Un día como hoy, pero de 1964, se apagó la existencia de una de las más prometedoras actrices proveniente del cine mexicano en la segunda mitad del siglo XX: Pina Pellicer, quien apenas habiendo cumplido unos meses atrás 30 años de edad y con una carrera en ascenso no solo en México sino a nivel internacional decidió acabar con su vida en apariencia por sufrir de una profunda depresión.
Su debut en el cine no pudo ser más afortunado, porque fue bajo las órdenes del maestro Roberto Gavaldón, compartiendo créditos con los primeros actors Ignacio López Tarso y Enrique Lucero, y bajo la fotografía del la genial luz de Gabriel Figueroa en "Macario", de 1960, la primera nominada en la historia de nuestro país en la terna a la Mejor Película Extranjera del año en que se estrenó.
Fue a partir de las proyecciones de este filme en la Meca del Cine que Pina atrajo la atención del ojo del dos veces ganador del Oscar, Marlon Brando, para que fuera su compañera en la opera prima del actor en la silla del director, el western "El rostro impenetrable" ("One eyed jacks"), de 1961, donde Pina apareció además como hija de la primera nominada mexicana a la estatuilla, Katy Jurado, y que le valió el premio a la Mejor Actriz de aquel año en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
De esta forma el trabajo de Pina Pellicer en el cine "brincó el charco" puesto que en dicho festival conoció al director español Rafael Gil quien la invita a protagonizar en la Madre Patria la cinta "Rogelia", filmada en Asturias, París y Madrid en 1962. De aquel año también fue su última colaboración con el célebre trio creativo de "Macario", Gavaldón en la dirección, López Tarso en la actuación y Figueroa en la fotografía en el clásico "Días de otoño", de la cual tuve oportunidad de escribir un ensayo que incluyó el libro de 2007 "Pina Pellicer: luz de tristeza", de la autoría de su Hermana Ana Pellicer y Reynol Pérez Vázquez invitado por este ultimo y que tuvo su presentación en el Festival Internacional de Cine de Morelia de aquel año.
Las últimas participaciones de Pina Pellicer fueron en Hollywood en un episodio de la célebre serie de TV del maestro Alfred Hitchcock "La hora de Alfred Hitchcock" y "El picador", de Rafael Baledón, al lado de los primeros actors Arturo de Córdova y Marga López, entre otros, ambas filmadas a lo largo de 1964 antes de su muerte. Descanse en paz y gracias por su legado.
About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
En ocasión de esta fecha en punto de las 19:35 Hrs a través del canal de cable De Peicula se transmitirá una muy recomendable trilogía de películas sobre personajes representativos relacionados a esta gesta histórica así como temáticas que tienen lugar en el contexto de la misma.
La cinta que inicia esta selección a las 19:35 es "Zapata en Chinameca", realizada por el cineasta coahuilense Mario Hernandez basándose en un guión de Xavier Robles y Guadalupe Ortega que es a su vez una especie de secuela de la épica "Emiliano Zapata" (Felipe Cazals, 1970) pero en donde el protagonista es Urbano Martinez (El primer actor Jose Carlos Ruiz), quien en su lecho de muerte recuerda la traición a su general y sus ideales revolucionarios ... como sucediera con muchos de los involucrados en el conflicto. Lo acompañan las primeras actrices Blanca Guerra, Maria Rojo y otros mas.
La segunda selección que inicia a las 21:30 es la de uno de los grandes clásicos de otro celebre cineasta originario de Coahuila, Emilio "Indio" Fernandez: la épica romantica "Enamorada", de 1946, una versión libre de "La fíerecilla domada", de William Shakespeare, teniendo en este caso a la mismísima Doña, Maria Félix, como una literalmente chiflada hija de un hacendado poblano quien en vísperas de su matrimonio con un gringo se enamora inesperadamente de un general revolucionario interpretado por el actor fetiche del realizador, el primer actor Pedro Armendariz.
Cerrando la trilogia a las 23:25 y justo en el aniversario número 45 de su estreno, esta la última película en la filmografía de la mencionada Maria Félix, "La generala", bajo la dirección de Juan Ibáñez, y que a su vez pudiera ser una especie de variante de "Enamorada" por tenerla ahora no como hija sino hermana de un hacendado (Carlos Bracho) quien al intentar repartir tierras como se supone era el acuerdo de los revolucionarios es asesinado por un general huertita (Eric del Castillo) y al ser el personaje de Maria testigo de la acción se lanza en su nombre a cumplir los ideales de su hermano y sus trabajadores así como la venganza personal por ese asesinato.
La cinta que inicia esta selección a las 19:35 es "Zapata en Chinameca", realizada por el cineasta coahuilense Mario Hernandez basándose en un guión de Xavier Robles y Guadalupe Ortega que es a su vez una especie de secuela de la épica "Emiliano Zapata" (Felipe Cazals, 1970) pero en donde el protagonista es Urbano Martinez (El primer actor Jose Carlos Ruiz), quien en su lecho de muerte recuerda la traición a su general y sus ideales revolucionarios ... como sucediera con muchos de los involucrados en el conflicto. Lo acompañan las primeras actrices Blanca Guerra, Maria Rojo y otros mas.
La segunda selección que inicia a las 21:30 es la de uno de los grandes clásicos de otro celebre cineasta originario de Coahuila, Emilio "Indio" Fernandez: la épica romantica "Enamorada", de 1946, una versión libre de "La fíerecilla domada", de William Shakespeare, teniendo en este caso a la mismísima Doña, Maria Félix, como una literalmente chiflada hija de un hacendado poblano quien en vísperas de su matrimonio con un gringo se enamora inesperadamente de un general revolucionario interpretado por el actor fetiche del realizador, el primer actor Pedro Armendariz.
Cerrando la trilogia a las 23:25 y justo en el aniversario número 45 de su estreno, esta la última película en la filmografía de la mencionada Maria Félix, "La generala", bajo la dirección de Juan Ibáñez, y que a su vez pudiera ser una especie de variante de "Enamorada" por tenerla ahora no como hija sino hermana de un hacendado (Carlos Bracho) quien al intentar repartir tierras como se supone era el acuerdo de los revolucionarios es asesinado por un general huertita (Eric del Castillo) y al ser el personaje de Maria testigo de la acción se lanza en su nombre a cumplir los ideales de su hermano y sus trabajadores así como la venganza personal por ese asesinato.
