Un día como hoy pero de 1966 nace en Ciudada Acuña, Coahuila, la actriz Lina Santos, quien luego de obtener el título de Miss Coahuila en el año de 1985 tuvo una suerte similar a su paisana coahuilense Patricia Rivera la década anterior al iniciarse casi de inmediato en el cine nacional en su caso dentro de las famosas sexi comedias de aquellos años al debutar en 1986 con "Los lavaderos", de Javier Durán. Su ascenso en el género fue prácticamente vertiginoso aunque también tuvo su incursión en otros géneros como el ranchero ("El macho", de Rafael Villaseñor Kuri, en 1987, al lado del actor y cantante Vicente Fernández y Eulalio González "Piporro"); de drama y aventuras ("El jinete de la divina providencia", de Oscar Blancarte, de 1988, por la cual fueron nominados al Mejor Actor y la Mejor Actriz de aquel año Bruno Rey y Martha Navarro, de manera respectiva) y la comedia blanca en "Mi compadre Capulina" (Víctor Ugalde, 1989), la última película de la filmografía del famoso "Rey del Humorismo Blanco".
A principios de los años 90 Lina Santos sigue reinando en las sexy comedias donde es dirigida por un cineasta del nivel del maestro Felipe Cazals en títulos como "Burbujas de amor" y "Desvestidas y alborotadas", ambas de 1991, e incursiona exitosamente en la televisión en la telenovela "Alcanzar una estrella 2" al lado de actores y cantantes como Sasha Sokol, Pedro Fernández, Eric Rubin, Ricky Martín y Angélica Rivera por lo que en apariencia debido a su agenda sumamente saturada fue que le dijo no a un hoy famoso director texano como Robert Rodríguez en su célebre ópera prima de 1992 "El Mariachi" para la cual Lina Santos fue considerada como la primera opción para ser la protagonista femenina según lo relata Rodriguez en su libro "Rebel without a crew, or how a 23 year old filmmaker with 7,000 became a Hollywood Player" (Dutton Books, 1995): "Carlos (Gallardo) decidió apresurar nuestra suerte al preguntarle a Lina Santos, quien está en Del Río (Texas) por unos días a interpretar el papel de Domino. La llamamos y acordamos una cita para verla el próximo lunes ya que estaríamos por ahí para recoger los detonadores que había pedido a Los Angeles.
Lunes, julio 29, 1991. Cruzamos la frontera hacía Del Río y enviamos un cheque de 2,000 dólares a Allied Film Labs donde íbamos a revelar nuestra película así como transferirla a video para nuestra futura cuenta de servicios. Fuimos a casa de Lina. Nadaba afuera, viendo se como toda una estrella. Nos sentamos, y con nerviosismo le pedimos si nos haría el favor. Le contamos de nuestro plan, de nuestro buen guión y de como necesitábamos vender esta película para hacer dinero y hacer más películas y así ir avanzando por la escalera en orden ascendente.
Le dije que llenaríamos la película del tipo de acción y del trabajo de cámara que los distribuidores no están acostumbrados en ver en este tipo de películas baratas y hechas muy a la carrera pero que con su nombre incluido la haría fácil de vender para el distribuidor. Le pedimos que considerara interpretar el papel estelar femenino de Domino. Ella dijo que tenía que regresar a México el día siguiente para otro trabajo y que chocaría su agenda. Si ella esta libre, regresaría el lunes siguiente por cuatro días y medio" (Ídem, pags. 37-38)
Pero Lina no regreso y el resto es historia. Irónicamente el papel de Domino aunque lo interpreto otra actriz también coahuilense de nombre Consuelo Gomez cuyo trabajo en "El Mariachi" fue su debut y despedida en el cine fue inspiración para un papel que con otros nombres repitieron posteriormente la nominada al Óscar Salma Hayek en "Pistolero", de 1995, también bajo las órdenes de Rodríguez, o de Martha Higareda en la serie del mismo nombre actualmente en transmisiones a través del canal AXN. Las sexi comedias terminaron con la debacle de la industria del cine a finales de la década, de telenovelas de Televisa paso Lina Santos a TV Azteca ("La chacala", 1998) y de ahí de vuelta a Televisa en 2012 vía "Que bonito amor", protagonizada por Jorge Salinas y Danna García. Esperemos pronto haya para Lina Santos más proyectos en el cine y por lo pronto un muy feliz cumple y los mejores deseos!
