Un día como hoy, pero de 1915, nace en la ciudad de Kenosha, Wisconsin, uno de los más grandes cineastas en la historia del celuloide: Orson Welles.
Hijo de un inventor y de una concertista de piano, desde muy pequeño Orson estuvo expuesto a las artes en las cuales destacó desde muy temprana edad, como lo fueron desde la magia hasta la pintura y el piano las cuales al combiner lo hicieron uno de los grandes genios del cine.
Apasionado primero por el teatro y después por la radio, Welles llevó a su compañía teatral neoyorkina del Mercury Theatre a una popularidad inesperada cuando su radioteatro dominicial de adaptaciones en su mayoría shakesperianas en la víspera de la noche de Halloween de 1938 su adaptación del texto de "La Guerra de los Mundos", de H.G. Welles propició histeria colectiva a lo largo de la Unión Americana al grado que Hollywood no pudo ignorar al llamado "niño genio" que en los tiempos del despunte de la Meca del Cine con megaproducciones como "Lo que el viento se llevó" o "El mago de Oz", en 1939, solo podría concebir para la pantalla grande una obra que impactaría a las masas y trascendería con el paso del tiempo.
Y no se equivocaron, ya que si bien no filmó una obra de la magnitud en producción como "La Guerra de los Mundos" sí lo hizo con una película de inmensidad autoral que por lo mismo es considerada uno de los más grandes debuts u operas primas en la historia del cine como sucedió con "El ciudadano Kane", considerada un parteaguas en el quehacer cinematográfico cuando se estrenó en 1941 y que muchos ignoran tuvo mucho peso en su realización la actriz mexicana Dolores del Río, pareja de Orson Welles en el tiempo en que hacía su transición entre Nueva York y Los Angeles, puesto que siendo la historia ingeniosamente maquillada del magnate de los medios Randolph Hearst Welles desarrolló la anécdota e historia del magnate Hearst alrededor de las confidencias que su amante en la vida real, Marion Davis, le hizo a Dolores en fiestas que coincidieron juntas.
No por nada Dolores del Río fue la pareja que acompañó a Welles al estreno de "El ciudadano Kane" el 1 de mayo de 1941 en Nueva York, e inclusive fue su coprotagonista en una película que Welles codirigió como lo fue "Journey into fear", de 1942, y estaba considerada a su vez a coprotagonizar una version que dirigiría Welles del texto de Federico Gamboa, "Santa", cuyo guión había escrito el mexicano Chano Urueta, antes de que la pareja terminara su relación y Dolores del Río tuviera su "segundo aire" como actriz ya cuarentona pero en su máximo esplendor como musa del cineaste coahuilense Emilio "Indio" Fernandez, a partir de "Flor Silvestre", en 1943.
Pero volviendo a Welles, habiendo implementado al lenguaje cinematográfico logros como la profundidad de campo y los ángulos de cámara que logró gracias a su célebre mancuerna con su fotógrafo Greg Tolland y su guionista Herman J. Mankiewicz con quien obtuvo el único Oscar al Mejor Guión Original de 1941 por la misma, muchos consideran menor su segunda película "The magnificent Ambersons", de 1942, cuando situada en el estado de Indiana en la época del esplendor de la Revolución Industrial es un incisivo estudio de la doble moral norteamericana qúe para no ir tan lejos sigue tan vigente en aquel mismo estado de la Unión Americana donde recientemente causó controversia una ley de "libertades religiosas" que discriminaba a las minorías homosexuales.
Con todo, Welles era demasiada pieza para un Hollywood que en tiempos de guerra clamaba por éxitos de taquilla que como no daban sus reflexivas y literalmente sombrías historias lo llevaron como al mencionado "Indio" Fernandez a "cambalachear" sus adaptaciones shakesperianas a la pantalla grande o más proyectos "de aliento" con su trabajo como actor donde tuvo su respective éxito taquillero a partir de su mancuerna con la también ganadora del Oscar a la Mejor Actriz de 1941, Joan Fontaine, en la version de 1944 de "Jane Eyre", bajo la dirección de Robert Stevenson y una adpatación del clásico texto de Charlotte Bronte de otro grande como Aldous Huxley.
Así, Welles destacó hacienda mancuerna con su esposa Rita Hayworth en clásicos como el thriller "La dama de Shangai", de 1947; combinó su trabajo como director y protagonista de clásicos shakesperianos como "Macbeth", de 1948, con "Otelo", de 1952, con grandes trabajos protagónicos de "El tercer hombre" (Carol Reed, 1949) a la adaptación del texto del novelista William Faulkner de "El largo y ardiente verano" (Martin Ritt, 1958) el mismo año que filmó otro de sus grandes clásicos que fue "Sombras del mal" ("Touch of evil"), donde hizo el personaje antagónico de una historia que protagonizó Charlton Heston como un policía mexicano maquillado casi como negro apenas un año antes de ganar el único Oscar como Mejor Actor de su filmografía la superproducción "Ben Hur", de William Wyler, en 1959.