Por una razón
totalmente inexplicable, esta semana se privó a los cinéfilos
saltillenses de varios estrenos nacionales de cintas hollywoodenses como
mexicanas limitándose a varios retrasos en cartelera.
Es por esto mismo
que una cinta de alto perfil y que hasta se anunciaba a todo lo alto como toda
una experiencia en el formato IMAX (que por cierto aún nos deben las salas de
cine de la ciudad) como lo es “En la cuerda floja” (“The Walk”), la más
reciente película del ganador del Oscar Robert Zemeckis (“Forrest Gump”), si
bien se estrenó en otras plazas del país en Saltillo no vio la luz y sólo
esperamos no tener que esperar hasta que se distribuya en el formato de Blue
Ray o DVD para poder disfrutar de la historia real de un equilibrista que en el
año de 1974 logró la hazaña de pasar de una a otra de las aún existentes Torres
Gemelas cruzando por un cable.
El filme que ya
hace poco más de una década dio pie a un documental titulado “Man on wire”, que
bajo la dirección de James Marsh (“La teoría del todo”), ganó el Oscar al mejor
Largometraje Dcoumental de 2003, tiene en esta ficción como protagonista al
actor Joseph Gordon-Levitt, quien ha madurado con efectividad tanto delante como
detrás de las cámaras desde sus primeras participaciones a fines de los 90 en
comedias juveniles como “10 cosas que odio de ti” hasta su reciente ópera prima
como director “Un Atrevido Don Juan” (“Don Jon”), de 2013, donde además hizo el
papel protagónico al lado de una belleza como Scarlett Johansson y una ganadora
del Oscar como Julianne Moore.
Pues a falta de
poder disfrutar del trabajo de Gordon-Levitt esta semana en los cines de
Saltillo dentro de la trama de “En la cuerda floja”, desde hace unos meses los
videoclubes de la ciudad han puesto a la renta una de las primeras películas
más audaces del actor que data de hace poco más de una década pero que
indudablemente confirma el por qué directores ganadores del Oscar como el
mencionado Robert Zemeckis o el controvertido Oliver Stone en la próxima a
estrenarse “Snowden” lo han elegido para interpretar a los radicales personajes
de estas historias.
Nos referimos a
la cinta que en castellano se tituló “Oscura inocencia” (en inglés “Mysterious
Skin” o “Piel Misteriosa”), la cual data del año 2004, está basada en la novela
del escritor norteamericano Scott Heim, y nos cuenta las historias paralelas de
dos jóvenes, Neil (Gordon-Levitt) y Brian (Brady Corbet), quienes luego de
haber sido amigos y compañeros de un equipo de béisbol durante la infancia han
tomado caminos muy diferentes: el primero prostituyéndose en Nueva York y el
segundo teniendo la convicción de que ha sufrido de abducciones
extraterrestres, justo desde los ocho años de edad cuando después de sufrir un
desvanecimiento despertó sangrando de la nariz.
Justo como eso
sucedió en medio de los entrenamientos que hacía con Neil, Brian se propone
buscar a su amigo en la Gran Manzana para descubrir ese oscuro episodio que
determinó sus vidas para siempre. Dirigida por el cineasta norteamericano Gregg
Arakki, quien junto a Todd Haynes y Tom Kalin, entre otros formó parte de una
generación transgresora de los años 90 al contar una diversidad de historias
relacionadas a personajes homosexuales, con “Oscura inocencia” si bien nos
ofrece una variante del clásico de aquella década “Mi camino de sueños”, de
otro maestro del género como Gus Van Sant, pero con una plausible aportación
propia y sobre todo un Joseph Gordon-Levitt en estado total de evolución.
Un dia como hoy, pero de 1940 nace en Chicago, Illinois, Raquel Tejada, actriz de ascendencia boliviana que se convertiria con el paso de los anios en uno de los grandes simholos sexuales del cine de la decada de los 60 y 70, Raquel Welch. Luego de iniciarse en el modelaje y concursos de belleza a principios de la decada de los 60, Raquel Welch comenzo a participar en series de TV y Peliculas haciendo papeles de relleno hasta que la 20th Century Fox se percato de que era un diamante en Bruto para la pantalla grande y no se equivoco puesto que es iconica su participacion en el clasico de 1966 "Un millon de anios antes de Cristo", de Don Chaffey, en donde vestida apenas con un taparabos se convirtio en la imagen mas memorable de esta pelicula de aventuras de clase B que la catapulto a la fama internacional y la llevo a participar en diversas cintas del cine internacional, desde el clasico tambien de aventuras y ciencia ficcion de 1966 "Viaje Fantastico", de Richard Fleischer, hasta dramas y comedias al lado de actores de la talla de Frank Sinatra y Jean Paul Belmondo, entre otros mas.
En 1973, Raquel Welch gano el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Comedia o Musical por la adaptacion de aquel anio del clasico texto de Alejandro Dumas "Los tres mosqueteros", realizada por Richard Lester y protagonizada tambien por el primer actor ingles Oliver Reed. No por nada fue obligan a una secuela de la misma en 1974 bajo el titulo de "Los cuatro mosqueteros" y que en su caso estuvo nominada al Oscar en la categoria al Mejor Vestuario.
Con la llegada del nuevo milenio la actriz se ha mantenido activa trabajando al lado de la ganadora del Oscar Reese Witherspoon en la exitosa comedia "Legalmente rubia", como en la comedia romantica "Tortilla soup", al lado del puertorriqueno Hector Elizondo, las dos de 2001, entre otros mas. Muchas felicudades!
En 1973, Raquel Welch gano el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Comedia o Musical por la adaptacion de aquel anio del clasico texto de Alejandro Dumas "Los tres mosqueteros", realizada por Richard Lester y protagonizada tambien por el primer actor ingles Oliver Reed. No por nada fue obligan a una secuela de la misma en 1974 bajo el titulo de "Los cuatro mosqueteros" y que en su caso estuvo nominada al Oscar en la categoria al Mejor Vestuario.