About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
Un día como hoy pero de 1936 nace en la ciudad de Piedras Negras, Coahuila, Mario Hernández, quien desde pequeño se ve seducido por las historias vistas en la sala de cine al grado de que aprovechando la cercanía de la frontera se decide a lanzarse a la aventura de estudiar cine directamente en la ciudad de Los Angeles, California, donde a principios de los años 60 asiste a tomar clases en UCLA y además de tener de compañero en el aula al célebre cineasta Francis Ford Coppola, autor de un clásico del cine como "El Padrino", tuvo entre sus maestros a grandes directores norteamericanos como lo fueron Frank Capra y Orson Welles.
Fue este último quien con un acento español de la Madre Patria le sugirió regresar a su país para hacer realidad las historias que quería contar y no se equivocó, ya que al hacerlo a principios de la década de los 60 el cine mexicano cuya vasta producción fílmica de la Época de Oro lo alentó a viajar a la Meca del Cine, vivía un alentador "segundo aire" con producciones como "Macario", del maestro Roberto Gavaldon, que en 1960 se convirtió en el primer filme mexicano en ser nominado a un Óscar a la Mejor Película Extranjera de aquel año o bien "Animas Trujano", de otro maestro de la cinematográfica nacional como Ismael Rodríguez, la segunda película mexicana en ser nominada a un Óscar en la misma terna y cuya proyección le tocó ver todavía en Los Angeles estando presente el mismísimo "Padrino", Marlon Brando, quién se manifestó públicamente perturbado por su antológico final pero al ser cuestionado sobre cuál sería su propuesta para cambiar el mismo el astro se limitó a responder: "No lo se".
El caso es que justo a su regreso a México Hernández no pudo estar mejor apadrinado en su debut en el cine mexicano como contador de historias al ser comisionado a trabajar por el mismo maestro Ismael Rodríguez en el guión de otro gran clásico de los años 60, "El hombre de papel", la historia de un pepenador mudo cuya vida cambia radicalmente al encontrarse un billete de 10 mil pesos y que interpretó con la maestría que en la actuación lo caracteriza el mencionado primer actor Ignacio
López Tarso. La historia se basó en un cuento del prestigiado escritor Luis Spota y junto a Hernandez estuvieron colaborando en la adaptación otros grandes de la pluma como Pedro de Urdimalas, colaborador de cabecera de Ismael Rodríguez, y Ricardo Garibay, entre otros.
A "El hombre de papel" le siguió una década muy prolífica a Mario Hernández de colaboraciones con Don Ismael Rodríguez en proyectos como "La mujer del carnicero" y "Autopsia de un fantasma", de 1968; "Cuernos debajo de la cama", de 1969 y "Mi niño Tizoc", de 1972, pero fue a principios de los años 70 cuando su acercamiento al actor, cantante y productor Antonio Aguilar la que detono su imparable carrera como director a partir de su ópera prima de 1973 "La yegua colorada".
Lo que sucedió es que después de trabajar en el guión de "Zapata", donde otro maestro del cine como Felipe Cazals dirigió a Antonio Aguilar en el papel del caudillo del sur en 1970, así como del clásico de culto "Los marcados", un western dirigido por Alberto Mariscal con temática homosexual y que protagonizaron además de Aguilar otros primeros actores como Eric del Castillo, José Carlos Ruiz, Flor Silvestre y Carmen Montejo, en 1971, entre Antonio Aguilar y Hernández se dio una gran química que los llevo a hacer una prolífica mancuerna como actor y director en un total de 34 películas.
