de su siguiente largometraje titulado ¨Carol¨, con el cual vuelve a trabajar con su nueva actriz fetiche, Cate Blanchett, protagonizando una historia basada en la novela de la escritora Patricia Highsmith, autora de historias que con anterioridad han llevado a la pantalla grandes como Hitchcock (¨Pacto siniestro¨); Wim Wenders (¨El amigo americano¨) ó Anthony Minghella (¨The talented Mr. Ripley¨), en este caso dentro de un relato que acontece en el Nueva York de los años 50 y protagonizan dos mujeres, una joven encargada de una tienda departamental interpretada por Rooney Mara (¨La chica del dragón tatuado¨) quien sueña en una vida mejor en lo que se enamora de una mujer de nombre Carol (la Blanchett), a su vez casada. Muchas felicidades Todd y que sigan los éxitos!
Ese debut le valió el premio del Gran Jurado en el Festival de Cine Independiente de Sundance de 1991 y el Teddy al Mejor Filme de temática gay del Festival de Cine de Berlín también de aquel año. Por aquellos años tuve la oportunidad de ver la premiere de ¨Poison¨ en el Melnitz Hall de la Escuela de Cine de UCLA y conocer a Haynes personalmente, oportunidad que tuve nuevamente en México dentro de la edición de 2008 del Festival Internacional de Cine de Morelia donde inclusive me firmó una copia en DVD de la cinta que le dio su primera nominación a un Oscar al Mejor Guión Original de 2002 por ese exquisito homenaje a clásicos de los años 50 que fue ¨Lejos del cielo¨, protagonizada por una de sus actrices fetiche Julianne Moore.
La relación de Haynes con Julianne Moore se inició de manera oficial en 1995 con su segundo largometraje como director que fue ¨Safe¨, sobre una mujer que desarrolla una hipersensibilidad química a los espacios cerrados. Hablando de Oscares y homenajes a historias de otras épocas, en 1998 Haynes se trasladó a la época del glam rock de los años 70 que tuvo como uno de sus principales representantes en Inglaterra a David Bowie en el clásico ¨Velvet Goldmine¨, protagonizada por Jonathan Rhys Myers, Ewan McGregor y Christian Bale y la cual obtuvo una nominación muy merecida al Oscar al Mejor Vestuario de 1998.
Ya en el nuevo milenio, y hablando de Oscares y dramas musicales, Todd Haynes realiza en 2007 una muy original biografía del legendario cantante de folk norteamericano Bob Dylan en ¨Mi historia sin mí¨ (¨I´m not there¨), donde seis actores (y una actriz como Cate Blanchett, en una intepretación que le dio una nueva nominación al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto de 2007) recrearon diferentes etapas en la vida del músico.
Justo cuando volví a encontrarme personalmente con Todd Haynes en el Festival de Cine de Morelia en la edición de 2008 y en donde pude ver algunos de sus primeros cortos como el clásico ¨Superstar¨, su respectivo homenaje a la agrupación setentera de los Carpenter, venía desempecado de los reconocimientos por ¨I´m not there¨ que lo llevaron tanto a él como a Cate Blanchett a estar en ternas (y ganar algunas de ellas) como las de los Independent Spirit Awards a lo mejor en cine norteamericano de 2007, y al preguntarle cuál iba a ser su próximo proyecto supe de primera mano que estaba aterrizando hacer una ´nueva versión del clásico que hizo ganar a la diva del cine clásico hollywoodense Joan Crawford el único Oscar de su filmografía a la Mejor Actriz de 1945, ¨Mildred Pierce¨. La nueva versión de Haynes de dicha historia se estrenó como serie televisiva de HBO en 2011 y la protagonizó nada menos que otra para entonces ganadora del Oscar, Kate Winslet, acompañada por actores como Guy Pearce, Evan Rachel Wood y Melissa Leo, entre otros más.
Este 2014 Todd Haynes se encuentra en plena producción de su siguiente largometraje titulado ¨Carol¨, con el cual vuelve a trabajar con su nueva actriz fetiche, Cate Blanchett, protagonizando una historia basada en la novela de la escritora Patricia Highsmith, autora de historias que con anterioridad han llevado a la pantalla grandes como Hitchcock (¨Pacto siniestro¨); Wim Wenders (¨El amigo americano¨) ó Anthony Minghella (¨The talented Mr. Ripley¨), en este caso dentro de un relato que acontece en el Nueva York de los años 50 y protagonizan dos mujeres, una joven encargada de una tienda departamental interpretada por Rooney Mara (¨La chica del dragón tatuado¨) quien sueña en una vida mejor en lo que se enamora de una mujer de nombre Carol (la Blanchett), a su vez casada. Muchas felicidades Todd y que sigan los éxitos!
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