Un día como hoy pero hace 86 años nació en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, una mujer que fue bautizada como María Cristina Estrella Marcela Jurado pero el cine conoció como Katy Jurado, y que fue pionera de los premios y reconocimientos en la Meca del Cine puesto que en 1952 se convirtió en la primera mexicana en ganar el Globo de Oro de Hollywood y dos años después en la primera actriz mexicana en ser nominada a un Oscar.
El camino de Katy al alcanzar estos honores se remonta al año de 1943, cuando compartiendo créditos con la actriz Sara García, Emilio Tuero y su contemporánea Carmen Montejo debuta en el cine mexicano con la película "No matarás", del maestro Chano Urueta, a la cual siguen clásicos que van de "La vida inútil de Pito Pérez", de Miguel Contrereas Torres, en 1944, al lado del comediante Manuel Medel, hasta "Nosotros los pobres", en 1947, bajo la dirección de otro maestro como Ismael Rodríguez en donde en el papel de "la que se levanta tarde" formó parte de un elenco donde destacaron Pedro Infante, Blanca Estela Pavón y otra vez su compañera en "No matarás", Carmen Montejo, entre otros más.
La faceta que pocos conocen de Katy es que alternando su carrera como actriz, y para mantener a una familia venida a menos cuando el gobierno expropió varias de sus tierras en Jalisco, ella escribía una columna sobre cine y era reportera en la radio, oficio que más que su trabajo en la pantalla grande fue lo que primeramente la acercó a la industria de cine hollywoodense gracias a que conoció al actor John Wayne en el camino y el director Budd Boetticher quien la llamó para actuar en el año de 1951 haciendo el papel de la esposa de un torero venido a menos en la película "Bullfigther and a lady", y de esta participación fue de donde hiló la cinta que le daría el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto en 1952 gracias a su papel de la amante previa del héroe que interpretó el ganador del Oscar Gary Cooper en el clásico western del maestro Fred Zinneman "A la hora señalada"("High noon").
A partir de ese año fue que Katy Jurado combinó su carrera fílmica tanto en México como en Estados Unidos, y así fue como después de su Globo de Oro ganó su primer Ariel en la categoría de Mejor Coactuación Femenina por el trabajo que realizó bajo la dirección de otro maestro como el español Luis Buñuel en el clásico "El bruto", de 1952, al lado del primer actor Pedro Armendáriz, y tan pronto como en el año de 1954 bajo la dirección de Edward Dmytryk y el papel de la esposa indígena de otro ganador del Oscar como Spencer Tracy obtuvo una nominación al Oscar como Mejor Actriz Secundaria por el western "Broken lance", lo cual la convirtió automáticamente en la primera actriz mexicana en ser nominada a la prestigiada estatuilla muchos años antes de compatriotas suyas como Salma Hayek ó Adriana Barraza.
El año de 1958 marcó la vida de Katy Jurado en el plano profesional personal como profesional puesto que en el set de otro western hollywoodense titulado "The Badlanders", bajo la dirección de Delmes Daves, compartió créditos con otro ganador del Oscar como el actor Ernest Borgnine, quien deslumbrado por la belleza y porte de la mexicana la hizo su esposa al año siguiente.
Luego de una relación tempestuosa que terminó en un sonado divorcio en 1961 la pareja se separó pero para fortuna de Katy su carrera siguió viento en popa puesto que el primer actor Marlon Brando la mandó llamar para su ópera prima como director de aquel mismo año que se tituló en español "Un rostro impenetrable" ("One eyed jacks"), la cual Brando también protagonizó y en la que la señora Jurado interpretó a la esposa de otro ganador del Oscar con quien Brando había compartido créditos en "Un tranvía llamado deseo", Karl Malden, y madre de otra mexicana en ascenso como la malograda Pina Pellicer.
En 1962 compartió créditos con su compatriota Anthony Quinn en el clásico "Barrabás", de Richard Fleischer, con quien ya en México a finales de los años 70 volvió a actuar en la coproducción "Los hijos de Sánchez", de Hal Bartlett, en 1978, última película en la filmografía de la diva mexicana Dolores del Río y teniendo en el elenco a otros primeros actores como Ignacio López Tarso, Carmen Montejo y otros más.
Sin embargo, Katy Jurado no terminó la década de los 70 sin volver a ganar reconocimientos por su trabajo actoral, ya que en el año de 1972 por su magistral interpretación de una madre de vecindad que se enfrenta a la burocracia mexicana ganó su primer y único Ariel como Mejor Actriz por el episodio "Caridad", dirigido por Jorge Fons, del compilado de tres cortos titulado "Fé, esperanza y caridad", al tiempo que en la meca del cine seguía trabajando bajo las órdenes de maestros como Sam Peckinpah en el clásico western de 1973 "Pat Garret y Billy the Kid", donde es clásica la escena donde teniendo como fondo el clásico tema de "Knockin on heaven's door" del cantante Bob Dylan (quien también actuaba en al cinta) el personaje de Katy Jurado llora frente a un río.
Los años 80 los inicia Katy Jurado bajo las órdenes del prestigiado director Arturo Ripstein, cuando en 1980 filma "La seducción" donde interpretó a la madre del personaje de la actriz Viridiana Alatriste y que fuera su primera colaboración con el director que le diera a ganar su segundo Ariel en la categoría de Mejor Coactuación Femenina de 1998 por su papel de la matriarca de una secta religiosa llamada Mamá Dorita en "El evangelio de las maravillas". De los años 80 destaca en su filmografía otra participación en el cine norteamericano en la adaptación al cine de la clásica novela de Malcolm Lowry "Bajo el volcán", bajo la dirección del destacado realizador John Huston en 1984.
Los años 90 representan la incursión de Katy Jurado en la televisión en el papel de la madre del actor Omar Fierro en el serial "Más allá del puente", de 1993, bajo la producción de Carla Estrada, productora que la volvió a requerir en 1997 para su exitosa telenovela "Te sigo amando", protagonizada por la actriz Cluaida Ramírez y el actor venezolano Luis José Santander, pero que destacó principalmente por haber interpretado a la nada Justina del villano que interpretó el actor Sergio Goyri y que la volvió a reunir en su reparto con la también primera actriz Carmen Montejo, la actriz de origen saltillense Magda Guzmán y María Rojo, entre otras más.
La última participación en el cine hollywoodense de la señora Jurado fue en el año de 1998 en otro western titulado "The Hi Lo Country", bajo la dirección del británico Stephen Frears ("Relaciones peligrosas"; "La reina") en la que compartió créditos con el nominado al Oscar Woody Harrelson y la ganadora Penélope Cruz, y principios del nuevo milenio Katy Jurado al ser requerida por el director mexicano Leopoldo Laborde para el papel protagónico de "Un secreto de Esperanza" en el año 2002 no sólo consiguió uno de los mejores trabajos histriónicos de la actriz sino un último reconocimiento en este caso póstumo como Mejor Actriz del Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2003 y en la que dio "la patadita de la suerte" a nóbeles actores del cine como Imanol Landeta y la veracruzana Ana de la Reguera. Muchas felicidades y gracias por este legado grandiosa Katy.
About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
Este fin de semana además del estreno nacional de nuestra recomendación de “Los Próximos Tres Días”, de Paul Haggis, llega como con “Tron” otra esperada secuela.