Con todo, Welles se las siguió ingeniando para sobrevivir a la decadencia de la Epoca de Oro del cine internacional, y justo a partir de la gestación en Europa de la llamada "Nueva Ola" vino a aprovechar ese "segundo aire" del cine a nivel mundial para armar otros grandes proyectos personales como su adaptación de "El proceso", de Kafka, de 1963, o "Campanadas a la medianoche", de 1965, donde además de dirigir interpretó al protagonista Falstaff de este texto shakesperiano y en las que lo acompañó una de las actrices fetiche del tambén llamado movimiento de la "Nouvelle Vague" en Francia, Jeanne Moreaum, los cuales combinaba exitosamente con su trabajo como actor en otras grandes obras como la maxima ganadora de Oscares en 1966 que fue "El hombre de dos reinos", de Fred Zinnemann, donde interpretó el papel del cardenal Wolsey, entre otras.
En los años 70 Welles retomó con éxito su trabajo como narrador que en radio desempeñó al máximo en el cortometraje documental ganador del Oscar "Centinelas del silencio", de 1971, dirigido por Robert Arman y el mexicano Manuel Arango en su version en ingles (la hispana corrió a cargo del también mexicano y orgullosamente coahuilense Ricardo Montalbán), al tiempo que como actor seguía vigente aunque fuera con apariciones breves como la que hizo en la película de "Los Muppets", en 1979.
Los años 80 los inicia nuevamente Welles destacando como narrador en la comedia "La loca historia del mundo", de Mel Brooks, en 1981, falleciendo el 10 de octubre de 1985 a los 70 años de edad y con varios proyectos inconclusos tanto del género documental como de ficción que se han estado estrenando de manera póstuma y del cual todavía se espera el de "El otro lado del viento" justo en occasion del centenario de su natalicio. Muchas felicidades y gracias por su legado.
About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
Un día como hoy pero de 1907 nace en la Ciudad de México el que sería el primer gran fotógrafo de cine mexicano para el mundo, Gabriel Figueroa. Es por ello que hoy vamos a dedicar estos espacios a hacer una breve reseña de la prolífica filmografía de este creador que entre otras cosas fue pionero en el reconocimiento en la Meca del Cine con una primera nominación en la historia del Oscar a un fotógrafo compatriota nuestro en la terna a la Mejor Fotografía de 1964 (en su caso de blanco y negro) por el clásico "La noche de la iguana", del maestro norteamericano John Huston.
Para ese entonces Figueroa ya estaba completando poco más que tres décadas como fotógrafo de cine desde que se inició como tal nada menos que trabajando al lado del célebre cineasta ruso Sergei Eisenstein en el clásico "Qué Viva México", en 1932, cuya estética retomó en la mayor parte de sus colaboraciones con el cineasta coahuilense Emilio "Indio" Fernández.
Justo entre "Qué Viva México" y la primera colaboración con Fernández como director en su primera épica revolucionaria "Flor Silvestre", de 1943, Figueroa filmó obras importantes de la cinematografía nacional de diversos géneros como lo fueron "Allá en el Rancho Grande" y "Vámonos con Pancho Villa", ambas de 1935 y 1936 respectivamente,bajo las órdenes de Fernando de Fuentes; "La noche de los mayas" y "Los de Abajo", de 1939 y 1940, bajo la dirección de Chano Urueta; "¡Ay que tiempos señor Don Simón" y "La virgen que forjó una patria", de 1941 y 1942, de Julio Bracho, entre otras.
Es a partir de "Flor Silvestre" que Figueroa se integra como fotógrafo al "equipo de oro" del cine mexicano que encabezó Emilio "Indio" Fernández como director; el escritor zacatecano Mauricio Magdaleno como guionista y actores y actrices como Pedro Armendáriz, Dolores del Río, María Félix, María Elena Márques, Columba Domínguez y otros más para crear clásicos como la misma "Flor Silvestre"; "María Candelaria"; "Las abandonadas"; "Bugambilia"; "La perla"; "Enamorada"; "Río Escondido"; "Pueblerina"; La malquerida" y otras más.
La identificación con Fernández se dio, entre otras cosas, quizás por el amor a la patria que ambos en un momento de sus vidas abandonaron en pos de sus sueños cinematográficos y los llevaron a picar piedra desde sus respectivas trincheras en Hollywood, y no por nada es que coincidió que al ser uno de los mentores de Figueroa en la Meca del Cine el reconocido fotógrafo de clásicos como "Cumbres borrascosas" (William Wyler, 1939) o "El ciudadano Kane" (Orson Welles, 1941), Gregg Toland, y al verse imposibilitado este último para trabajar como fotógrafo del western "El fugitivo", de 1947, que fue dirigido por el maestro del género John Ford, que Toland recomendó personalmente a Figueroa para dicha encomienda
A partir de la década de los 50 Figueroa inicia otra prolífica y no menos reconocida colaboración con otro cineasta internacional para el mundo, Luis Buñuel, con quien filmó importantes títulos como "Los olvidados" (1950); "El" (1953); "Nazarín" (1958); "El ángel exterminador" (1962); "Simón del desierto" (1964), entre otras.