Con la llegada del nuevo milenio la actriz se ha mantenido activa trabajando al lado de la ganadora del Oscar Reese Witherspoon en la exitosa comedia "Legalmente rubia", como en la comedia romantica "Tortilla soup", al lado del puertorriqueno Hector Elizondo, las dos de 2001, entre otros mas. Muchas felicudades!
Un dia como hoy, pero de 1910, nace en Oaxaca, Oaxaca, la actriz Lupita Tovar, por lo que al cumplir los 105 anios de edad justo hoy se convierte en la actriz mas longeva del cine nacional. Nacida por tanto en la primera decada del siglo XX al igual que su compatriota duranguense Dolores del Rio, Lupita Tovar emigro de su pais a los Estados Unidos debido a la inestabilidad social que propicio la Revolucion Mexicana en cuyo marco nacio y es asi como debuta todavia en la ultima etapa del cine mudo hollywoodense bajo contrato de los estudios Fox, pero es con la llegada cel cine sonoro en la Meca del Cine que es contratada para protagonizar las versiones en espanol de peliculas que se rodaban en los Estudios Universal en los mismos sets donde en el dia se filmaban las versiones anglosajonas y fue asi como interpreto a la heroina del clasico Dracula, en la version latina que se filmaba justo cuando terminaban de utilizar los sets del clasico de Tod Browning y que ella filmo bajo las ordenes de George Melford acompanada del actor espanol Carlos Villarias. Con todo, hay algunos criticos e historiadores que consideran que la version del Dracula hispano es de una mejor estetica e inclusive una mayor sensualidad que el clasico protagonizado por Bela Lugosi.
Ese exito automatico la llevo a ser la eleccion ideal para la opera prima en la direccion del Latin Lover hollywoodense, Antonio Moreno, que fue el texto original del mexicano Federico Gamboa, "Santa" que filmo en Mexico en 1931 e hizo historia instantanea al convertirse esta en la primera pelicula sonora del cine mexicano. Fue asi como tanto en Hollywood como en la naciente industria filmica nacional que el nombre de Lupita Tovar llego a tener un peso estelar que requeria de un agente en el que se convirtio Paul Kohner, con quien Lupita se casa en 1932 y luego de una decada de actividad tanto en Estados Unidos como en Mexico (de 1943 es la pelicula "Resurreccion", de Gilberto Martinez Solares, que curiosamente es el debut en es Septimo Arte de la primera actriz Carmen Montejo y de 1944 su uktima Pelicula mexicana, "Miguel Strogoff", de Miguel M. Delgado) se retira para formar su familia gestando a la actriz nominada al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto de 1957 por "Immitation of life", de Douglas Sirk, y esta ultima gesta a su vez a los Directores de cine Chris y Paul Weitz nominados al Oscar al Mejor Guion de 2002 por Un gran chico.
En 2001 la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematograficas le concede a Lupita Tovar Un ms que merecido Ariel de Oro al conmemorarse el 70 aniversario del estreno de Santa y tuve la oportunidad de asistir a ese evento y ser testigo de ese homenaje. Muchas felicidades y gracias por su legado!
Ese exito automatico la llevo a ser la eleccion ideal para la opera prima en la direccion del Latin Lover hollywoodense, Antonio Moreno, que fue el texto original del mexicano Federico Gamboa, "Santa" que filmo en Mexico en 1931 e hizo historia instantanea al convertirse esta en la primera pelicula sonora del cine mexicano. Fue asi como tanto en Hollywood como en la naciente industria filmica nacional que el nombre de Lupita Tovar llego a tener un peso estelar que requeria de un agente en el que se convirtio Paul Kohner, con quien Lupita se casa en 1932 y luego de una decada de actividad tanto en Estados Unidos como en Mexico (de 1943 es la pelicula "Resurreccion", de Gilberto Martinez Solares, que curiosamente es el debut en es Septimo Arte de la primera actriz Carmen Montejo y de 1944 su uktima Pelicula mexicana, "Miguel Strogoff", de Miguel M. Delgado) se retira para formar su familia gestando a la actriz nominada al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto de 1957 por "Immitation of life", de Douglas Sirk, y esta ultima gesta a su vez a los Directores de cine Chris y Paul Weitz nominados al Oscar al Mejor Guion de 2002 por Un gran chico.
En 2001 la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematograficas le concede a Lupita Tovar Un ms que merecido Ariel de Oro al conmemorarse el 70 aniversario del estreno de Santa y tuve la oportunidad de asistir a ese evento y ser testigo de ese homenaje. Muchas felicidades y gracias por su legado!
Publicado en el periódico Vanguardia de Saltillo (www.vanguardia.com.mx) el jueves 11 de junio del 2015
Conocí a Don Mario
Hernández en la edición 2007 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara
donde se proyectó la que sería la última película de su filmografía que fue
“Cementerio de papel”.
El encuentro fue
particularmente accidentado, porque estando buscando en momento propicio para
regalarle una copia de la segunda edición del libro cual él formaba parte, “Coahuila
y sus protagonistas en el cine”, a final de cuentas terminé saltando en el
interior del transporte del hotel en que nos hospedábamos a la sala de
proyección del Teatro Diana de la Capital Tapatía para sentado entre el
protagonista de la película, el primer actor Alberto Estrella, y el autor del
libro cinematográfico en el cual se basó la película, Xavier Robles, fue como
le hice entrega del ejemplar que agradeció con su sencillez y humildad de
siempre no sin antes darme su teléfono para seguir en contacto para cuando no
“anduviéramos a las carreras”.
Y así lo hicimos.
La última vez que lo vi personalmente fue el año pasado en un Sanborns ubicado
en los límites de la Ciudad de México y la ciudad en la que falleció,
Cuernavaca, Morelos, donde me platicó desde sus estudios de cine en un Alma
Mater que compartíamos, la Universidad de California en Los Angeles (UCLA),
donde tuvo como compañeros de pupitre a contemporáneos suyos como el director y
el guionista de “El Padrino”, Francis Ford Coppola, o acudiendo a darle alguna
cátedra al “niño terrible” del cine norteamericano, Orson Welles, entre otros, así
como que lo tenía muy motivado un largometraje que dejó en el camino sobre la
expropiación petrolera.