En ese conjunto de películas hubo desde comedias rancheras hasta más épicas de héroes revolucionarios o postrevolucionarios como el yuca tecno Felipe Carrillo Puerto en "Peregrina", de 1974; Francisco Villa en "La muerte de Pancho Villa", también de 1974 o el mismo Zapata en "Zapata en Chinameca", en 1987, entre otras más. A principios de los años 80 Mario Hernández fue nominado al Ariel al Mejor Director de 1981 por "Noche de carnaval", filme por el cual quien gano el galardón a la Mejor Actriz fue su protagonista femenina Ninon Sevilla y en 1984 el recientemente fallecido Miguel Ángel Ferriz fue nominado como Mejor Actor de aquel año por "El tonto que hacia milagros" que gano por su parte el Ariel al Mejor Guión escrito en su caso por su paisano coahuilense Francisco Sánchez y Luis Mariano Sabines.
El más reciente largometraje de Mario Hernández es el que estrenó en 2007 en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara "Cementerio de papel", la cual protagonizada por Alberto Estrella, el también coahuilense José Juan Meraz y la activista de origen saltillense Rosario Ibarra de Piedra es una historia sobre la época de la guerra sucia. Actualmente el maestro Hernandez prepara un nuevo largometraje sobre otro tema controvertido: la expropiación petrolera. Muchas felicudades y que sigan los éxitos!
Fue este último quien con un acento español de la Madre Patria le sugirió regresar a su país para hacer realidad las historias que quería contar y no se equivocó, ya que al hacerlo a principios de la década de los 60 el cine mexicano cuya vasta producción fílmica de la Época de Oro lo alentó a viajar a la Meca del Cine, vivía un alentador "segundo aire" con producciones como "Macario", del maestro Roberto Gavaldon, que en 1960 se convirtió en el primer filme mexicano en ser nominado a un Óscar a la Mejor Película Extranjera de aquel año o bien "Animas Trujano", de otro maestro de la cinematográfica nacional como Ismael Rodríguez, la segunda película mexicana en ser nominada a un Óscar en la misma terna y cuya proyección le tocó ver todavía en Los Angeles estando presente el mismísimo "Padrino", Marlon Brando, quién se manifestó públicamente perturbado por su antológico final pero al ser cuestionado sobre cuál sería su propuesta para cambiar el mismo el astro se limitó a responder: "No lo se".
El caso es que justo a su regreso a México Hernández no pudo estar mejor apadrinado en su debut en el cine mexicano como contador de historias al ser comisionado a trabajar por el mismo maestro Ismael Rodríguez en el guión de otro gran clásico de los años 60, "El hombre de papel", la historia de un pepenador mudo cuya vida cambia radicalmente al encontrarse un billete de 10 mil pesos y que interpretó con la maestría que en la actuación lo caracteriza el mencionado primer actor Ignacio
López Tarso. La historia se basó en un cuento del prestigiado escritor Luis Spota y junto a Hernandez estuvieron colaborando en la adaptación otros grandes de la pluma como Pedro de Urdimalas, colaborador de cabecera de Ismael Rodríguez, y Ricardo Garibay, entre otros.
A "El hombre de papel" le siguió una década muy prolífica a Mario Hernández de colaboraciones con Don Ismael Rodríguez en proyectos como "La mujer del carnicero" y "Autopsia de un fantasma", de 1968; "Cuernos debajo de la cama", de 1969 y "Mi niño Tizoc", de 1972, pero fue a principios de los años 70 cuando su acercamiento al actor, cantante y productor Antonio Aguilar la que detono su imparable carrera como director a partir de su ópera prima de 1973 "La yegua colorada".