Otro de los importantes directores del cine nacional con el que trabajó Gabriel Figueroa fue con Roberto Gavaldón, con quien luego de colaborar en clásicos como "El rebozo de soledad", de 1952 o "El niño y la niebla", de 1953, realiza una magistral fotografía en blanco y negro que incluye una inolvidable secuencia en una cueva iluminada sólo con velas en "Macario", que fue a su vez la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la terna de Mejor Película Extranjera en 1960.
Figueroa volvió a formar parte de otra película de manufactura mexicana que fue nominada en la terna a Mejor Película extranjera en 1961 por el trabajo que hizo en "Ánimas Trujano: Un hombre importante", de Ismael Rodríguez, para en 1964 convertirse en el pionero de fotógrafos mexicanos en ser nominado a la Mejor Fotografía en 1964 previo al truinfo obtenido por tros compatriotas y colegas suyos como Guillermo Navarro (por "El laberinto del fauno", de 2007) o Emmanuel Lubezki (por "Gravedad", de 2013 y "Birdman", de 2014). De hecho uno de los últimos trabajos relevantes en la filmografía como fotógrafo del maestro Gabriel Figueroa fue por su última colaboración con el mencionado John Huston en "Bajo el volcán", de 1984, que le dio su respectiva nominación al Oscar al Mejor Actor de aquel año a su protagonista, el actor británico Albert Finney. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Para ese entonces Figueroa ya estaba completando poco más que tres décadas como fotógrafo de cine desde que se inició como tal nada menos que trabajando al lado del célebre cineasta ruso Sergei Eisenstein en el clásico "Qué Viva México", en 1932, cuya estética retomó en la mayor parte de sus colaboraciones con el cineasta coahuilense Emilio "Indio" Fernández.
Justo entre "Qué Viva México" y la primera colaboración con Fernández como director en su primera épica revolucionaria "Flor Silvestre", de 1943, Figueroa filmó obras importantes de la cinematografía nacional de diversos géneros como lo fueron "Allá en el Rancho Grande" y "Vámonos con Pancho Villa", ambas de 1935 y 1936 respectivamente,bajo las órdenes de Fernando de Fuentes; "La noche de los mayas" y "Los de Abajo", de 1939 y 1940, bajo la dirección de Chano Urueta; "¡Ay que tiempos señor Don Simón" y "La virgen que forjó una patria", de 1941 y 1942, de Julio Bracho, entre otras.
Es a partir de "Flor Silvestre" que Figueroa se integra como fotógrafo al "equipo de oro" del cine mexicano que encabezó Emilio "Indio" Fernández como director; el escritor zacatecano Mauricio Magdaleno como guionista y actores y actrices como Pedro Armendáriz, Dolores del Río, María Félix, María Elena Márques, Columba Domínguez y otros más para crear clásicos como la misma "Flor Silvestre"; "María Candelaria"; "Las abandonadas"; "Bugambilia"; "La perla"; "Enamorada"; "Río Escondido"; "Pueblerina"; La malquerida" y otras más.
La identificación con Fernández se dio, entre otras cosas, quizás por el amor a la patria que ambos en un momento de sus vidas abandonaron en pos de sus sueños cinematográficos y los llevaron a picar piedra desde sus respectivas trincheras en Hollywood, y no por nada es que coincidió que al ser uno de los mentores de Figueroa en la Meca del Cine el reconocido fotógrafo de clásicos como "Cumbres borrascosas" (William Wyler, 1939) o "El ciudadano Kane" (Orson Welles, 1941), Gregg Toland, y al verse imposibilitado este último para trabajar como fotógrafo del western "El fugitivo", de 1947, que fue dirigido por el maestro del género John Ford, que Toland recomendó personalmente a Figueroa para dicha encomienda
A partir de la década de los 50 Figueroa inicia otra prolífica y no menos reconocida colaboración con otro cineasta internacional para el mundo, Luis Buñuel, con quien filmó importantes títulos como "Los olvidados" (1950); "El" (1953); "Nazarín" (1958); "El ángel exterminador" (1962); "Simón del desierto" (1964), entre otras.
Otro de los importantes directores del cine nacional con el que trabajó Gabriel Figueroa fue con Roberto Gavaldón, con quien luego de colaborar en clásicos como "El rebozo de soledad", de 1952 o "El niño y la niebla", de 1953, realiza una magistral fotografía en blanco y negro que incluye una inolvidable secuencia en una cueva iluminada sólo con velas en "Macario", que fue a su vez la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la terna de Mejor Película Extranjera en 1960.