Ésta se trata de la tercera entrega (y con el resultado final esperamos que sea la última) de una serie de películas del género de comedia iniciada justo hace una década con la muy simpática película “La Familia de mi Novia” y seguida de manera regular en 2004 con “La Familia de mi Esposo”.
Sin embargo, haciendo justo honor a su título, ahora sí exacto tanto en inglés como en español de “Los Pequeños Focker”, esta cinta dirigida por el irregular realizador de ascendencia mexicana Paul Weitz (su abuela es la actriz de origen oaxaqueño Lupita Tovar) es la menor de las tres películas en cuestión, ya que lo que inició con el hasta cierto punto natural recelo de un padre (Robert De Niro) ante el prometido de su hija (Ben Stiller), además enfermero y con un apellido muy particular en inglés, seguida por el encuentro con la no menos peculiar y extravagante familia de él para la boda de la pareja, termina siendo aquí de manera literal ¡un juego de niños!
“Los Pequeños Focker” inicia precisamente con los preparativos para la fiesta de cumpleaños de los gemelos de la pareja Focker, alrededor de los cuales el padre de la hoy mamá, Jack Byrnes (Robert De Niro), se encuentra en medio de la recopilación de información para el árbol genealógico de su familia; su yerno se ve involucrado en el asunto y el meollo es la promoción de un nuevo medicamento equivalente al viagra para los adultos mayores denominado Sustengo. En ese contexto es en el que Jack, en su afán por comprobar, después de sufrir un infarto, que cuando él falte su legado pueda ser continuado por el correcto “padrino” de sus descendientes, en este caso su yerno Greg Focker, que no sólo se ve expuesto a peligros serios por accidentalmente ser “conejillo de indias” del medicamento, sino a poner en peligro el venidero festejo familiar al ver el acoso de la sensual enfermera.
Con todos estos antecedentes, podemos entender el porqué a falta del involucramiento tras las cámaras del director inglés Jay Roach, como sucediera en las dos cintas anteriores,“Los Pequeños Focker” a lo más que llega es al nivel de “American Pie” (la primera cinta que Paul Weitz dirigió) con la mayor pena para primeros actores, no sólo como los ganadores del Oscar Barbra Streisand o Dustin Hoffman, sino Robert De Niro y Harvey Keitel, quienes aquí comparten un “duelo de actuaciones” que en nada se parece al que alguna vez hicieron dirigidos por Scorsese en “Calles Peligrosas” o “Taxi Driver”.
Comentarios: alfredogalindo@hotmail.com
Ésta se trata de la tercera entrega (y con el resultado final esperamos que sea la última) de una serie de películas del género de comedia iniciada justo hace una década con la muy simpática película “La Familia de mi Novia” y seguida de manera regular en 2004 con “La Familia de mi Esposo”.
Sin embargo, haciendo justo honor a su título, ahora sí exacto tanto en inglés como en español de “Los Pequeños Focker”, esta cinta dirigida por el irregular realizador de ascendencia mexicana Paul Weitz (su abuela es la actriz de origen oaxaqueño Lupita Tovar) es la menor de las tres películas en cuestión, ya que lo que inició con el hasta cierto punto natural recelo de un padre (Robert De Niro) ante el prometido de su hija (Ben Stiller), además enfermero y con un apellido muy particular en inglés, seguida por el encuentro con la no menos peculiar y extravagante familia de él para la boda de la pareja, termina siendo aquí de manera literal ¡un juego de niños!
“Los Pequeños Focker” inicia precisamente con los preparativos para la fiesta de cumpleaños de los gemelos de la pareja Focker, alrededor de los cuales el padre de la hoy mamá, Jack Byrnes (Robert De Niro), se encuentra en medio de la recopilación de información para el árbol genealógico de su familia; su yerno se ve involucrado en el asunto y el meollo es la promoción de un nuevo medicamento equivalente al viagra para los adultos mayores denominado Sustengo. En ese contexto es en el que Jack, en su afán por comprobar, después de sufrir un infarto, que cuando él falte su legado pueda ser continuado por el correcto “padrino” de sus descendientes, en este caso su yerno Greg Focker, que no sólo se ve expuesto a peligros serios por accidentalmente ser “conejillo de indias” del medicamento, sino a poner en peligro el venidero festejo familiar al ver el acoso de la sensual enfermera.
Con todos estos antecedentes, podemos entender el porqué a falta del involucramiento tras las cámaras del director inglés Jay Roach, como sucediera en las dos cintas anteriores,“Los Pequeños Focker” a lo más que llega es al nivel de “American Pie” (la primera cinta que Paul Weitz dirigió) con la mayor pena para primeros actores, no sólo como los ganadores del Oscar Barbra Streisand o Dustin Hoffman, sino Robert De Niro y Harvey Keitel, quienes aquí comparten un “duelo de actuaciones” que en nada se parece al que alguna vez hicieron dirigidos por Scorsese en “Calles Peligrosas” o “Taxi Driver”.
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Luego de haber protagonizado la más reciente versión de “Robin Hood”, de Ridley Scott, el ganador del Oscar Russell Crowe vuelve a las salas de cine.
Esto como parte del estreno nacional de “Los Próximos tres Días”, la más reciente obra de Paul Haggis, ganador de dos Oscares consecutivos por los guiones originales tanto de “Golpes del Destino”, como de “Crash: Alto Impacto”, que él mismo dirigió con tan buen tino que se alzó por sobre la controvertida “Secreto en la Montaña” con su respectivo Oscar a la Mejor Película de aquel año.
En “Los Próximos tres Días” es precisamente su buen oficio como director el que a final de cuentas rescata una historia que curiosamente no es de su autoría sino basada en una exitosa cinta francesa de 2007 titulada “Pour Elle” que trasladada a la ciudad de Pittsburgh llega a caer en varias situaciones inverosímiles que la llevan a quedarse apenas unos pasos atrás del clásico contemporáneo que resultó ser la adaptación cinematográfica de la serie de TV “El Fugitivo”.
Es así como en esta cinta los primeros diez minutos de su trama enganchan eficazmente al espectador al mostrarnos por un lado al personaje de “John Brennan” (Russell Crowe) manejando desesperado salpicado de sangre un vehículo, intercortando a una cena con su esposa “Laura” (Elisabeth Banks) quien se torna sorpresivamente agresiva con otra pareja de amigos para a su llegada a su casa entre que descubrimos su enfermedad de diabética al inyectarse insulina en la pierna y que también se ha salpicado aún más de sangre el abrigo que portaba desde la salida de su trabajo, es detenida violentamente en su propio domicilio por la policía.
A partir de ahí la trama se va desenvolviendo para enteramos que este suceso ocurrió hace tres años cuando “Laura” fue acusada de haber asesinado a su jefa en el estacionamiento de su oficina y sentenciada a purgar una condena de 20 años de prisión, algo que a partir de que su abogado “Meyer Finks” (Daniel Stern) le dice a “John” no tendrá ningún resultado esperanzador puesto que todas las evidencias señalan a “Laura” como la culpable, “John” se propone con tal de sacar a la madre de su hijo y la mujer que ama de aquel encierro orquestar una fuga para el que se asesora inclusive con “Damon Pennington”, un ex convicto interpretado por el actor Liam Neeson cuyas fugas diversas lo llevaron a escribir un libro. Dicho todo esto, “Los Próximos tres Días” funciona para quienes gustaron, de la mencionada “El Fugitivo” y buscan un entretenimiento sin complicaciones en estos días de guardar.