Lo que sucedió es que después de trabajar en el guión de "Zapata", donde otro maestro del cine como Felipe Cazals dirigió a Antonio Aguilar en el papel del caudillo del sur en 1970, así como del clásico de culto "Los marcados", un western dirigido por Alberto Mariscal con temática homosexual y que protagonizaron además de Aguilar otros primeros actores como Eric del Castillo, José Carlos Ruiz, Flor Silvestre y Carmen Montejo, en 1971, entre Antonio Aguilar y Hernández se dio una gran química que los llevo a hacer una prolífica mancuerna como actor y director en un total de 34 películas.
En ese conjunto de películas hubo desde comedias rancheras hasta más épicas de héroes revolucionarios o postrevolucionarios como el yuca tecno Felipe Carrillo Puerto en "Peregrina", de 1974; Francisco Villa en "La muerte de Pancho Villa", también de 1974 o el mismo Zapata en "Zapata en Chinameca", en 1987, entre otras más. A principios de los años 80 Mario Hernández fue nominado al Ariel al Mejor Director de 1981 por "Noche de carnaval", filme por el cual quien gano el galardón a la Mejor Actriz fue su protagonista femenina Ninon Sevilla y en 1984 el recientemente fallecido Miguel Ángel Ferriz fue nominado como Mejor Actor de aquel año por "El tonto que hacia milagros" que gano por su parte el Ariel al Mejor Guión escrito en su caso por su paisano coahuilense Francisco Sánchez y Luis Mariano Sabines.
El más reciente largometraje de Mario Hernández es el que estrenó en 2007 en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara "Cementerio de papel", la cual protagonizada por Alberto Estrella, el también coahuilense José Juan Meraz y la activista de origen saltillense Rosario Ibarra de Piedra es una historia sobre la época de la guerra sucia. Actualmente el maestro Hernandez prepara un nuevo largometraje sobre otro tema controvertido: la expropiación petrolera. Muchas felicudades y que sigan los éxitos!
Hoy es un día que tiene muchas posibilidades de ser histórico para los mexicanos en el Óscar debido a los pronosticados triunfos de Alfonso Cuaron (Mejor Director por "Gravedad"); Emmanuel "El Chivo" Lubezki (Mejor Fotografía, "Gravedad") y hasta Lupita Nyong'o (Mejor Actriz de Reparto por "12 años de esclavitud"). En los días previos a la ceremonia mucho se ha hablado por los mismo de la historia de Cuaron en el cine, tanto mexicano como internacional, desde su salida de la escuela de cine para darle prioridad a su formación profesional hasta sus primeras dos nominaciones a la estatuilla al Mejor Guión Original de 2002, compartido con su hermano Carlos Cuaron por "Y tu mama también", y Mejor Guión Adaptado de 2006 por "Niños del hombre", de una novela de P.D. James junto a Timothy Sexton, David Areta, Mark Fergus y Hawk Ostby. Lo que pocos saben es que en su etapa de formación profesional como segundo asistente de dirección y mientras trabajaba como tal en la primera película que el también mexicano. Luis Mandoki hacía en coproducción con las grandes ligas hollywoodenses que fue "Gaby, una historia verdadera", de 1987, la historia real dela escritora Gaby Brimmer (Rachel Levin), una joven con discapacidad que en tiempos donde tenía más limitaciones por su condición se impone sobre ella para estudiar y sobresalir en su oficio. Resulta que en una secuencia clave de la película protagonizada, entre otros, por la actriz fetiche del maestro Ingmar Bergman, Liv Ullman; el entonces reciente nominado Robert Loggia ( como Mejor Actor de Reparto de 1985 por "Al filo de la sospecha", de Richard Marquand) y la primera actriz argentina Norma Aleandro, quien recibió por su parte la nominación al Óscar a la Mejor Actriz de Reparto de 1987 por su entrañable personaje de la nana de Gaby Brimmer que más que sus propios padres (Ullman y Loggia) la alentó a salir adelante a pesar de su discapacidad, y al asistir por primera vez a la universidad, entre maravillada como asustada por esa nueva experiencia, de pronto duda al decir presente cuando pasan lista por orden alfabético de nombres de alumnos por apellidos. En pantalla se ven además de la actriz protagónica Rachel Levin a la actriz mexicana Nailea Norbind, en aquellos años muy famosa gracias a su participación en la telenovela juvenil "Quinceañera", y aunque no se ve en pantalla luego de que el maestro da el nombre de "Brimmer, Gaby", y la cámara capta en un plano medio el desconcierto como alegría de la joven, se sigue pasando lista en el orden alfabético de alumnos al que sigue "Cuaron, Alfonso" y se escucha un presente ...puesto que si no se animó el hoy nominado al Óscar a estar entre los extras no podía faltar en el set como segundo asistente de dirección de dicha película que hoy ya es historia también dentro de los proyectos de su filmografía relacionados al premio Óscar. Mucha suerte y enhorabuena Alfonso Cuaron!