Figueroa volvió a formar parte de otra película de manufactura mexicana que fue nominada en la terna a Mejor Película extranjera en 1961 por el trabajo que hizo en "Ánimas Trujano: Un hombre importante", de Ismael Rodríguez, para en 1964 convertirse en el pionero de fotógrafos mexicanos en ser nominado a la Mejor Fotografía en 1964 previo al truinfo obtenido por tros compatriotas y colegas suyos como Guillermo Navarro (por "El laberinto del fauno", de 2007) o Emmanuel Lubezki (por "Gravedad", de 2013 y "Birdman", de 2014). De hecho uno de los últimos trabajos relevantes en la filmografía como fotógrafo del maestro Gabriel Figueroa fue por su última colaboración con el mencionado John Huston en "Bajo el volcán", de 1984, que le dio su respectiva nominación al Oscar al Mejor Actor de aquel año a su protagonista, el actor británico Albert Finney. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Hoy 12 de marzo amanecemos con la triste noticia de la muerte de la primra actriz de origen saltillense Magda Guzman a los 83 anios de edad. Su ascenso en el medio artistico se dio primero en el Septimo Arte en donde una de sus primeras apariciones fue a finales de la decada de los 40 dentro de la produccion hollywoodense filmada en Acapulco, "Tarzan y las Sirenas", de Robert Frorey, compartiendo creditos con el norteamericano Johnny Weismuller y la tambien mexicana Silvia Derbez.
Magda Guzman llego a ser nominada en la decada de los 50 a dos premios Ariel, el primero a la Mejor Coactuacion Femenina de 1954 por "La duda", de Alejandro Galindo y el segundo como Mejor Papel de Cuadro Femenino de 1955 por "La vida no vale nada", de Rogelio A. Gonzalez, al lado del idolo Pedro Infante. Fue bajo las ordenes de este ultimo cineasta de origen regiomontano que realiza uno de sus mejores papeles en el cine dentro del compilado de historias femeninas "Por que naci mujer?", de 1968, compartiendo creditos con otras primeras actrices como Sara Garcia, Prudencia Griffel, Ofelia Guilmain, Pilar Pellicer, Alma Muriel y Ana Martin, entre otras.
Es junto a esta ultima interpretando el papel de su madre en el anio de 1979 comienza a ser reconocida en grandes exitos de telenovelasde Televisa bajo la produccion del "Sr. Telenovela" Ernesto Alonso a partir del clasico "Muchacha de barrio", de 1979. Aquel mismo anio, el 26 de marzo de 1979 para ser exactos regresa a su natal Saltillo, Coahuila, para inaugurar el Teatro de la Ciudad Fernando Soler siendo la protagonista de la obra "Los empenos de una casa", de Sor Juana Ines de la Cruz, bajo la direccion del maestro Luis G. Basurto. Coincidentemente en 1974 Magda Guzman comparte creditos junto al tambien primer actor saltillense Fernando Soler en la adaptacion para la pantalla chica del clasico "Los miserables", de Victor Hugo, donde tambien participaron los primeros actores Diana Bracho, Sergio Bustamante y otros mas.
En la decada de los 80 sigue cosechando exitos en telenovelas como "Extranos caminos del amor", de 1981; "Bodas de odio", de 1983 y "Tu o nadie", en 1985 pero es en 1987 interpretando a la querida "manina" de Veronica Castro en el clasico "Rosa Salvaje" que consigue uno de los momentos de mayor popularidad en es genero. En la decada de los 90 destaca su participacion como la madre trastornada del personaje antagonico de Sergio Goyri en la telenovela "Te sigo Armando", producida por Carla Estrada en 1997, protaginizada por Claudia Ramirez y el venezolano Luis Jose Santander y al lado de otras primeras actrices del cine como Carmen Montejo, Katy Jurado y Maria Rojo, entre otras. Justo junto a la primera actriz Carmen Montejo vuelve a participar en la ultima telenovela de la señora Montejo, "En nombre del amor", refrito del clasico "Cadenas de amargura" en 2009 bajo la direccion de la hija en la vida real de la senira Guzman, la tambien actriz Karina Duprez.
Sigue activa y vigente en melodramas de la pantalla chica haciendo grandes actuaciones como el de la madre cizanosa del personaje de Juan Carlos Barreto y suegra de Alejandra Barros en "Para volver a amar", de 2010, siendo su ultima aparicion en telenovela en "Amor bravio", de 2012, protagonizada por Silvia Navarro y Cristian de la Fuente. Descanse en paz y gracias por su legado.
Magda Guzman llego a ser nominada en la decada de los 50 a dos premios Ariel, el primero a la Mejor Coactuacion Femenina de 1954 por "La duda", de Alejandro Galindo y el segundo como Mejor Papel de Cuadro Femenino de 1955 por "La vida no vale nada", de Rogelio A. Gonzalez, al lado del idolo Pedro Infante. Fue bajo las ordenes de este ultimo cineasta de origen regiomontano que realiza uno de sus mejores papeles en el cine dentro del compilado de historias femeninas "Por que naci mujer?", de 1968, compartiendo creditos con otras primeras actrices como Sara Garcia, Prudencia Griffel, Ofelia Guilmain, Pilar Pellicer, Alma Muriel y Ana Martin, entre otras.
Es junto a esta ultima interpretando el papel de su madre en el anio de 1979 comienza a ser reconocida en grandes exitos de telenovelasde Televisa bajo la produccion del "Sr. Telenovela" Ernesto Alonso a partir del clasico "Muchacha de barrio", de 1979. Aquel mismo anio, el 26 de marzo de 1979 para ser exactos regresa a su natal Saltillo, Coahuila, para inaugurar el Teatro de la Ciudad Fernando Soler siendo la protagonista de la obra "Los empenos de una casa", de Sor Juana Ines de la Cruz, bajo la direccion del maestro Luis G. Basurto. Coincidentemente en 1974 Magda Guzman comparte creditos junto al tambien primer actor saltillense Fernando Soler en la adaptacion para la pantalla chica del clasico "Los miserables", de Victor Hugo, donde tambien participaron los primeros actores Diana Bracho, Sergio Bustamante y otros mas.