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Esto como parte del estreno nacional de “Los Próximos tres Días”, la más reciente obra de Paul Haggis, ganador de dos Oscares consecutivos por los guiones originales tanto de “Golpes del Destino”, como de “Crash: Alto Impacto”, que él mismo dirigió con tan buen tino que se alzó por sobre la controvertida “Secreto en la Montaña” con su respectivo Oscar a la Mejor Película de aquel año.
En “Los Próximos tres Días” es precisamente su buen oficio como director el que a final de cuentas rescata una historia que curiosamente no es de su autoría sino basada en una exitosa cinta francesa de 2007 titulada “Pour Elle” que trasladada a la ciudad de Pittsburgh llega a caer en varias situaciones inverosímiles que la llevan a quedarse apenas unos pasos atrás del clásico contemporáneo que resultó ser la adaptación cinematográfica de la serie de TV “El Fugitivo”.
Es así como en esta cinta los primeros diez minutos de su trama enganchan eficazmente al espectador al mostrarnos por un lado al personaje de “John Brennan” (Russell Crowe) manejando desesperado salpicado de sangre un vehículo, intercortando a una cena con su esposa “Laura” (Elisabeth Banks) quien se torna sorpresivamente agresiva con otra pareja de amigos para a su llegada a su casa entre que descubrimos su enfermedad de diabética al inyectarse insulina en la pierna y que también se ha salpicado aún más de sangre el abrigo que portaba desde la salida de su trabajo, es detenida violentamente en su propio domicilio por la policía.
A partir de ahí la trama se va desenvolviendo para enteramos que este suceso ocurrió hace tres años cuando “Laura” fue acusada de haber asesinado a su jefa en el estacionamiento de su oficina y sentenciada a purgar una condena de 20 años de prisión, algo que a partir de que su abogado “Meyer Finks” (Daniel Stern) le dice a “John” no tendrá ningún resultado esperanzador puesto que todas las evidencias señalan a “Laura” como la culpable, “John” se propone con tal de sacar a la madre de su hijo y la mujer que ama de aquel encierro orquestar una fuga para el que se asesora inclusive con “Damon Pennington”, un ex convicto interpretado por el actor Liam Neeson cuyas fugas diversas lo llevaron a escribir un libro. Dicho todo esto, “Los Próximos tres Días” funciona para quienes gustaron, de la mencionada “El Fugitivo” y buscan un entretenimiento sin complicaciones en estos días de guardar.
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Este día estamos de manteles largos festejando los cumpleaños de dos mujeronas que, cada una en ámbitos diferentes del arte y distintas nacionalidades aunque contemporáneas en edad, han hecho cada una su respectiva historia dentro del Séptimo Arte.
La primera de ellas es Evita Muñoz "Chachita", quien nacida el 26 de noviembre de 1936 en Orizaba, Veracruz, llega hoy a los 74 años de edad. Ella ahora sí que es toda una veterana en el cine puesto que desde que estaba por cumplir los 4 años de edad pisó los sets cinematográficos al formar parte del elenco de "El secreto del sacerdote", al lado de una figura de la talla de Pedro Arméndariz, bajo la dirección del maestro Joselito Rpdríguez, y fue precisamente él y no su hermano Ismael como muchos creen a quien se debe que la actriz haya adoptado el nombre de "Chachita" puesto que fue antes que "Nosotros los pobres", su película emblemática, porque fue el realizador el que le dio al personaje que interpretó en la segunda película de Evita Muñoz que fue la muy taquillera "¡Ay, Jalsico, no te rajes"!, de 1941, al lado de otro ícono de la Epoca de Oro del Cine Mexicano como Jorge Negrete el apodo de "Chachita".
Ese mismo mote fue el que la popularizó desde 1947 hasta la fecha al ser dirigida por el mencionado maestro ismael Rodríguez junto a figuras de la talla de Pedro Infante, Blanca Estela Pavón, Carmen Montejo, Katy Jurado, Miguel Inclán y otros grandes en el clásico de clásicos "Nosotros los pobres", la cual se convirtió a su vez en una de las primeras trilogías del cine no sólo mexicano sino internacional con secuelas como las de "Ustedes los ricos", de 1948, y "Pepe el Toro", de 1952, siendo "Chachita" junto a "Pepe el Toro" la única "sobreviviente" de la historia hasta su tercera entrega.
"Chachita" creció así en los sets cinematográficos teniendo como pareja ya en su juventud a su pareja desde "Nosotros los pobres" Freddy Fernández "El Pichi", repitiendo los dos en muchas de ellas sus conocidos apodos, y en los años 70 ya en el género de la televisión hizo otro personaje emblemático como la hermana Carmela de la popularísima telenovela "Mundo de juguete" donde compartió créditos junto a las desaparecidas actrices Sara garcía, Gloria Marín e Irán Eory, entre otras más.
En los años 80 "Chachita" no sólo siguió muy vigente en televisión sino también en el cine, ya que a pesar de que nuestra industria se debatía entre la vasta continuidad de películas de ficheras y narcos y las pocas ofertas d ecine de autor que se producían por entonces, ya que mientras continuaba cosechando éxitos en la televisión gracias ya como adultos a la pareja con Freddy Fernández en la teleserie "Nosotros los Gómez" en el cine nacional seguía haciendo personajes que le siguieron garantizando mucha taquilla en su tiempo como sucedió al interpretar en 1983 a la protagonista del comic "Hermelinda Linda", bajo la dirección del también actor de origen coahuilense Julio Aldama, cuyo gran éxito en los cines propició una consabida secuela en 1986.
Con todo, entre esas dos películas la actriz fue convocada junto a otros actores mexicanos como el también director Alfonso Arau y el primer actor Manuel Ojeda a formar parte del elenco nacional de la muy exitosa producción hollywoodense "Dos bribones tras la esmeralda perdida" ("Romancing the stone"), en 1984, siendo ahí dirigida por el ganador del Oscar Robert Zemeckis ("Forrest Gump") y compartiendo escena con Michael Douglas, Kathleen Turner y Danny DeVito, particularmente con este último en una simpática secuencia cómica dentro de la trama de la misma.
"Chachita" sigue vigente en la actualidad gracias a la televisión, siendo uno de sus últimos éxitos en la misma su participación al lado de los actores William Levy y Maite Perroni en la telenovela "Cuidado con el ángel", de 2008. Muchas felicidades.
Por otro lado, y hablando de la industria del cine hollywoodense, hasta ahi llegó la imponente presencia y talento musical de Anna Mae Bullock, mejor conocida como Tina Turner, quien bajo el primer nombre nació el 26 de noviembre de 1939 en el poblado sureño de Nutbush, Tennessee, y justo a principios de los años 70, como parte todavía del dueto con su entonces esposo Ike Turner, fue cuando hizo su primera aparición frente a las cámaras en su caso en un memorable documental como el protagonizado por los Rolling Stones bajo el título de "Gimme Shelter".
A mediados de la misma década de los 70, ya en solitario, y apareciendo al lado de otra legendaria agrupación británica del rock como The Who y solistas como Elton John y otros más en "Tommy", de 1975, donde Tina Turner hizo su primera gran interpretación en su caso dentro del género musical al interpretar a "La reina del Acido", siendo hasta justo una década después cuando en lo musical sólo interpretó el popular tema "We don't need another hero" pero en lo actoral se enfrentó nada menos que al ganador del Oscar Mel Gibson en la tercera parte de la taquillera serie de películas de "Mad Max" como la villana de la cinta titulada "Mad Max más allá de la cúpula del trueno", en 1985.