Un día como hoy pero de 1926 nace en Londres, Inglaterra, John Richard Schlesinger, mejor conocido como uno de los grande directores ingleses que en la tradición de otros grandes compatriotas suyos como Charles Chaplin, Alfred Hitchcock o David Lean, entre otros, emigro con gran éxito desde su país natal hasta la Meca del Cine siendo en su caso pionero en llevar temas polémicos al cine iniciando con la cinta ganadora del Óscar a la Mejor Película de 1969 "Perdidos en la noche" ("Midnight cowboy"), el único filme hasta la fecha en haber recibido una clasificación X en haber ganado esa distinción. Y es que la única película por la que a su vez el maestro Schlesinger gano el único Oscar de su filmografía al Mejor Director y a su vez le dio su respectivo Oscar al Mejor Guión Adaptado de la novela del mismo nombre al escritor Waldo Salt además de contar la historia de un vaquero texano (Jon Voight) quien al viajar con grandes sueños a Nueva York termina ejerciendo la prostitución, manejaba un subtexto de homosexualidad entre el personaje de Voight con el de otro primer actor como Dustin Hoffman, un vagabundo cojo que en las calles de la Gran Manzana en medio de un crudo invierno conoce al vaquero y le ofrece un espacio en su pequeño departamento iniciando con el un fuerte vínculo de amistad.
Quizás porque a pesar de que la década de los 70 vino a ser un parteaguas en el cine a nivel mundial para muchos temas, y que directores como el norteamericano William Friedkin iniciaba la década llevando al cine la controvertida obra sobre temática homosexual "Los chicos de la banda" que en México monto con no menos éxito y controversia la reconocida dramaturga coahuilense Nancy Cardenas, Schlesinger decidió que el siguiente proyecto después del éxito y reconocimiento de "Perdidos en la noche" fuera un filme que le dio merecidamente una segunda nominación al Óscar como lo fue "Sunday Bloody Sunday", una cinta que protagonizaron los primeros actores Peter Finch y Glenda Jackson acompañados de un joven actor como el futuro cantante de pop Murray Head en una historia de un triángulo amoroso que mantienen un doctor, una mujer divorciada y un joven hippie bisexual que le dio su tercera y última nominación al Óscar al Mejor Director a Schlesinger (la primera fue por "Darling", que por su parte le dio el Óscar a la mejor Actriz de 1965 a su compatriota Julie Christie) así como nominaciones a Finch como el Mejor Actor, Glenda Jackson como la Mejor Actriz y a Oenelope Hillard al Mejor Guión Adaotado de su propia obra teatral.
Aunque el resto del siglo XX el maestro Schelsinger se inclinó por hacer con la eficacia que lo caracteriza películas de otros géneros como lo fueron, entre otras, "Maratón de la muerte", de 1976; "La traición del halcón", de 1985; "Los creyentes", de 1987; "Madame Sousatzka", de 1988; "Pacific Heigths", de 1990 y "Ojo por ojo", de 1996, para iniciando el nuevo milenio hacer la primera película en Hollywood de su filmografía (que irónicamente sería la última) en tener a un protagonista homosexual tanto en la vida real como en la historia de "Una pareja casi perfecta", en el año 2000, donde Rupert Everett interpreta a un gay que tras pasar una noche de copas con su mejor amiga (nada menos que la cantante Madonna) tiene relaciones con ella y la embaraza teniendo que emparentar en tono de comedia las consecuencias de todo esto. Muchas felicidades maestro y gracias por su legado.