En la decada de los 80 sigue cosechando exitos en telenovelas como "Extranos caminos del amor", de 1981; "Bodas de odio", de 1983 y "Tu o nadie", en 1985 pero es en 1987 interpretando a la querida "manina" de Veronica Castro en el clasico "Rosa Salvaje" que consigue uno de los momentos de mayor popularidad en es genero. En la decada de los 90 destaca su participacion como la madre trastornada del personaje antagonico de Sergio Goyri en la telenovela "Te sigo Armando", producida por Carla Estrada en 1997, protaginizada por Claudia Ramirez y el venezolano Luis Jose Santander y al lado de otras primeras actrices del cine como Carmen Montejo, Katy Jurado y Maria Rojo, entre otras. Justo junto a la primera actriz Carmen Montejo vuelve a participar en la ultima telenovela de la señora Montejo, "En nombre del amor", refrito del clasico "Cadenas de amargura" en 2009 bajo la direccion de la hija en la vida real de la senira Guzman, la tambien actriz Karina Duprez.
Sigue activa y vigente en melodramas de la pantalla chica haciendo grandes actuaciones como el de la madre cizanosa del personaje de Juan Carlos Barreto y suegra de Alejandra Barros en "Para volver a amar", de 2010, siendo su ultima aparicion en telenovela en "Amor bravio", de 2012, protagonizada por Silvia Navarro y Cristian de la Fuente. Descanse en paz y gracias por su legado.
Hoy ha dado nota nacional en secciones de espectaculos relacionada a los recientes premios Oscar la de que uno de los ganadores en la terna al Mejor Guion Original, el argentino Nicolas Giacabone, fue a la ceremonia con su pareja sentimental, un travesti llamado Mariana, que a su vez causo controversia en redes sociales porque hubo quienes aseguraban es mas bien una mujer trans al incluir la nota que se vio envuelto en su natal Argentina en un escandalo bajo la identidad de Ginna y por sostener en aquel pais una relacion con una actriz transgenero llamada Florencia de la V.
Precisamente por el hecho de informar, y de ser posible educar un poco o un mucho sobre la diversidad sexual, asi como la historia de la lucha por los derechos humanos de la comunidad homosexual en Mexico iniciando de manera oficial por la activista coahuilense Nancy Cardenas, realizamos el largometraje "Nadie es libre", que tuvo su estreno mundial en el Festival Mix de la Ciudad de Mexico de 2013, pero volviendo al tema de los Oscares otra ganadora del Oscar, en su caso a la Mejor Actriz de 2014, la norteamericana Julianne Moore, dedico su premio tanto a personas cercanas de su vida como su esposo pero tambien a sus directores, Richard Glatzer y Wash Westmoreland, quienes estaba ausentes de la ceremonia por el trastorno de esclerosis lateral que sufre Richard practicamente desde que dirigieron a Julianne en "Still Alice" y que por lo mismo fue una victoria doble para la pareja de esposos en la vida real porque a pesar de ser de por si la enfermedad una fuerte carga para el proceso creativo de la pelicula, tambien le ayudo a moldear el viacrucis de su protagonista, una maestra enferma de Alzheimer.
Julianne Moore, actriz heterosexual, ha sido actriz fetiche del director abiertamente gay Todd Haynes en una trilogia de peliculas como "Safe", de 1995; "Lejos del cielo", de 2002, que le dio su segunda nominacion al Oscar en la categoria como Mejor Actriz y "I'm not there", de 2007, y en 2010 bajo las ordenes de la directora abiertamente lesbiana Lisa Cholodenko la comedia donde interpreto a la pareja sentimental de la tambien nominada al Oscar, Annette Bening, "Los chicos estan bien", pero tambien ha sido dirigida por otros grandes directores heterosexuales como Paul Thomas Anderson en "Boogie nights: Juegos de placer", de 1997; el britanico Stephen Daldry en "Las horas", de 2002 o incluso el primer cineasta mexicano ganador del Oscar al Mejor Director, Alfonso Cuaron, en "Ninos del hombre", de 2006, entre otros.
En resumidas cuentas, mas que buscar escandalo una nota como estas, lo ideal es celebrar la diversidad, como ha sido festejar el truinfo de nuestro compatriota Alejandro Gonzalez Inarritu y todo su equipo de creativos en "BIRDMAN", cualquiera que esta sea.
Dedicado a la primera actriz y amiga Carmen Montejo, en es segundo aniversario de su fallecimiento.