En la década de los 90 sin actuar pero basada en su best seller autobiográfico titulado "I Tina" tuvo un "segundo aire" en el cine primero al llegar a la pantalla su adaptación cinematográfica bajo el título de "What's love got to do with it", título de su éxito ganador de varios Grammy, por la cual sus actores protagónicos Angela Bassett y Laurence Fishburne fueron honrados merecidamente con dos nominaciones al Oscar como Mejor Actriz y Mejor Actor de 1993 por interpretar tanto a Tina (Anna Mae) y Ike Turner de manera respectiva, al tiempo que en 1995 fue llamada a interpretar el tema homónimo de la primera cinta de Pierce Brosnan como james Bond "Goldeneye". Muchas felicidades también.
La primera de ellas es Evita Muñoz "Chachita", quien nacida el 26 de noviembre de 1936 en Orizaba, Veracruz, llega hoy a los 74 años de edad. Ella ahora sí que es toda una veterana en el cine puesto que desde que estaba por cumplir los 4 años de edad pisó los sets cinematográficos al formar parte del elenco de "El secreto del sacerdote", al lado de una figura de la talla de Pedro Arméndariz, bajo la dirección del maestro Joselito Rpdríguez, y fue precisamente él y no su hermano Ismael como muchos creen a quien se debe que la actriz haya adoptado el nombre de "Chachita" puesto que fue antes que "Nosotros los pobres", su película emblemática, porque fue el realizador el que le dio al personaje que interpretó en la segunda película de Evita Muñoz que fue la muy taquillera "¡Ay, Jalsico, no te rajes"!, de 1941, al lado de otro ícono de la Epoca de Oro del Cine Mexicano como Jorge Negrete el apodo de "Chachita".
Ese mismo mote fue el que la popularizó desde 1947 hasta la fecha al ser dirigida por el mencionado maestro ismael Rodríguez junto a figuras de la talla de Pedro Infante, Blanca Estela Pavón, Carmen Montejo, Katy Jurado, Miguel Inclán y otros grandes en el clásico de clásicos "Nosotros los pobres", la cual se convirtió a su vez en una de las primeras trilogías del cine no sólo mexicano sino internacional con secuelas como las de "Ustedes los ricos", de 1948, y "Pepe el Toro", de 1952, siendo "Chachita" junto a "Pepe el Toro" la única "sobreviviente" de la historia hasta su tercera entrega.
"Chachita" creció así en los sets cinematográficos teniendo como pareja ya en su juventud a su pareja desde "Nosotros los pobres" Freddy Fernández "El Pichi", repitiendo los dos en muchas de ellas sus conocidos apodos, y en los años 70 ya en el género de la televisión hizo otro personaje emblemático como la hermana Carmela de la popularísima telenovela "Mundo de juguete" donde compartió créditos junto a las desaparecidas actrices Sara garcía, Gloria Marín e Irán Eory, entre otras más.
En los años 80 "Chachita" no sólo siguió muy vigente en televisión sino también en el cine, ya que a pesar de que nuestra industria se debatía entre la vasta continuidad de películas de ficheras y narcos y las pocas ofertas d ecine de autor que se producían por entonces, ya que mientras continuaba cosechando éxitos en la televisión gracias ya como adultos a la pareja con Freddy Fernández en la teleserie "Nosotros los Gómez" en el cine nacional seguía haciendo personajes que le siguieron garantizando mucha taquilla en su tiempo como sucedió al interpretar en 1983 a la protagonista del comic "Hermelinda Linda", bajo la dirección del también actor de origen coahuilense Julio Aldama, cuyo gran éxito en los cines propició una consabida secuela en 1986.
Con todo, entre esas dos películas la actriz fue convocada junto a otros actores mexicanos como el también director Alfonso Arau y el primer actor Manuel Ojeda a formar parte del elenco nacional de la muy exitosa producción hollywoodense "Dos bribones tras la esmeralda perdida" ("Romancing the stone"), en 1984, siendo ahí dirigida por el ganador del Oscar Robert Zemeckis ("Forrest Gump") y compartiendo escena con Michael Douglas, Kathleen Turner y Danny DeVito, particularmente con este último en una simpática secuencia cómica dentro de la trama de la misma.
"Chachita" sigue vigente en la actualidad gracias a la televisión, siendo uno de sus últimos éxitos en la misma su participación al lado de los actores William Levy y Maite Perroni en la telenovela "Cuidado con el ángel", de 2008. Muchas felicidades.
Por otro lado, y hablando de la industria del cine hollywoodense, hasta ahi llegó la imponente presencia y talento musical de Anna Mae Bullock, mejor conocida como Tina Turner, quien bajo el primer nombre nació el 26 de noviembre de 1939 en el poblado sureño de Nutbush, Tennessee, y justo a principios de los años 70, como parte todavía del dueto con su entonces esposo Ike Turner, fue cuando hizo su primera aparición frente a las cámaras en su caso en un memorable documental como el protagonizado por los Rolling Stones bajo el título de "Gimme Shelter".
A mediados de la misma década de los 70, ya en solitario, y apareciendo al lado de otra legendaria agrupación británica del rock como The Who y solistas como Elton John y otros más en "Tommy", de 1975, donde Tina Turner hizo su primera gran interpretación en su caso dentro del género musical al interpretar a "La reina del Acido", siendo hasta justo una década después cuando en lo musical sólo interpretó el popular tema "We don't need another hero" pero en lo actoral se enfrentó nada menos que al ganador del Oscar Mel Gibson en la tercera parte de la taquillera serie de películas de "Mad Max" como la villana de la cinta titulada "Mad Max más allá de la cúpula del trueno", en 1985.
En la década de los 90 sin actuar pero basada en su best seller autobiográfico titulado "I Tina" tuvo un "segundo aire" en el cine primero al llegar a la pantalla su adaptación cinematográfica bajo el título de "What's love got to do with it", título de su éxito ganador de varios Grammy, por la cual sus actores protagónicos Angela Bassett y Laurence Fishburne fueron honrados merecidamente con dos nominaciones al Oscar como Mejor Actriz y Mejor Actor de 1993 por interpretar tanto a Tina (Anna Mae) y Ike Turner de manera respectiva, al tiempo que en 1995 fue llamada a interpretar el tema homónimo de la primera cinta de Pierce Brosnan como james Bond "Goldeneye". Muchas felicidades también.
El primer martes de noviembre coincide no sólo con la celebración del Día de Muertos sino con el aniversario número 35 de la muerte de uno de los cineastas más célebres y polémicos de Italia.
Su nombre era el de Pier Paolo Pasolini, un artista que alcanzó fama y notoriedad mucho antes de ser reconocido como el emblemático cineasta que fue. Nacido el 5 de marzo de 1922 en la provincia de Boloña, Emilia-Romana, en Italia, para cuando Pasolini consiguió la publicación de su poesía a los 19 años de edad, ya había escrito numerosas novelas y ensayos antes de su primer guión cinematográfico de 1954.