Quizás porque a pesar de que la década de los 70 vino a ser un parteaguas en el cine a nivel mundial para muchos temas, y que directores como el norteamericano William Friedkin iniciaba la década llevando al cine la controvertida obra sobre temática homosexual "Los chicos de la banda" que en México monto con no menos éxito y controversia la reconocida dramaturga coahuilense Nancy Cardenas, Schlesinger decidió que el siguiente proyecto después del éxito y reconocimiento de "Perdidos en la noche" fuera un filme que le dio merecidamente una segunda nominación al Óscar como lo fue "Sunday Bloody Sunday", una cinta que protagonizaron los primeros actores Peter Finch y Glenda Jackson acompañados de un joven actor como el futuro cantante de pop Murray Head en una historia de un triángulo amoroso que mantienen un doctor, una mujer divorciada y un joven hippie bisexual que le dio su tercera y última nominación al Óscar al Mejor Director a Schlesinger (la primera fue por "Darling", que por su parte le dio el Óscar a la mejor Actriz de 1965 a su compatriota Julie Christie) así como nominaciones a Finch como el Mejor Actor, Glenda Jackson como la Mejor Actriz y a Oenelope Hillard al Mejor Guión Adaotado de su propia obra teatral.
Aunque el resto del siglo XX el maestro Schelsinger se inclinó por hacer con la eficacia que lo caracteriza películas de otros géneros como lo fueron, entre otras, "Maratón de la muerte", de 1976; "La traición del halcón", de 1985; "Los creyentes", de 1987; "Madame Sousatzka", de 1988; "Pacific Heigths", de 1990 y "Ojo por ojo", de 1996, para iniciando el nuevo milenio hacer la primera película en Hollywood de su filmografía (que irónicamente sería la última) en tener a un protagonista homosexual tanto en la vida real como en la historia de "Una pareja casi perfecta", en el año 2000, donde Rupert Everett interpreta a un gay que tras pasar una noche de copas con su mejor amiga (nada menos que la cantante Madonna) tiene relaciones con ella y la embaraza teniendo que emparentar en tono de comedia las consecuencias de todo esto. Muchas felicidades maestro y gracias por su legado.
Un día como hoy pero de 1945 nace en Los Angeles, California, María de Lourdes Villiers-Farrow, mejor conocida como la actriz Mía Farrow, hija del director de cine John Farrow y de la actriz Maureen O'Sullivan, famosa por haber interpretado a la Jane de la serie de películas de Tarzan protagonizadas por el actor Johnny Weismuller. Es justo a la edad de 20 anios que Mía Farrow comienza a dar de manera firme sus primeros pasos como actriz luego de ganar el Globo de Oro a la debutante más prometedora de 1965 para el resto de la década volver a ser nominada al premio primero a la Mejor Actriz de Televisión de 1966 por la versión para la pantalla chica de "La caldera del diablo" ("Peyton Place"); en 1968 a la Mejor Actriz de Película Dramática por su memorable protagónico en el clásico de terror de Román Polanski "El bebé de Rosemary", al lado de actores como John Cassavettes y la ganadora del Óscar Ruth Gordon, entre otros y en 1969 a la Mejor Actriz de Película de Comedia o Musical por "John and Mary", de Peter Yates, junto al primer actor también ganador del Óscar Dustin Hoffman. Es justo dentro del género del terror que tiene otro éxito taquillero en los años 70 como protagonista de "Terror ciego", de Richard Fleischer, en 1971; en 1974 protagoniza junto al galán Robert Redford la versión del director Jack Clayton de la novela de F. Scott Fitzgerald "El gran Gatsby", ganadora de dos Oscares al Mejor Vestuario y a la Mejor Música de aquel anio y en 1978 de la adaptación del director John Guillermin