Precisamente por el hecho de informar, y de ser posible educar un poco o un mucho sobre la diversidad sexual, asi como la historia de la lucha por los derechos humanos de la comunidad homosexual en Mexico iniciando de manera oficial por la activista coahuilense Nancy Cardenas, realizamos el largometraje "Nadie es libre", que tuvo su estreno mundial en el Festival Mix de la Ciudad de Mexico de 2013, pero volviendo al tema de los Oscares otra ganadora del Oscar, en su caso a la Mejor Actriz de 2014, la norteamericana Julianne Moore, dedico su premio tanto a personas cercanas de su vida como su esposo pero tambien a sus directores, Richard Glatzer y Wash Westmoreland, quienes estaba ausentes de la ceremonia por el trastorno de esclerosis lateral que sufre Richard practicamente desde que dirigieron a Julianne en "Still Alice" y que por lo mismo fue una victoria doble para la pareja de esposos en la vida real porque a pesar de ser de por si la enfermedad una fuerte carga para el proceso creativo de la pelicula, tambien le ayudo a moldear el viacrucis de su protagonista, una maestra enferma de Alzheimer.
Julianne Moore, actriz heterosexual, ha sido actriz fetiche del director abiertamente gay Todd Haynes en una trilogia de peliculas como "Safe", de 1995; "Lejos del cielo", de 2002, que le dio su segunda nominacion al Oscar en la categoria como Mejor Actriz y "I'm not there", de 2007, y en 2010 bajo las ordenes de la directora abiertamente lesbiana Lisa Cholodenko la comedia donde interpreto a la pareja sentimental de la tambien nominada al Oscar, Annette Bening, "Los chicos estan bien", pero tambien ha sido dirigida por otros grandes directores heterosexuales como Paul Thomas Anderson en "Boogie nights: Juegos de placer", de 1997; el britanico Stephen Daldry en "Las horas", de 2002 o incluso el primer cineasta mexicano ganador del Oscar al Mejor Director, Alfonso Cuaron, en "Ninos del hombre", de 2006, entre otros.
En resumidas cuentas, mas que buscar escandalo una nota como estas, lo ideal es celebrar la diversidad, como ha sido festejar el truinfo de nuestro compatriota Alejandro Gonzalez Inarritu y todo su equipo de creativos en "BIRDMAN", cualquiera que esta sea.
Dedicado a la primera actriz y amiga Carmen Montejo, en es segundo aniversario de su fallecimiento.
Basada en la historia real de la creación de las bombas de Hiroshima y Nagasaki que recibieron los nombres clave de "Fat Man and Little Boy" (de ahí ´que este fue el título en su idioma original) "El proyecto Manhattan" aprovechó las locaciones que le brindaban los estados de Coahuila y Durango para recrear en la Comarca Lagunera el equivalente al desierto de Nuevo México en donde dicho protecto fue concebido originalmente, teniendo como elenco principal al que incluyó al primer actor Paul Newman, al actor en ascenso John Cusack y a la hoy dos veces nominada al Oscar Laura Dern, entre otros bajo la dirección del reconocido director de origen británico Roland Joffe ("Los gritos de silencio"; "La mission").
Vale la pena destacar que el año pasado Roland Joffe regresó a locaciones en su caso del estado de Durango para la filmación de la serie para TV "Texas rising", sobre la guerra entre México y Texas, que protagonizan entre otros el actor texano Bill Paxton como Sam Houston; el francés Olivier Martinez como el General Antonio López de Santa Anna y el actor coahuilense Raúl Méndez como Juan Seguín, entre otros.
Un día como hoy, pero de 1944, se apago la vida de una de las máximas estrellas de origen mexicano en la Meca del Cine: Lupe Vélez, quien tomó su existencia entre sus manos para suicidarse a los 36 años de edad.
Pero tristemente no solo fue ella, sino otra actriz también mexicana pero de una generación posterior que con menos títulos en su filmografía pero que iba con paso firme también en Hollywood quien escogió el mes de diciembre para también quitarse la vida el 4 de diciembre de 1964 a los 30 años de edad.
Esta última se trataba de Pina Pellicer, hermana también de la primera actriz Pilar Pellicer, y quien al protagonizar con el primer actor Ignacio Lopez Tarso el clásico del cine nacional "Macario", bajo la dirección del maestro Roberto Gavaldon, luego de convertirse en la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la terna de Mejor Película Extranjera en 1960 introdujo su bello y enigmático rostro en la vista de presencias muy importantes de Hollywood como lo fueron el célebre Marlon Brando y "el mago del suspenso" Alfred Hitchcock.
El primero, en preparación de lo que sería su ópera orima como director, desde que vio en pantalla a Pina estuvo seguro de tener al interés amoroso de su personaje protagónico en el western que se convirtió en el debut suyo como director, "El rostro impenetrable" ("One Eyed Jacks"), en donde la actriz comoarto créditos además de Brando con su compatriota Katy Jurado en el papel de su madre y Karl Malden, quien ya había acompañado a Brando en dos de los más relevantes trabajos de su filmografía "Un tranvía llamado deseo" y "Nido de ratas", personificando al padrastro de Piña en la trama. El filme dio a ganar a Pina Pellicer el premio a la Mejor Actriz del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1961.