El último día que
hablé vía telefónica con Don Mario fue la noche del 31 de mayo pasado cuando lo
invité a la proyección el miércoles 3 de junio en la Filmoteca de la UNAM de mi
película “Las ladrilleras”, y muy entusiasta me dijo que encantado me
acompañaba a reserva de una revisión en el área de nutrición del hospital en el
que regularmente atendía un tipo de leucemia controlada que padeció. Por desgracia,
el lunes 1 de junio sufre una embolia que lo mantuvo internado por una semana
hasta que falleció el pasado lunes 8.
Según lo informó
en un comunicado el Instituto Mexicano de Cinematografía la noche del martes 9
de junio Mario Hernández fue director, guionista y argumentista, nacido en
Piedras Negras, Coahuila, el 8 de marzo de 1936 e inició su carrera en el cine
con Ismael Rodríguez como continuista en “Así era Pedro Infante”, de 1963;
asistente de dirección en “El niño y el muro”, de 1964 y colaborador en el
argumento y guión de “Autopsia de un fantasma”, de 1966. A partir de 1972 con
su ópera prima “La yegua colorada” formó una mancuerna profesional con Antonio
Aguilar cuyo resultado son más de 30 películas entre las que destacan
“Peregrina” (1973); “La muerte de Pancho Villa” (1973); “El Rey de Oros”
(1984); “Astucia” (1985) y “Zapata en Chinameca” (1988), entre otras.
Al IMCINE le
faltó destacar, por ejemplo, que gracias a su dirección Ninón Sevilla ganó el
Ariel a la Mejor Actriz de 1981 por “Noche de carnaval”. Fue una de las tantas
actrices de la Época de Oro a las que dirigió, y hasta la última comunicación
que tuvimos, siempre viendo hacia adelante, no dejó de echarme porras al ver
que compatriotas nuestros como Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu “la
estaban haciendo” más allá de nuestras fronteras. “Ahora les toca a ustedes”,
me decía. Cuando un amigo como él se va, si bien hay tristeza, hay también alegría
por haberlo conocido. Descanse en paz.
Un día como hoy, pero de 1926, nace en Los Angeles, California, Norma Jean Baker, a quien el cine conocería como ese gran símbolo sexual del celuloide del siglo XX llamado Marilyn Monroe. Curiosamente aunque se conoce de ella mucho más de su vida (incluso la cantante Dulce protagonizó una telenovela en 1978 bajo el título de "Muñeca rota" que narraba su tormentosa vida) así como su controvertida muerte el 5 de agosto de 1962 a los 36 años de edad, pocos saben que la Monroe tiene un origen coahuilense en el hecho de que su madre Gladys Pearl Baker (a quien en la mencionada telenovela interpret la primera actriz mexicana Beatriz Sheridan) nació en la ciudad fronteriza de Piedras Negras, Coahuila, el 27 de mayo de 1902.
La certeza de este dato puede corroborarse en los registros de nacimiento del estado de Coahuila donde se encontró el acta de nacimiento de Gladys durante una recopilación de nacimientos del siglo XX en la década de los 90, aunado a que se desconoce la identidad del padre de Norma Jean - a quien Gladys bautizó con estos nombres dada su admiración por actrices como Norma Talmadge y Jean Harlow- se puede entonces deducir que a falta de exámenes de ADN disponibles en aquellos años solo puede remontarse el árbol genealógico de Marilyn Monroe hasta Gladys como su madre, y al ver esta última la primera luz en Piedras Negras, Coahuila, como un origen coahuilense previo a su respective nacimiento un día como hoy pero de 1926. Muchas felicidades y gracias por su legado
La certeza de este dato puede corroborarse en los registros de nacimiento del estado de Coahuila donde se encontró el acta de nacimiento de Gladys durante una recopilación de nacimientos del siglo XX en la década de los 90, aunado a que se desconoce la identidad del padre de Norma Jean - a quien Gladys bautizó con estos nombres dada su admiración por actrices como Norma Talmadge y Jean Harlow- se puede entonces deducir que a falta de exámenes de ADN disponibles en aquellos años solo puede remontarse el árbol genealógico de Marilyn Monroe hasta Gladys como su madre, y al ver esta última la primera luz en Piedras Negras, Coahuila, como un origen coahuilense previo a su respective nacimiento un día como hoy pero de 1926. Muchas felicidades y gracias por su legado
Un día como hoy, pero de 1915, nace en la ciudad de Kenosha, Wisconsin, uno de los más grandes cineastas en la historia del celuloide: Orson Welles.
Hijo de un inventor y de una concertista de piano, desde muy pequeño Orson estuvo expuesto a las artes en las cuales destacó desde muy temprana edad, como lo fueron desde la magia hasta la pintura y el piano las cuales al combiner lo hicieron uno de los grandes genios del cine.
Apasionado primero por el teatro y después por la radio, Welles llevó a su compañía teatral neoyorkina del Mercury Theatre a una popularidad inesperada cuando su radioteatro dominicial de adaptaciones en su mayoría shakesperianas en la víspera de la noche de Halloween de 1938 su adaptación del texto de "La Guerra de los Mundos", de H.G. Welles propició histeria colectiva a lo largo de la Unión Americana al grado que Hollywood no pudo ignorar al llamado "niño genio" que en los tiempos del despunte de la Meca del Cine con megaproducciones como "Lo que el viento se llevó" o "El mago de Oz", en 1939, solo podría concebir para la pantalla grande una obra que impactaría a las masas y trascendería con el paso del tiempo.