del texto de Agatha Christie "Muerte en el Nilo", donde actúa junto a primeros actores como Bette Davis y Peter Ustimov, entre otros. Es a partir de 1982 y hasta 1992 que Mía Farrow se convierte en pareja en la vida real pero también en actriz fetiche en la pantalla grandes del aclamado cineasta neoyorkino Woody Allen bajo cuyas órdenes protagoniza filmes que incluyen "Comedia sexual de una noche de verano" (1982); "Broadway Danny Rose" (1984; "La rosa púrpura del Cairo" (1985); "Hannah y sus hermanas" (1986); "Días de radio" y "Septiembre" (1987); "La otra mujer" (1988); "Crímenes y pecados" (1989); "Alice" (1990); "Sombras y niebla" (1991) y "Maridos y esposas", de 1992. Ya alejada de Allen profesional y personalmente Mía Farrow protagoniza a mediados de los 90 junto a Sarah Jessica Parkerr y el español Antonio Banderas la comedia romántica "Rapsodia en Miami", de David Frankel, en 1995, y no es sino hasta justo una década después que vuelve a participar en una película de alto perfil hollywoodense como el no muy afortunado remake del clásico de terror "La profecía", de John Moore, en 2006, protagonizada por los actores Julia Stiles y Lieb Schrieber. Su más reciente trabajo cinematográfico a la fecha ha sido bajo las órdenes del gran realizador norteamericano de cine independiente Todd Solondz de 2011 "Dark Horse", al lado del ganador del Óscar Christopher Walken. Muchas felicidades y que sigan los éxitos!
Un día como hoy también nacieron varias leyendas de Hollywood entre las que vamos a recordar a tres: la primera de ellas es la que hizo historia de manera por demás lamentable al convertirse en el primer actor en recibir no sólo una sino una doble nominación al Óscar al Mejor Actor tanto de 1955 como de 1956, James Dean, nacido el 8 de febrero de 1931 como James Byron Dean en Marion, Indiana. Habiendo completado las filmaciones de un total de tes películas al hilo como lo fueron "Al este del paraíso", de Elia Kazan, de 1955; "Rebelde sin causa", de Nicholas Ray, también de 1955 y "Gigante", de George Stevens, estrenada en 1956, muere en un accidente automovilístico el 30 de septiembre de 1955.
Hablando de Oscares, un día como hoy también pero de 1932 nace en Queens, Nueva York, el prolífico compositor para cine John Williams, ganador en una larga filmografía de cinco premios Oscar de un total de 49 nominaciones a la estatuilla. Los Oscares que ha obtenido son por clásicos como "El violinista en el tejado", de Norman Jewison, en 1971; "Tiburon", de Steven Spielberg, en 1975; "La guerra de las galaxias", de 1977; "E.T. : El extraterrestre", de Steven Spielberg, de 1982 y "La lista de Schindler", también de Spielberg, de 1993.
Y hablando de grandes divas del cine, un día como hoy también pero de 1921 nace en Wallace, Idaho, Julia Jean Mildred Frances Turner, mejor conocida como la memorable "chica del sueter", Lana Turner, recordada por clásicos del cine como la primera versión de "El cartero llama dos veces" (Tay Garnett, 1946); "Cautivos del mal" (Vincente Minnelli, 1952) y "La caldera del diablo", de Mark Robson, que le dio a la Turner su única nominación al Óscar a la Mejor Actriz de 1957. En 1958 Lana Turner protagoniza otro clásico bajo la dirección del maestro Douglas Sirk, "Immitation of life", que le dio por su parte nominaciones a la Mejor Actriz de Reparto a la recientemente desaparecida Juanita Moore pero también a Susan Kohner, quien apareció en aquel filme como hija de Lana Turner pero quien en la vida real es hija de la actriz mexicana Lupita Tovar y madre de los exitosos guionistas y directores hollywoodenses Chris y Paul Weitz. Feliz cumpleaños a todos ellos.