Precisamente por ese firme oficio en la escritura que por años cultivó fue que a raíz de su primer guión un grande como Federico Fellini no dudó en invitarlo a colaborar en guiones de emblemáticas obras suyas como lo fueron "Las noches de Cabiria", en 1956, y "La dolce vita", en 1960 (aunque en esta última sin crédito), lo cual dio seguridad al autor para desarrollar su ópera prima de 1961 "Acattone", la cual basada en su propia novela del mismo nombre retrataba la violenta vida de un padrote de los barrios bajos de Roma con un realismo y crudeza que causó sensación por ser un estilo no muy abrazado por sus colegas cineastas de aquel tiempo.
Al año siguiente de 1962 Pasolini fue arrestado por su contribución a la compilación de cuatro cortos que complementaban además del suyo uno de Godard, otro de Roberto Rosellini y otro de Ugo Gregoretti denominado por lo mismo como "Ro.Go.Pa.G." ya que en su historia representaba la vida de Jesucristo en un entorno real y de miseria que era lo que más gustaba retratar, y aún y cuando fue considerado un blasfemo su sentencia fue suspendida parecía que iba a "volver a las andadas" como el ateo marxista que se autodenominaba al anunciar que su siguiente proyecto se iba a titular "El Evangelio según San Mateo".
Con todo, contrario a lo que el público de su tiempo pudiera pensar, "El Evangelio ..." resultó ser una de las más bellas representaciones de la vida de Jesús en el cine a pesar de haberse realizado con el realismo que caracterizó siempre a Pasolini en sus obras pero con un respeto al tema que justificó por haberla dedicado a su madre, una devota católica italiana. El filme no sólo ganó el Premio del Jurado del Festival de Cine de Venecia sino que fue nominado a 3 Oscares en las ternas de Mejor Vestuario, Mejor Dirección de Arte y Mejor Música de Luis Bacalov, el mismo que años después ganaría su respectiva estatuilla por la música de "El cartero", de 1995.
El resto de la obra de Pasolini alternaría escandalosas adaptaciones de clásicos textos literarios como "Edipo Rey", de 1967, con proyectos más personales que expresaban sus propias posturas hacia el ateísmo, el marxismo y la homosexualidad como sucediera con su clásico "Teorema", de 1968, falleciendo en la víspera del estreno de su obra cumbre "Saló ó los 120 días de Sodoma", el 2 de noviembre de 1975 al ser asesinado por un joven de 17 años que argumentó defensa propia por quererse propasar en apariencia Pasolini sexualmente con él. Una vida y muerte tan controvertida como su obra fílmica en general.
Su nombre era el de Pier Paolo Pasolini, un artista que alcanzó fama y notoriedad mucho antes de ser reconocido como el emblemático cineasta que fue. Nacido el 5 de marzo de 1922 en la provincia de Boloña, Emilia-Romana, en Italia, para cuando Pasolini consiguió la publicación de su poesía a los 19 años de edad, ya había escrito numerosas novelas y ensayos antes de su primer guión cinematográfico de 1954.
Precisamente por ese firme oficio en la escritura que por años cultivó fue que a raíz de su primer guión un grande como Federico Fellini no dudó en invitarlo a colaborar en guiones de emblemáticas obras suyas como lo fueron "Las noches de Cabiria", en 1956, y "La dolce vita", en 1960 (aunque en esta última sin crédito), lo cual dio seguridad al autor para desarrollar su ópera prima de 1961 "Acattone", la cual basada en su propia novela del mismo nombre retrataba la violenta vida de un padrote de los barrios bajos de Roma con un realismo y crudeza que causó sensación por ser un estilo no muy abrazado por sus colegas cineastas de aquel tiempo.
Al año siguiente de 1962 Pasolini fue arrestado por su contribución a la compilación de cuatro cortos que complementaban además del suyo uno de Godard, otro de Roberto Rosellini y otro de Ugo Gregoretti denominado por lo mismo como "Ro.Go.Pa.G." ya que en su historia representaba la vida de Jesucristo en un entorno real y de miseria que era lo que más gustaba retratar, y aún y cuando fue considerado un blasfemo su sentencia fue suspendida parecía que iba a "volver a las andadas" como el ateo marxista que se autodenominaba al anunciar que su siguiente proyecto se iba a titular "El Evangelio según San Mateo".
Con todo, contrario a lo que el público de su tiempo pudiera pensar, "El Evangelio ..." resultó ser una de las más bellas representaciones de la vida de Jesús en el cine a pesar de haberse realizado con el realismo que caracterizó siempre a Pasolini en sus obras pero con un respeto al tema que justificó por haberla dedicado a su madre, una devota católica italiana. El filme no sólo ganó el Premio del Jurado del Festival de Cine de Venecia sino que fue nominado a 3 Oscares en las ternas de Mejor Vestuario, Mejor Dirección de Arte y Mejor Música de Luis Bacalov, el mismo que años después ganaría su respectiva estatuilla por la música de "El cartero", de 1995.
El resto de la obra de Pasolini alternaría escandalosas adaptaciones de clásicos textos literarios como "Edipo Rey", de 1967, con proyectos más personales que expresaban sus propias posturas hacia el ateísmo, el marxismo y la homosexualidad como sucediera con su clásico "Teorema", de 1968, falleciendo en la víspera del estreno de su obra cumbre "Saló ó los 120 días de Sodoma", el 2 de noviembre de 1975 al ser asesinado por un joven de 17 años que argumentó defensa propia por quererse propasar en apariencia Pasolini sexualmente con él. Una vida y muerte tan controvertida como su obra fílmica en general.
Saturday, October 2, 2010
2 DE OCTUBRE NO SE OLVIDA ... NI OLVIDAMOS A SUS CREADORES
// Labels: 2 de Octubre
Este día emblemático dentro de la historia de México de la segunda mitad del siglo XX no sólo vamos a hablar de cintas que de alguna manera retrataron la convulsionada realidad que rodeó aquella fecha sino a creadores del cine actual que nacieron en un día como hoy pero de otros años.
La película documental más explícita de aquel día que representó el antes y después del México contemporáneo no sabemos si aún exista ó quedó sepultada, enlatada ó destruida por quienes la tuvieron en sus manos después de que el aclamado cineasta Servando González, director de clásicos como "Viento negro", de 1964, ó "El escapulario", de 1966, fue comisionado por la SEDENA no sólo para filmar el movimiento estudiantil y captar con ocho cámaras los sucesos del 2 de octubre de Tlatelolco.
En su lugar, la cinta que captó hasta donde pudo llegar según los recursos y limitaciones propias del momento y su situación frente a las autoridades represoras de aquel tiempo, fue el documental "El grito", de Leobardo López Arretche, entonces estudiante de cine del CUEC el cual estructurado según lo indica la escritora Perla Ciuk en su "Diccionario de directores del cine mexicano" (CONACULTA) se divide en cuatro bloques temporales correspondientes a cada uno de los meses previos a la fatídica fecha siendo en "Julio" los antecedentes; "Agosto", el desarrollo del movimiento y su creciente politización; "Septiembre", el rechazo al diálogo, la condena a la protesta estudiantil en el informe presidencial y la respuesta de los constestatarios y "Octubre", el desenlace trágico con la masacre en la Plaza de las Tres Culturas.