Y no se equivocaron, ya que si bien no filmó una obra de la magnitud en producción como "La Guerra de los Mundos" sí lo hizo con una película de inmensidad autoral que por lo mismo es considerada uno de los más grandes debuts u operas primas en la historia del cine como sucedió con "El ciudadano Kane", considerada un parteaguas en el quehacer cinematográfico cuando se estrenó en 1941 y que muchos ignoran tuvo mucho peso en su realización la actriz mexicana Dolores del Río, pareja de Orson Welles en el tiempo en que hacía su transición entre Nueva York y Los Angeles, puesto que siendo la historia ingeniosamente maquillada del magnate de los medios Randolph Hearst Welles desarrolló la anécdota e historia del magnate Hearst alrededor de las confidencias que su amante en la vida real, Marion Davis, le hizo a Dolores en fiestas que coincidieron juntas.
No por nada Dolores del Río fue la pareja que acompañó a Welles al estreno de "El ciudadano Kane" el 1 de mayo de 1941 en Nueva York, e inclusive fue su coprotagonista en una película que Welles codirigió como lo fue "Journey into fear", de 1942, y estaba considerada a su vez a coprotagonizar una version que dirigiría Welles del texto de Federico Gamboa, "Santa", cuyo guión había escrito el mexicano Chano Urueta, antes de que la pareja terminara su relación y Dolores del Río tuviera su "segundo aire" como actriz ya cuarentona pero en su máximo esplendor como musa del cineaste coahuilense Emilio "Indio" Fernandez, a partir de "Flor Silvestre", en 1943.
Pero volviendo a Welles, habiendo implementado al lenguaje cinematográfico logros como la profundidad de campo y los ángulos de cámara que logró gracias a su célebre mancuerna con su fotógrafo Greg Tolland y su guionista Herman J. Mankiewicz con quien obtuvo el único Oscar al Mejor Guión Original de 1941 por la misma, muchos consideran menor su segunda película "The magnificent Ambersons", de 1942, cuando situada en el estado de Indiana en la época del esplendor de la Revolución Industrial es un incisivo estudio de la doble moral norteamericana qúe para no ir tan lejos sigue tan vigente en aquel mismo estado de la Unión Americana donde recientemente causó controversia una ley de "libertades religiosas" que discriminaba a las minorías homosexuales.
Con todo, Welles era demasiada pieza para un Hollywood que en tiempos de guerra clamaba por éxitos de taquilla que como no daban sus reflexivas y literalmente sombrías historias lo llevaron como al mencionado "Indio" Fernandez a "cambalachear" sus adaptaciones shakesperianas a la pantalla grande o más proyectos "de aliento" con su trabajo como actor donde tuvo su respective éxito taquillero a partir de su mancuerna con la también ganadora del Oscar a la Mejor Actriz de 1941, Joan Fontaine, en la version de 1944 de "Jane Eyre", bajo la dirección de Robert Stevenson y una adpatación del clásico texto de Charlotte Bronte de otro grande como Aldous Huxley.
Así, Welles destacó hacienda mancuerna con su esposa Rita Hayworth en clásicos como el thriller "La dama de Shangai", de 1947; combinó su trabajo como director y protagonista de clásicos shakesperianos como "Macbeth", de 1948, con "Otelo", de 1952, con grandes trabajos protagónicos de "El tercer hombre" (Carol Reed, 1949) a la adaptación del texto del novelista William Faulkner de "El largo y ardiente verano" (Martin Ritt, 1958) el mismo año que filmó otro de sus grandes clásicos que fue "Sombras del mal" ("Touch of evil"), donde hizo el personaje antagónico de una historia que protagonizó Charlton Heston como un policía mexicano maquillado casi como negro apenas un año antes de ganar el único Oscar como Mejor Actor de su filmografía la superproducción "Ben Hur", de William Wyler, en 1959.
Con todo, Welles se las siguió ingeniando para sobrevivir a la decadencia de la Epoca de Oro del cine internacional, y justo a partir de la gestación en Europa de la llamada "Nueva Ola" vino a aprovechar ese "segundo aire" del cine a nivel mundial para armar otros grandes proyectos personales como su adaptación de "El proceso", de Kafka, de 1963, o "Campanadas a la medianoche", de 1965, donde además de dirigir interpretó al protagonista Falstaff de este texto shakesperiano y en las que lo acompañó una de las actrices fetiche del tambén llamado movimiento de la "Nouvelle Vague" en Francia, Jeanne Moreaum, los cuales combinaba exitosamente con su trabajo como actor en otras grandes obras como la maxima ganadora de Oscares en 1966 que fue "El hombre de dos reinos", de Fred Zinnemann, donde interpretó el papel del cardenal Wolsey, entre otras.
En los años 70 Welles retomó con éxito su trabajo como narrador que en radio desempeñó al máximo en el cortometraje documental ganador del Oscar "Centinelas del silencio", de 1971, dirigido por Robert Arman y el mexicano Manuel Arango en su version en ingles (la hispana corrió a cargo del también mexicano y orgullosamente coahuilense Ricardo Montalbán), al tiempo que como actor seguía vigente aunque fuera con apariciones breves como la que hizo en la película de "Los Muppets", en 1979.
Los años 80 los inicia nuevamente Welles destacando como narrador en la comedia "La loca historia del mundo", de Mel Brooks, en 1981, falleciendo el 10 de octubre de 1985 a los 70 años de edad y con varios proyectos inconclusos tanto del género documental como de ficción que se han estado estrenando de manera póstuma y del cual todavía se espera el de "El otro lado del viento" justo en occasion del centenario de su natalicio. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Hijo de un inventor y de una concertista de piano, desde muy pequeño Orson estuvo expuesto a las artes en las cuales destacó desde muy temprana edad, como lo fueron desde la magia hasta la pintura y el piano las cuales al combiner lo hicieron uno de los grandes genios del cine.
Apasionado primero por el teatro y después por la radio, Welles llevó a su compañía teatral neoyorkina del Mercury Theatre a una popularidad inesperada cuando su radioteatro dominicial de adaptaciones en su mayoría shakesperianas en la víspera de la noche de Halloween de 1938 su adaptación del texto de "La Guerra de los Mundos", de H.G. Welles propició histeria colectiva a lo largo de la Unión Americana al grado que Hollywood no pudo ignorar al llamado "niño genio" que en los tiempos del despunte de la Meca del Cine con megaproducciones como "Lo que el viento se llevó" o "El mago de Oz", en 1939, solo podría concebir para la pantalla grande una obra que impactaría a las masas y trascendería con el paso del tiempo.