Hablando de Oscares, un día como hoy también pero de 1932 nace en Queens, Nueva York, el prolífico compositor para cine John Williams, ganador en una larga filmografía de cinco premios Oscar de un total de 49 nominaciones a la estatuilla. Los Oscares que ha obtenido son por clásicos como "El violinista en el tejado", de Norman Jewison, en 1971; "Tiburon", de Steven Spielberg, en 1975; "La guerra de las galaxias", de 1977; "E.T. : El extraterrestre", de Steven Spielberg, de 1982 y "La lista de Schindler", también de Spielberg, de 1993.
Y hablando de grandes divas del cine, un día como hoy también pero de 1921 nace en Wallace, Idaho, Julia Jean Mildred Frances Turner, mejor conocida como la memorable "chica del sueter", Lana Turner, recordada por clásicos del cine como la primera versión de "El cartero llama dos veces" (Tay Garnett, 1946); "Cautivos del mal" (Vincente Minnelli, 1952) y "La caldera del diablo", de Mark Robson, que le dio a la Turner su única nominación al Óscar a la Mejor Actriz de 1957. En 1958 Lana Turner protagoniza otro clásico bajo la dirección del maestro Douglas Sirk, "Immitation of life", que le dio por su parte nominaciones a la Mejor Actriz de Reparto a la recientemente desaparecida Juanita Moore pero también a Susan Kohner, quien apareció en aquel filme como hija de Lana Turner pero quien en la vida real es hija de la actriz mexicana Lupita Tovar y madre de los exitosos guionistas y directores hollywoodenses Chris y Paul Weitz. Feliz cumpleaños a todos ellos.
Un día como hoy pero de 1812 nace en Portmouth, Hampshire, Inglaterra, Charles John Huffam Dickens, mejor conocido como el prolífico escritor británico Charles Dickens. Hijo de un trabajador de una oficina de gobierno al que cambiaban de ciudad continuamente, con todo y que era un empleado muy comprometido fue arrestado y encarcelado por haberse hecho de deudas impagables cuando Charles tenía 11 anios de edad por lo que desde esa edad comienza a trabajar en una fábrica para apoyar a su familia numerosa. Eventualmente la economía familiar comenzó a mejorar, por lo cual Charles pudo continuar con sus estudios, convertirse primero en periodista y después en escritor. Todas sus vivencias de la infancia a la época adulta fueron plasmadas en algunas de sus más conocidas obras que han sido llevadas al cine como "Oliver Twist" (que como musical dirigido por Carol Reed fue ganadora del Óscar a la Mejor Película de 1968 y la más reciente adaptación para la pantalla grande fue hecha por el maestro Román Polanski en 2006); "Un cuento de Navidad" o "Grandes esperanzas", desde el clásico en blanco y negro ganador de dos Oscares dirigido por otro grande el cine como David Lean, en 1946 hasta la más reciente adaptación de Mike Newell en 2012 pasando por la aproximación modernista que le dio el mexicano Alfonso Cuaron en 1998 contando en su elenco con ganadores del Óscar de la talla de Gwyneth Paltrow, Anne Bancroft y Robert De Niro además del nominado Ethan Hawke. Este 2014 el legado de Dickens en el cine sigue presente con la película nominada en la categoría del Mejor Vestuario de 2013 por la segunda película como director del actor dos veces nominado al Óscar Ralph Fiennes, "La Mujer. Invisible" donde el mismo Fiennes interpreta a Dickens en uno de los pasajes más tormentosos de su vida personal, cuando en medio de su etapa más critica como escritor mantuvo una relación extramarital con una mujer mientras seguía casado con su esposa Catherine con quien tuvo un total de diez hijos. Muchas felicidades y gracias por su legado!
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