En 2008, aprovechando el 40 aniversario del suceso, se sacó en DVD bajo el sello de Cinema Films (http://www.cinemafilms.com.mx/) una edición de colección que incluye el documental original de 102 minutos de duración; comunicados cinematográficos del Consejo Nacional de Huelga; el documental "Mural efímero", de Raúl Kamffer; Testominios titulados "Memorial 68"; una galería de fotos inéditas por estudiantes del CUEC y el artículo "El movimiento estudiantil", de Jorge Ayala Blanco, del libro "La búsqueda del cine mexicano" (1968-1972). México, UNAM, 1974. Vale mucho la pena como un documento fílmico e histórico de toda esta época.
Con la consabida censura que con respecto a estos temas le dio el gobierno echeverrista de los años 70 al cine, sólo un director con las agallas del cineasta Felipe Cazals se pudo hacer en una película como "Canoa", de 1975, aproximarse a través de la ficción de un hecho real aparentemente distante de la Plaza de las Tres Culturas de 1968 puesto que narraba los antecedentes dle linchamiento en un municipio de Puebla de un grupo de estudiantes de la Universidad por parte de los habitantes de un pueblo movidos por el fanatismo que impulsaba un sacerdote agitador.
Así, en una especie de docuficción, Cazals nos empapó de los temores, las inquietudes, los miedos, las aspiraciones, de diversos sectores de un pueblo sometido tanto por las autoridades políticas como las religiosas dentro de un microcosmos que no era otra cosa que el malestar social generalizado que llevó a finales de los años 60 y a principios de los 70 en los detonadores de movimientos como el del 68 ó el 71 del jueves de Corpus en el Distrito Federal.
Dentro de la clandestinidad creativa que prosiguió durante los gobiernos de López Portillo y Miguel de la Madrid, en los albores de un aparentemente "alentador" gobierno en lo que al "renacimiento" del cine mexicano se refiere, fue que en 1988 el primer actor Héctor Bonilla apoyado en la producción por el prolífico cineasta Valentín Trujillo se rodeó desde un director de primer nivel como Jorge Fons hasta primeros actores y otros de gran potencial de una nueva generación para filmar "Rojo Amanecer", una ficción empapada de la realidad vivida aquel día por tantas familias de los edificios aledaños a la Plaza de las Tres Culturas y el muy posible desenlace de las vidas de la mayoría de ellos.
Con todo, a pesar de que "Rojo amanecer" tuvo una corrida comercial en 1990 con más apoyos que frenos debido a la política de "libertad creativa" que también propició el estreno 30 años después de enlatada de "la sombra del caudillo", del maestro Julio Bracho, la mayoría del resto de los filmes del salinato apoyaron las válidas propuestas de nuevos realizadores que si bien no buscaban politización en sus filmes buscaban variedad en sus propuestas como lo fueron la épica romántica de "Como agua para chocolate", de Alfonso Arau; la comedia "moral" y de muy buen amanufactura "Sólo con tu pareja", de Alfonso Cuarón; anticuarios de Guadalajara convertidos en vampíros en "Cronos", de Guillermo del Toro ó el feminismo intimista explorado por María Novaro en "Danzón", entre muchas otras más.
Con Zedillo el cine mexicano tocó fondo principalmente por falta de alientos económicos pero curiosamente con "el cambio" al panismo de Fox su falta de autoridad con el cine fue el mejor apoyo que pudo darle puesto que desde la entrada del nuevo milenio una audaz ópera prima como "Amores perros", de Alejandro González Iñárritu, le dio nuevos bríos a la alícaída industria a la que le siguió en particular una filme igualmente parteaguas para ese sexenio que curiosamente además de tener muchos ecos en la "Canoa" de Felipe Cazals tenía involucrados en su producción a dos creadores nacidos un dos de octubre que en conjunto realizaron un drama poco convencional del "coming of age" de dos adolsecentes cargado de erotismo pero también de referencias sociopolíticas y culturales que mantenían latente un explosivo listo para epxlotar en cualquier momento.
El filme en cuestión fue "Y tu mamá también", el regreso de Alfonso Cuarón a filmar a México y en español en el que en conjunción con su hermano Carlos (nacido el 2 de octubre de 1966 en la Ciudad de México) al tiempo que hacían un homenaje al "Canoa" de Cazals al seguir una estructura narrativa de la historia lineal que contaban dando saltos con "salpicadas" de la cruda realidad que rodeaba a sus protagonistas principales, pero a la vez dando un "segundo aire" a la filmografía de una actriz nacida el 2 de octubre de 1970 en Madrid, España, Maribel Verdú, reconocida la década anterior por importantes filmes españoles que van de la ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera de 1992, "Belle Epoque", de Fernando Trueba hasta su papel de la Duquesa de Alba en la biografía "Goya en Burdeos", de Carlos Saura, en 1999.
La rebelión imprimió Maribel Verdú a su papel de Luisa Cortés, la bella española que "conquista" a Julio Zapata (Gael García Bernal) y Tenoch Iturbide (Diego Luna) antes de que en la expansión de su libertad las pasiones compartidas los lleve a darse un beso entre ellos dos, no pasó desapercibida para otro de los cineastas pertenecientes a la generación del "nuevo cine mexicano" de los años 90, el tapatío Guillermo del Toro, quien no dudó en integrarla a su próximo proyecto, "El laberinto del fauno", deonde la Verdú imprimió a su Mercedes ese espíritu de libertad que alentó la creatividad de todos los cineastas activos alrededor del 2 de octubre de 1968 ... ó también a los nacidos alrededor de aquellos años en un día con fecha similar. Felicidades a todos ellos en donde quiera que estén.
La película documental más explícita de aquel día que representó el antes y después del México contemporáneo no sabemos si aún exista ó quedó sepultada, enlatada ó destruida por quienes la tuvieron en sus manos después de que el aclamado cineasta Servando González, director de clásicos como "Viento negro", de 1964, ó "El escapulario", de 1966, fue comisionado por la SEDENA no sólo para filmar el movimiento estudiantil y captar con ocho cámaras los sucesos del 2 de octubre de Tlatelolco.
En su lugar, la cinta que captó hasta donde pudo llegar según los recursos y limitaciones propias del momento y su situación frente a las autoridades represoras de aquel tiempo, fue el documental "El grito", de Leobardo López Arretche, entonces estudiante de cine del CUEC el cual estructurado según lo indica la escritora Perla Ciuk en su "Diccionario de directores del cine mexicano" (CONACULTA) se divide en cuatro bloques temporales correspondientes a cada uno de los meses previos a la fatídica fecha siendo en "Julio" los antecedentes; "Agosto", el desarrollo del movimiento y su creciente politización; "Septiembre", el rechazo al diálogo, la condena a la protesta estudiantil en el informe presidencial y la respuesta de los constestatarios y "Octubre", el desenlace trágico con la masacre en la Plaza de las Tres Culturas.
En 2008, aprovechando el 40 aniversario del suceso, se sacó en DVD bajo el sello de Cinema Films (http://www.cinemafilms.com.mx/) una edición de colección que incluye el documental original de 102 minutos de duración; comunicados cinematográficos del Consejo Nacional de Huelga; el documental "Mural efímero", de Raúl Kamffer; Testominios titulados "Memorial 68"; una galería de fotos inéditas por estudiantes del CUEC y el artículo "El movimiento estudiantil", de Jorge Ayala Blanco, del libro "La búsqueda del cine mexicano" (1968-1972). México, UNAM, 1974. Vale mucho la pena como un documento fílmico e histórico de toda esta época.