Y no se equivocaron, ya que si bien no filmó una obra de la magnitud en producción como "La Guerra de los Mundos" sí lo hizo con una película de inmensidad autoral que por lo mismo es considerada uno de los más grandes debuts u operas primas en la historia del cine como sucedió con "El ciudadano Kane", considerada un parteaguas en el quehacer cinematográfico cuando se estrenó en 1941 y que muchos ignoran tuvo mucho peso en su realización la actriz mexicana Dolores del Río, pareja de Orson Welles en el tiempo en que hacía su transición entre Nueva York y Los Angeles, puesto que siendo la historia ingeniosamente maquillada del magnate de los medios Randolph Hearst Welles desarrolló la anécdota e historia del magnate Hearst alrededor de las confidencias que su amante en la vida real, Marion Davis, le hizo a Dolores en fiestas que coincidieron juntas.
No por nada Dolores del Río fue la pareja que acompañó a Welles al estreno de "El ciudadano Kane" el 1 de mayo de 1941 en Nueva York, e inclusive fue su coprotagonista en una película que Welles codirigió como lo fue "Journey into fear", de 1942, y estaba considerada a su vez a coprotagonizar una version que dirigiría Welles del texto de Federico Gamboa, "Santa", cuyo guión había escrito el mexicano Chano Urueta, antes de que la pareja terminara su relación y Dolores del Río tuviera su "segundo aire" como actriz ya cuarentona pero en su máximo esplendor como musa del cineaste coahuilense Emilio "Indio" Fernandez, a partir de "Flor Silvestre", en 1943.
Pero volviendo a Welles, habiendo implementado al lenguaje cinematográfico logros como la profundidad de campo y los ángulos de cámara que logró gracias a su célebre mancuerna con su fotógrafo Greg Tolland y su guionista Herman J. Mankiewicz con quien obtuvo el único Oscar al Mejor Guión Original de 1941 por la misma, muchos consideran menor su segunda película "The magnificent Ambersons", de 1942, cuando situada en el estado de Indiana en la época del esplendor de la Revolución Industrial es un incisivo estudio de la doble moral norteamericana qúe para no ir tan lejos sigue tan vigente en aquel mismo estado de la Unión Americana donde recientemente causó controversia una ley de "libertades religiosas" que discriminaba a las minorías homosexuales.
Con todo, Welles era demasiada pieza para un Hollywood que en tiempos de guerra clamaba por éxitos de taquilla que como no daban sus reflexivas y literalmente sombrías historias lo llevaron como al mencionado "Indio" Fernandez a "cambalachear" sus adaptaciones shakesperianas a la pantalla grande o más proyectos "de aliento" con su trabajo como actor donde tuvo su respective éxito taquillero a partir de su mancuerna con la también ganadora del Oscar a la Mejor Actriz de 1941, Joan Fontaine, en la version de 1944 de "Jane Eyre", bajo la dirección de Robert Stevenson y una adpatación del clásico texto de Charlotte Bronte de otro grande como Aldous Huxley.
Así, Welles destacó hacienda mancuerna con su esposa Rita Hayworth en clásicos como el thriller "La dama de Shangai", de 1947; combinó su trabajo como director y protagonista de clásicos shakesperianos como "Macbeth", de 1948, con "Otelo", de 1952, con grandes trabajos protagónicos de "El tercer hombre" (Carol Reed, 1949) a la adaptación del texto del novelista William Faulkner de "El largo y ardiente verano" (Martin Ritt, 1958) el mismo año que filmó otro de sus grandes clásicos que fue "Sombras del mal" ("Touch of evil"), donde hizo el personaje antagónico de una historia que protagonizó Charlton Heston como un policía mexicano maquillado casi como negro apenas un año antes de ganar el único Oscar como Mejor Actor de su filmografía la superproducción "Ben Hur", de William Wyler, en 1959.
Con todo, Welles se las siguió ingeniando para sobrevivir a la decadencia de la Epoca de Oro del cine internacional, y justo a partir de la gestación en Europa de la llamada "Nueva Ola" vino a aprovechar ese "segundo aire" del cine a nivel mundial para armar otros grandes proyectos personales como su adaptación de "El proceso", de Kafka, de 1963, o "Campanadas a la medianoche", de 1965, donde además de dirigir interpretó al protagonista Falstaff de este texto shakesperiano y en las que lo acompañó una de las actrices fetiche del tambén llamado movimiento de la "Nouvelle Vague" en Francia, Jeanne Moreaum, los cuales combinaba exitosamente con su trabajo como actor en otras grandes obras como la maxima ganadora de Oscares en 1966 que fue "El hombre de dos reinos", de Fred Zinnemann, donde interpretó el papel del cardenal Wolsey, entre otras.
En los años 70 Welles retomó con éxito su trabajo como narrador que en radio desempeñó al máximo en el cortometraje documental ganador del Oscar "Centinelas del silencio", de 1971, dirigido por Robert Arman y el mexicano Manuel Arango en su version en ingles (la hispana corrió a cargo del también mexicano y orgullosamente coahuilense Ricardo Montalbán), al tiempo que como actor seguía vigente aunque fuera con apariciones breves como la que hizo en la película de "Los Muppets", en 1979.
Los años 80 los inicia nuevamente Welles destacando como narrador en la comedia "La loca historia del mundo", de Mel Brooks, en 1981, falleciendo el 10 de octubre de 1985 a los 70 años de edad y con varios proyectos inconclusos tanto del género documental como de ficción que se han estado estrenando de manera póstuma y del cual todavía se espera el de "El otro lado del viento" justo en occasion del centenario de su natalicio. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Un día como hoy pero de 1907 nace en la Ciudad de México el que sería el primer gran fotógrafo de cine mexicano para el mundo, Gabriel Figueroa. Es por ello que hoy vamos a dedicar estos espacios a hacer una breve reseña de la prolífica filmografía de este creador que entre otras cosas fue pionero en el reconocimiento en la Meca del Cine con una primera nominación en la historia del Oscar a un fotógrafo compatriota nuestro en la terna a la Mejor Fotografía de 1964 (en su caso de blanco y negro) por el clásico "La noche de la iguana", del maestro norteamericano John Huston.