En 1962 Pina regresa a su país a hacer de nueva cuenta mancuerna con el director Roberto Gavaldon y el actor Ignacio Lopez Tarso en otro gran clásico como "Días de otoño" pero en 1963 es el maestro de origen ingles Alfred Hitchcock quien la llama para participar en un episodio de su famoso programa de televisión. Por desgracia en lo que lo profesional le era muy favorecedor y pintaba para un futuro deslumbrante, en lo personal Pina sufría de una profunda tristeza que exponencialmente la llevo a una depresión y el correspondiente suicidio del 4 de diciembre de 1964.
Una historia propia, pero un desenlace igual de funesto fue la de Lupe Vélez, quien por su parte si llego a saborear por varios consecutivos las mieles del triunfo en Hollywood donde inclusive llego a protagonizar con un considerable éxito en taquilla una saga de películas de un personaje denominado "The Mexican Spitfire" (algo así como "La Chispa de Fuego" mexicana) y se valió de su exotismo y sensualidad para transitar sin problema como si sucedió a otros contemporáneos y extranjeros de la época del cine silente al sonoro.
Sin embargo la vida sentimental de Lupe Vélez fue una montaña rusa que alcanzó sus puntos altos con actores y galanes de la talla de Gary Cooper (a quien consideró el amor de su vida pero en gran parte por el rechazo de la madre de Cooper para con su relación estuvo destinada a nunca concretarse como algo formal) o Johnny Weismuller, el memorable "Tarzan" del cine con quien si llego a contraer nupcias pero el carácter explosivo de los dos los llevo al fracaso.
Lupe tuvo otro desafortunado romance con un actor no muy conocido de nombre Harald Marash pero quien marcó su destino fatal puesto que quedo embarazada de el y al estar sola y muy afectada por su formación conservadora familiar al ser oriunda del estado de San Luis Potosí y una familia tradicional que por mucho tiempo reprobó su oficio, termina con su vida ingiriendo Seconal y provocando una sobredosis que la lleva a la muerte el 13 de diciembre de 1944 en su residencia en Hollywood. Un recuerdo para estas grandes mexicanas con destino trágico que este mes de diciembre conmemoran sus aniversarios luctuosos.
Pero tristemente no solo fue ella, sino otra actriz también mexicana pero de una generación posterior que con menos títulos en su filmografía pero que iba con paso firme también en Hollywood quien escogió el mes de diciembre para también quitarse la vida el 4 de diciembre de 1964 a los 30 años de edad.
Esta última se trataba de Pina Pellicer, hermana también de la primera actriz Pilar Pellicer, y quien al protagonizar con el primer actor Ignacio Lopez Tarso el clásico del cine nacional "Macario", bajo la dirección del maestro Roberto Gavaldon, luego de convertirse en la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la terna de Mejor Película Extranjera en 1960 introdujo su bello y enigmático rostro en la vista de presencias muy importantes de Hollywood como lo fueron el célebre Marlon Brando y "el mago del suspenso" Alfred Hitchcock.
El primero, en preparación de lo que sería su ópera orima como director, desde que vio en pantalla a Pina estuvo seguro de tener al interés amoroso de su personaje protagónico en el western que se convirtió en el debut suyo como director, "El rostro impenetrable" ("One Eyed Jacks"), en donde la actriz comoarto créditos además de Brando con su compatriota Katy Jurado en el papel de su madre y Karl Malden, quien ya había acompañado a Brando en dos de los más relevantes trabajos de su filmografía "Un tranvía llamado deseo" y "Nido de ratas", personificando al padrastro de Piña en la trama. El filme dio a ganar a Pina Pellicer el premio a la Mejor Actriz del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1961.
En 1962 Pina regresa a su país a hacer de nueva cuenta mancuerna con el director Roberto Gavaldon y el actor Ignacio Lopez Tarso en otro gran clásico como "Días de otoño" pero en 1963 es el maestro de origen ingles Alfred Hitchcock quien la llama para participar en un episodio de su famoso programa de televisión. Por desgracia en lo que lo profesional le era muy favorecedor y pintaba para un futuro deslumbrante, en lo personal Pina sufría de una profunda tristeza que exponencialmente la llevo a una depresión y el correspondiente suicidio del 4 de diciembre de 1964.
Una historia propia, pero un desenlace igual de funesto fue la de Lupe Vélez, quien por su parte si llego a saborear por varios consecutivos las mieles del triunfo en Hollywood donde inclusive llego a protagonizar con un considerable éxito en taquilla una saga de películas de un personaje denominado "The Mexican Spitfire" (algo así como "La Chispa de Fuego" mexicana) y se valió de su exotismo y sensualidad para transitar sin problema como si sucedió a otros contemporáneos y extranjeros de la época del cine silente al sonoro.
Sin embargo la vida sentimental de Lupe Vélez fue una montaña rusa que alcanzó sus puntos altos con actores y galanes de la talla de Gary Cooper (a quien consideró el amor de su vida pero en gran parte por el rechazo de la madre de Cooper para con su relación estuvo destinada a nunca concretarse como algo formal) o Johnny Weismuller, el memorable "Tarzan" del cine con quien si llego a contraer nupcias pero el carácter explosivo de los dos los llevo al fracaso.