Con la consabida censura que con respecto a estos temas le dio el gobierno echeverrista de los años 70 al cine, sólo un director con las agallas del cineasta Felipe Cazals se pudo hacer en una película como "Canoa", de 1975, aproximarse a través de la ficción de un hecho real aparentemente distante de la Plaza de las Tres Culturas de 1968 puesto que narraba los antecedentes dle linchamiento en un municipio de Puebla de un grupo de estudiantes de la Universidad por parte de los habitantes de un pueblo movidos por el fanatismo que impulsaba un sacerdote agitador.
Así, en una especie de docuficción, Cazals nos empapó de los temores, las inquietudes, los miedos, las aspiraciones, de diversos sectores de un pueblo sometido tanto por las autoridades políticas como las religiosas dentro de un microcosmos que no era otra cosa que el malestar social generalizado que llevó a finales de los años 60 y a principios de los 70 en los detonadores de movimientos como el del 68 ó el 71 del jueves de Corpus en el Distrito Federal.
Dentro de la clandestinidad creativa que prosiguió durante los gobiernos de López Portillo y Miguel de la Madrid, en los albores de un aparentemente "alentador" gobierno en lo que al "renacimiento" del cine mexicano se refiere, fue que en 1988 el primer actor Héctor Bonilla apoyado en la producción por el prolífico cineasta Valentín Trujillo se rodeó desde un director de primer nivel como Jorge Fons hasta primeros actores y otros de gran potencial de una nueva generación para filmar "Rojo Amanecer", una ficción empapada de la realidad vivida aquel día por tantas familias de los edificios aledaños a la Plaza de las Tres Culturas y el muy posible desenlace de las vidas de la mayoría de ellos.
Con todo, a pesar de que "Rojo amanecer" tuvo una corrida comercial en 1990 con más apoyos que frenos debido a la política de "libertad creativa" que también propició el estreno 30 años después de enlatada de "la sombra del caudillo", del maestro Julio Bracho, la mayoría del resto de los filmes del salinato apoyaron las válidas propuestas de nuevos realizadores que si bien no buscaban politización en sus filmes buscaban variedad en sus propuestas como lo fueron la épica romántica de "Como agua para chocolate", de Alfonso Arau; la comedia "moral" y de muy buen amanufactura "Sólo con tu pareja", de Alfonso Cuarón; anticuarios de Guadalajara convertidos en vampíros en "Cronos", de Guillermo del Toro ó el feminismo intimista explorado por María Novaro en "Danzón", entre muchas otras más.
Con Zedillo el cine mexicano tocó fondo principalmente por falta de alientos económicos pero curiosamente con "el cambio" al panismo de Fox su falta de autoridad con el cine fue el mejor apoyo que pudo darle puesto que desde la entrada del nuevo milenio una audaz ópera prima como "Amores perros", de Alejandro González Iñárritu, le dio nuevos bríos a la alícaída industria a la que le siguió en particular una filme igualmente parteaguas para ese sexenio que curiosamente además de tener muchos ecos en la "Canoa" de Felipe Cazals tenía involucrados en su producción a dos creadores nacidos un dos de octubre que en conjunto realizaron un drama poco convencional del "coming of age" de dos adolsecentes cargado de erotismo pero también de referencias sociopolíticas y culturales que mantenían latente un explosivo listo para epxlotar en cualquier momento.
El filme en cuestión fue "Y tu mamá también", el regreso de Alfonso Cuarón a filmar a México y en español en el que en conjunción con su hermano Carlos (nacido el 2 de octubre de 1966 en la Ciudad de México) al tiempo que hacían un homenaje al "Canoa" de Cazals al seguir una estructura narrativa de la historia lineal que contaban dando saltos con "salpicadas" de la cruda realidad que rodeaba a sus protagonistas principales, pero a la vez dando un "segundo aire" a la filmografía de una actriz nacida el 2 de octubre de 1970 en Madrid, España, Maribel Verdú, reconocida la década anterior por importantes filmes españoles que van de la ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera de 1992, "Belle Epoque", de Fernando Trueba hasta su papel de la Duquesa de Alba en la biografía "Goya en Burdeos", de Carlos Saura, en 1999.
La rebelión imprimió Maribel Verdú a su papel de Luisa Cortés, la bella española que "conquista" a Julio Zapata (Gael García Bernal) y Tenoch Iturbide (Diego Luna) antes de que en la expansión de su libertad las pasiones compartidas los lleve a darse un beso entre ellos dos, no pasó desapercibida para otro de los cineastas pertenecientes a la generación del "nuevo cine mexicano" de los años 90, el tapatío Guillermo del Toro, quien no dudó en integrarla a su próximo proyecto, "El laberinto del fauno", deonde la Verdú imprimió a su Mercedes ese espíritu de libertad que alentó la creatividad de todos los cineastas activos alrededor del 2 de octubre de 1968 ... ó también a los nacidos alrededor de aquellos años en un día con fecha similar. Felicidades a todos ellos en donde quiera que estén.
Friday, October 1, 2010
"LAS COLINAS ESTAN VIVAS, CON EL SONIDO DE LA MUSICA"
// Labels: Julie Andrews
Hoy iniciamos el mes de octubre con una celebración como pocas en un 1 de octubre puesto que hace 75 años con exactitud nació una actriz que sigue estando activa hoy día en el cine tanto de acción viva como de animación pero quien por varias décadas ha estado presente generación tras generación con una, dos, tres ó más de los clásicos principalmente musicales en los que ha participado en su filmografía.
Nació con el nombre de Julia Elizabeth Wells el 1 de octubre de 1935 en Inglaterra pero para los cinéfilos del mundo es conocida como Julie Andrews, la misma que en el año de 1964 ante la sorpresa de muchos le arrebató con la distinción que siempre la ha caracterizado el Oscar a la Mejor Actriz a otra presencia icónica femeina del cine, Audrey Hepburn, gracias a su desempeño en el clásico con el sello de Walt Disney "Mary Poppins" a pesar de que competía nada menos que contra la protagonista del musical que ganó el Oscar a la Mejor Película del año: "Mi bella dama" ("My fair lady").
Sin embargo, el aplomo de la Andrews no se quedó ahí, y para quienes todavía dudaban si su premio por el papel de la nodriza de unos caprichosos niños londinenses había sido merecido tan pronto como al año siguiente si bien no "dobleteó" su Oscar como Mejor Actriz (este lo obtuvo la también inglesa y "tocaya" Julie Christie por su papel en "Darling", del maestro John Schlesinger) fue ahora sí la protagonista de la ganadora a la Mejor Película de 1965 que si bien en inglés fue conocida bajo el título de "The sound of music", de otro maestrazo del género musical como Robert Wise, en el mundo en castellano conocimos desde entonces como otro clásico musical titulado "La novicia rebelde".
Ahí la Andrews brilló como la novicia del título que en los albores de la Segunda Guerra Mundial abandona el convento austriaco en el que vive para convertirse en otra nodriza, en su caso de los hijos de un oficial de la Marina británica viudo (Christopher Plummer) para enseñarles precisamente "el sonido de la música" a través de temas que se siguen coreando como "The sound of music", "Do re mi" y otras más.