Para ese entonces Figueroa ya estaba completando poco más que tres décadas como fotógrafo de cine desde que se inició como tal nada menos que trabajando al lado del célebre cineasta ruso Sergei Eisenstein en el clásico "Qué Viva México", en 1932, cuya estética retomó en la mayor parte de sus colaboraciones con el cineasta coahuilense Emilio "Indio" Fernández.
Justo entre "Qué Viva México" y la primera colaboración con Fernández como director en su primera épica revolucionaria "Flor Silvestre", de 1943, Figueroa filmó obras importantes de la cinematografía nacional de diversos géneros como lo fueron "Allá en el Rancho Grande" y "Vámonos con Pancho Villa", ambas de 1935 y 1936 respectivamente,bajo las órdenes de Fernando de Fuentes; "La noche de los mayas" y "Los de Abajo", de 1939 y 1940, bajo la dirección de Chano Urueta; "¡Ay que tiempos señor Don Simón" y "La virgen que forjó una patria", de 1941 y 1942, de Julio Bracho, entre otras.
Es a partir de "Flor Silvestre" que Figueroa se integra como fotógrafo al "equipo de oro" del cine mexicano que encabezó Emilio "Indio" Fernández como director; el escritor zacatecano Mauricio Magdaleno como guionista y actores y actrices como Pedro Armendáriz, Dolores del Río, María Félix, María Elena Márques, Columba Domínguez y otros más para crear clásicos como la misma "Flor Silvestre"; "María Candelaria"; "Las abandonadas"; "Bugambilia"; "La perla"; "Enamorada"; "Río Escondido"; "Pueblerina"; La malquerida" y otras más.
La identificación con Fernández se dio, entre otras cosas, quizás por el amor a la patria que ambos en un momento de sus vidas abandonaron en pos de sus sueños cinematográficos y los llevaron a picar piedra desde sus respectivas trincheras en Hollywood, y no por nada es que coincidió que al ser uno de los mentores de Figueroa en la Meca del Cine el reconocido fotógrafo de clásicos como "Cumbres borrascosas" (William Wyler, 1939) o "El ciudadano Kane" (Orson Welles, 1941), Gregg Toland, y al verse imposibilitado este último para trabajar como fotógrafo del western "El fugitivo", de 1947, que fue dirigido por el maestro del género John Ford, que Toland recomendó personalmente a Figueroa para dicha encomienda
A partir de la década de los 50 Figueroa inicia otra prolífica y no menos reconocida colaboración con otro cineasta internacional para el mundo, Luis Buñuel, con quien filmó importantes títulos como "Los olvidados" (1950); "El" (1953); "Nazarín" (1958); "El ángel exterminador" (1962); "Simón del desierto" (1964), entre otras.
Otro de los importantes directores del cine nacional con el que trabajó Gabriel Figueroa fue con Roberto Gavaldón, con quien luego de colaborar en clásicos como "El rebozo de soledad", de 1952 o "El niño y la niebla", de 1953, realiza una magistral fotografía en blanco y negro que incluye una inolvidable secuencia en una cueva iluminada sólo con velas en "Macario", que fue a su vez la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la terna de Mejor Película Extranjera en 1960.
Figueroa volvió a formar parte de otra película de manufactura mexicana que fue nominada en la terna a Mejor Película extranjera en 1961 por el trabajo que hizo en "Ánimas Trujano: Un hombre importante", de Ismael Rodríguez, para en 1964 convertirse en el pionero de fotógrafos mexicanos en ser nominado a la Mejor Fotografía en 1964 previo al truinfo obtenido por tros compatriotas y colegas suyos como Guillermo Navarro (por "El laberinto del fauno", de 2007) o Emmanuel Lubezki (por "Gravedad", de 2013 y "Birdman", de 2014). De hecho uno de los últimos trabajos relevantes en la filmografía como fotógrafo del maestro Gabriel Figueroa fue por su última colaboración con el mencionado John Huston en "Bajo el volcán", de 1984, que le dio su respectiva nominación al Oscar al Mejor Actor de aquel año a su protagonista, el actor británico Albert Finney. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Para ese entonces Figueroa ya estaba completando poco más que tres décadas como fotógrafo de cine desde que se inició como tal nada menos que trabajando al lado del célebre cineasta ruso Sergei Eisenstein en el clásico "Qué Viva México", en 1932, cuya estética retomó en la mayor parte de sus colaboraciones con el cineasta coahuilense Emilio "Indio" Fernández.
Justo entre "Qué Viva México" y la primera colaboración con Fernández como director en su primera épica revolucionaria "Flor Silvestre", de 1943, Figueroa filmó obras importantes de la cinematografía nacional de diversos géneros como lo fueron "Allá en el Rancho Grande" y "Vámonos con Pancho Villa", ambas de 1935 y 1936 respectivamente,bajo las órdenes de Fernando de Fuentes; "La noche de los mayas" y "Los de Abajo", de 1939 y 1940, bajo la dirección de Chano Urueta; "¡Ay que tiempos señor Don Simón" y "La virgen que forjó una patria", de 1941 y 1942, de Julio Bracho, entre otras.
Es a partir de "Flor Silvestre" que Figueroa se integra como fotógrafo al "equipo de oro" del cine mexicano que encabezó Emilio "Indio" Fernández como director; el escritor zacatecano Mauricio Magdaleno como guionista y actores y actrices como Pedro Armendáriz, Dolores del Río, María Félix, María Elena Márques, Columba Domínguez y otros más para crear clásicos como la misma "Flor Silvestre"; "María Candelaria"; "Las abandonadas"; "Bugambilia"; "La perla"; "Enamorada"; "Río Escondido"; "Pueblerina"; La malquerida" y otras más.