Lupe tuvo otro desafortunado romance con un actor no muy conocido de nombre Harald Marash pero quien marcó su destino fatal puesto que quedo embarazada de el y al estar sola y muy afectada por su formación conservadora familiar al ser oriunda del estado de San Luis Potosí y una familia tradicional que por mucho tiempo reprobó su oficio, termina con su vida ingiriendo Seconal y provocando una sobredosis que la lleva a la muerte el 13 de diciembre de 1944 en su residencia en Hollywood. Un recuerdo para estas grandes mexicanas con destino trágico que este mes de diciembre conmemoran sus aniversarios luctuosos.
Nacido en la ciudad de Saltillo, Coahuila, el 18 de noviembre de 1898, el trabajo de este primer actor surgido a la par de sus hermanos Fernando, Domingo, Julián y Mercedes en los escenarios teatrales, quedo impreso con letras de oro en la historia del celuloide nacional por haber formado parte de un gran numero de producciones fílmicas pertenecientes a la llamada "Epoca de Oro" del cine mexicano.
Fue así como la década de los 40 la corono en 1949 con su primera nominación al Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de aquel año bajo las órdenes como director de su hermano, el también primer actor de origen saltillense Don Fernando Soler en el filme "La hija del penal", que protagonizó al lado de la sensual rumbera cubana Maria Antonieta Pons, Rubén Rojo y Amparito Arozamena, entre otros.
La década de los 50 la inicia Don Andrés la inicia con el pie derecho ahora actuando al lado de su hermano Fernando en el clásico "No desearas la mujer de su hijo", de Ismael Rodriguez, donde también actuo su tocayo de cumpleaños, el ídolo Pedro Infante, y por cuya actuación en lo que Don Fernando Soler gano el único Ariel al Mejor Actor de 1951 de su filmografía, Don Andrés obtuvo su segunda nominación como Mejor Coactuacion Masculina de la suya,
Tan pronto como en 1952 Don Andrés fue parte de un tercer clásico que le dio a su vez su tercera nominación al Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de aquel año bajo las órdenes en la dirección de otro maestro, en su caso del español Luis Buñuel, en "El bruto" donde compartió créditos con otros grandes iconos de la Época de Oro de nuestra cinematografia como lo fueron Pedro Armendariz y Katy Jurado.
Fue en 1953 cuando Don Andrés obtiene su cuarta y última nominación en la misma categoría de Mejor Coactuacion Masculina de otro gran clásico de nuestro cine como lo fue "Los Fernández de Peralvillo", del maestro Alejandro Galindo, donde actuó al lado de David Silva, Victor Parra, Sara Garcia y Adalberto Martinez "Resortes", entre otros mas.
Don Andrés Soler siguió activo en el cine nacional prácticamente hasta el momento de su muerte puesto que falleció el 26 de julio de 1969 a los 70 años de edad de una embolia cerebral, justo el mismo año en que se estrenó su última película al lado de otro de los célebres comediantes de nuestro cine como lo fue Gaspar Henaine "Capulina" en "El hermano Caoulina", bajo la dirección de Alfredo Zacarías. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Fue así como la década de los 40 la corono en 1949 con su primera nominación al Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de aquel año bajo las órdenes como director de su hermano, el también primer actor de origen saltillense Don Fernando Soler en el filme "La hija del penal", que protagonizó al lado de la sensual rumbera cubana Maria Antonieta Pons, Rubén Rojo y Amparito Arozamena, entre otros.
La década de los 50 la inicia Don Andrés la inicia con el pie derecho ahora actuando al lado de su hermano Fernando en el clásico "No desearas la mujer de su hijo", de Ismael Rodriguez, donde también actuo su tocayo de cumpleaños, el ídolo Pedro Infante, y por cuya actuación en lo que Don Fernando Soler gano el único Ariel al Mejor Actor de 1951 de su filmografía, Don Andrés obtuvo su segunda nominación como Mejor Coactuacion Masculina de la suya,
Tan pronto como en 1952 Don Andrés fue parte de un tercer clásico que le dio a su vez su tercera nominación al Ariel a la Mejor Coactuacion Masculina de aquel año bajo las órdenes en la dirección de otro maestro, en su caso del español Luis Buñuel, en "El bruto" donde compartió créditos con otros grandes iconos de la Época de Oro de nuestra cinematografia como lo fueron Pedro Armendariz y Katy Jurado.
Fue en 1953 cuando Don Andrés obtiene su cuarta y última nominación en la misma categoría de Mejor Coactuacion Masculina de otro gran clásico de nuestro cine como lo fue "Los Fernández de Peralvillo", del maestro Alejandro Galindo, donde actuó al lado de David Silva, Victor Parra, Sara Garcia y Adalberto Martinez "Resortes", entre otros mas.
Don Andrés Soler siguió activo en el cine nacional prácticamente hasta el momento de su muerte puesto que falleció el 26 de julio de 1969 a los 70 años de edad de una embolia cerebral, justo el mismo año en que se estrenó su última película al lado de otro de los célebres comediantes de nuestro cine como lo fue Gaspar Henaine "Capulina" en "El hermano Caoulina", bajo la dirección de Alfredo Zacarías. Muchas felicidades y gracias por su legado.
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