Al año siguiente de 1966 Julie Andrews gozó de otro privilegio de pocas actrices de su generación: trabajar bajo las órdenes del "amo del suspenso", Sir Alfred Hitchock, en el thriller donde compartió créditos con otro ganador del Oscar como el desaparecido actor Paul Newman "La cortina rasgada".
Quizás para no propiciar aquella controversia que en todos lados se da de que en el medio del cine también se da aquello del "nepotismo" fue hasta justo una década después que únicamente con su voz cantando sin crédito en la cinta de la autoría de su marido, el realizador norteamericano Blake Edwards, "La pantera rosa ataca de nuevo", de 1976, no había coincidido en trabajar bajo sus órdenes, pero cerró esa misma década "con broche de oro" finalmente apareciendo a cuadro en la muy taquillera comedia "10: La mujer perfecta", de 1979, donde compartió créditos con el también desaparecido comediante Dudley Moore y "el gancho" de taquilla que fue la hoy desaparecida actriz Bo Derek.
Sin embargo, fue el mismo Edwards quien le dio muy merecidamente a la Andrews el protagónico de un inusual musical que a partir de su estreno en 1982 hizo historia puesto que bajo el título de "Víctor/Victoria" la señora Andrews no sólo obtuvo con justicia su tercera y última nominación al Oscar a la fecha como Mejor Actriz por su papel de una mujer que se hace pasar por hombre que a su vez se hace pasar por mujer en esta gran comedia musical que inclusive en nuestro país acaba de ser muy exitosa hace todavía un par de años protagonizada por nuestra primera actriz Daniela Romo.
Un segundo ó tercer aire en la carrera de Julie Andrews (por ya encontrarse en la tercera edad) se dio con el inicio del nuevo milenio al "amadrinar" a la reciente nominada al Oscar Anne Hathaway como actriz en la no menos exitosa "Los diarios de la princesa", de 2001, bajo la dirección del responsable de éxitos como "Mujer bonita", Garry Marshall, quien volvió a llamar a la señora Andrews para interpretar a la abuela de la princesa en la secuela del filme del 2004, año en el que Julie Andrews inició otra etapa en su carrera, ahora para darle la voz en su caso a la mamá de otra princesa, Fiona, de la saga de "Shrek" a partir de "Shrek 2, también del 2004, hasta el capítulo final de este año de 2010.
De entonces a ahora Julie Andrews ha participado en otras exitosas películas del género al darle voz a la narradora del éxito "Encantada", otra con el sello de Walt Disney, en 2007, para desembocar en este año tanto en presencia física como "la jefa" de Billy Crystal y The Rock en "Hada por accidente" ("Tooth fairy") ó la mamá del comediante Steve Carrell en la voz en inglés de la madre del villano del éxito veraniego "Mi villano favorito". Enhorabuena, bella señora, y que sigan los éxitos ya que gracias a usted, al menos en el cine musical, "las colinas están vivas, con el sonido de la música".
Nació con el nombre de Julia Elizabeth Wells el 1 de octubre de 1935 en Inglaterra pero para los cinéfilos del mundo es conocida como Julie Andrews, la misma que en el año de 1964 ante la sorpresa de muchos le arrebató con la distinción que siempre la ha caracterizado el Oscar a la Mejor Actriz a otra presencia icónica femeina del cine, Audrey Hepburn, gracias a su desempeño en el clásico con el sello de Walt Disney "Mary Poppins" a pesar de que competía nada menos que contra la protagonista del musical que ganó el Oscar a la Mejor Película del año: "Mi bella dama" ("My fair lady").
Sin embargo, el aplomo de la Andrews no se quedó ahí, y para quienes todavía dudaban si su premio por el papel de la nodriza de unos caprichosos niños londinenses había sido merecido tan pronto como al año siguiente si bien no "dobleteó" su Oscar como Mejor Actriz (este lo obtuvo la también inglesa y "tocaya" Julie Christie por su papel en "Darling", del maestro John Schlesinger) fue ahora sí la protagonista de la ganadora a la Mejor Película de 1965 que si bien en inglés fue conocida bajo el título de "The sound of music", de otro maestrazo del género musical como Robert Wise, en el mundo en castellano conocimos desde entonces como otro clásico musical titulado "La novicia rebelde".
Ahí la Andrews brilló como la novicia del título que en los albores de la Segunda Guerra Mundial abandona el convento austriaco en el que vive para convertirse en otra nodriza, en su caso de los hijos de un oficial de la Marina británica viudo (Christopher Plummer) para enseñarles precisamente "el sonido de la música" a través de temas que se siguen coreando como "The sound of music", "Do re mi" y otras más.
Al año siguiente de 1966 Julie Andrews gozó de otro privilegio de pocas actrices de su generación: trabajar bajo las órdenes del "amo del suspenso", Sir Alfred Hitchock, en el thriller donde compartió créditos con otro ganador del Oscar como el desaparecido actor Paul Newman "La cortina rasgada".
Quizás para no propiciar aquella controversia que en todos lados se da de que en el medio del cine también se da aquello del "nepotismo" fue hasta justo una década después que únicamente con su voz cantando sin crédito en la cinta de la autoría de su marido, el realizador norteamericano Blake Edwards, "La pantera rosa ataca de nuevo", de 1976, no había coincidido en trabajar bajo sus órdenes, pero cerró esa misma década "con broche de oro" finalmente apareciendo a cuadro en la muy taquillera comedia "10: La mujer perfecta", de 1979, donde compartió créditos con el también desaparecido comediante Dudley Moore y "el gancho" de taquilla que fue la hoy desaparecida actriz Bo Derek.
Sin embargo, fue el mismo Edwards quien le dio muy merecidamente a la Andrews el protagónico de un inusual musical que a partir de su estreno en 1982 hizo historia puesto que bajo el título de "Víctor/Victoria" la señora Andrews no sólo obtuvo con justicia su tercera y última nominación al Oscar a la fecha como Mejor Actriz por su papel de una mujer que se hace pasar por hombre que a su vez se hace pasar por mujer en esta gran comedia musical que inclusive en nuestro país acaba de ser muy exitosa hace todavía un par de años protagonizada por nuestra primera actriz Daniela Romo.
Un segundo ó tercer aire en la carrera de Julie Andrews (por ya encontrarse en la tercera edad) se dio con el inicio del nuevo milenio al "amadrinar" a la reciente nominada al Oscar Anne Hathaway como actriz en la no menos exitosa "Los diarios de la princesa", de 2001, bajo la dirección del responsable de éxitos como "Mujer bonita", Garry Marshall, quien volvió a llamar a la señora Andrews para interpretar a la abuela de la princesa en la secuela del filme del 2004, año en el que Julie Andrews inició otra etapa en su carrera, ahora para darle la voz en su caso a la mamá de otra princesa, Fiona, de la saga de "Shrek" a partir de "Shrek 2, también del 2004, hasta el capítulo final de este año de 2010.
De entonces a ahora Julie Andrews ha participado en otras exitosas películas del género al darle voz a la narradora del éxito "Encantada", otra con el sello de Walt Disney, en 2007, para desembocar en este año tanto en presencia física como "la jefa" de Billy Crystal y The Rock en "Hada por accidente" ("Tooth fairy") ó la mamá del comediante Steve Carrell en la voz en inglés de la madre del villano del éxito veraniego "Mi villano favorito". Enhorabuena, bella señora, y que sigan los éxitos ya que gracias a usted, al menos en el cine musical, "las colinas están vivas, con el sonido de la música".
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