La identificación con Fernández se dio, entre otras cosas, quizás por el amor a la patria que ambos en un momento de sus vidas abandonaron en pos de sus sueños cinematográficos y los llevaron a picar piedra desde sus respectivas trincheras en Hollywood, y no por nada es que coincidió que al ser uno de los mentores de Figueroa en la Meca del Cine el reconocido fotógrafo de clásicos como "Cumbres borrascosas" (William Wyler, 1939) o "El ciudadano Kane" (Orson Welles, 1941), Gregg Toland, y al verse imposibilitado este último para trabajar como fotógrafo del western "El fugitivo", de 1947, que fue dirigido por el maestro del género John Ford, que Toland recomendó personalmente a Figueroa para dicha encomienda
A partir de la década de los 50 Figueroa inicia otra prolífica y no menos reconocida colaboración con otro cineasta internacional para el mundo, Luis Buñuel, con quien filmó importantes títulos como "Los olvidados" (1950); "El" (1953); "Nazarín" (1958); "El ángel exterminador" (1962); "Simón del desierto" (1964), entre otras.
Otro de los importantes directores del cine nacional con el que trabajó Gabriel Figueroa fue con Roberto Gavaldón, con quien luego de colaborar en clásicos como "El rebozo de soledad", de 1952 o "El niño y la niebla", de 1953, realiza una magistral fotografía en blanco y negro que incluye una inolvidable secuencia en una cueva iluminada sólo con velas en "Macario", que fue a su vez la primera película mexicana en haber sido nominada al Oscar en la terna de Mejor Película Extranjera en 1960.
Figueroa volvió a formar parte de otra película de manufactura mexicana que fue nominada en la terna a Mejor Película extranjera en 1961 por el trabajo que hizo en "Ánimas Trujano: Un hombre importante", de Ismael Rodríguez, para en 1964 convertirse en el pionero de fotógrafos mexicanos en ser nominado a la Mejor Fotografía en 1964 previo al truinfo obtenido por tros compatriotas y colegas suyos como Guillermo Navarro (por "El laberinto del fauno", de 2007) o Emmanuel Lubezki (por "Gravedad", de 2013 y "Birdman", de 2014). De hecho uno de los últimos trabajos relevantes en la filmografía como fotógrafo del maestro Gabriel Figueroa fue por su última colaboración con el mencionado John Huston en "Bajo el volcán", de 1984, que le dio su respectiva nominación al Oscar al Mejor Actor de aquel año a su protagonista, el actor británico Albert Finney. Muchas felicidades y gracias por su legado.
Hoy 12 de marzo amanecemos con la triste noticia de la muerte de la primra actriz de origen saltillense Magda Guzman a los 83 anios de edad. Su ascenso en el medio artistico se dio primero en el Septimo Arte en donde una de sus primeras apariciones fue a finales de la decada de los 40 dentro de la produccion hollywoodense filmada en Acapulco, "Tarzan y las Sirenas", de Robert Frorey, compartiendo creditos con el norteamericano Johnny Weismuller y la tambien mexicana Silvia Derbez.
Magda Guzman llego a ser nominada en la decada de los 50 a dos premios Ariel, el primero a la Mejor Coactuacion Femenina de 1954 por "La duda", de Alejandro Galindo y el segundo como Mejor Papel de Cuadro Femenino de 1955 por "La vida no vale nada", de Rogelio A. Gonzalez, al lado del idolo Pedro Infante. Fue bajo las ordenes de este ultimo cineasta de origen regiomontano que realiza uno de sus mejores papeles en el cine dentro del compilado de historias femeninas "Por que naci mujer?", de 1968, compartiendo creditos con otras primeras actrices como Sara Garcia, Prudencia Griffel, Ofelia Guilmain, Pilar Pellicer, Alma Muriel y Ana Martin, entre otras.
Es junto a esta ultima interpretando el papel de su madre en el anio de 1979 comienza a ser reconocida en grandes exitos de telenovelasde Televisa bajo la produccion del "Sr. Telenovela" Ernesto Alonso a partir del clasico "Muchacha de barrio", de 1979. Aquel mismo anio, el 26 de marzo de 1979 para ser exactos regresa a su natal Saltillo, Coahuila, para inaugurar el Teatro de la Ciudad Fernando Soler siendo la protagonista de la obra "Los empenos de una casa", de Sor Juana Ines de la Cruz, bajo la direccion del maestro Luis G. Basurto. Coincidentemente en 1974 Magda Guzman comparte creditos junto al tambien primer actor saltillense Fernando Soler en la adaptacion para la pantalla chica del clasico "Los miserables", de Victor Hugo, donde tambien participaron los primeros actores Diana Bracho, Sergio Bustamante y otros mas.
En la decada de los 80 sigue cosechando exitos en telenovelas como "Extranos caminos del amor", de 1981; "Bodas de odio", de 1983 y "Tu o nadie", en 1985 pero es en 1987 interpretando a la querida "manina" de Veronica Castro en el clasico "Rosa Salvaje" que consigue uno de los momentos de mayor popularidad en es genero. En la decada de los 90 destaca su participacion como la madre trastornada del personaje antagonico de Sergio Goyri en la telenovela "Te sigo Armando", producida por Carla Estrada en 1997, protaginizada por Claudia Ramirez y el venezolano Luis Jose Santander y al lado de otras primeras actrices del cine como Carmen Montejo, Katy Jurado y Maria Rojo, entre otras. Justo junto a la primera actriz Carmen Montejo vuelve a participar en la ultima telenovela de la señora Montejo, "En nombre del amor", refrito del clasico "Cadenas de amargura" en 2009 bajo la direccion de la hija en la vida real de la senira Guzman, la tambien actriz Karina Duprez.
Sigue activa y vigente en melodramas de la pantalla chica haciendo grandes actuaciones como el de la madre cizanosa del personaje de Juan Carlos Barreto y suegra de Alejandra Barros en "Para volver a amar", de 2010, siendo su ultima aparicion en telenovela en "Amor bravio", de 2012, protagonizada por Silvia Navarro y Cristian de la Fuente. Descanse en paz y gracias por su legado.
Magda Guzman llego a ser nominada en la decada de los 50 a dos premios Ariel, el primero a la Mejor Coactuacion Femenina de 1954 por "La duda", de Alejandro Galindo y el segundo como Mejor Papel de Cuadro Femenino de 1955 por "La vida no vale nada", de Rogelio A. Gonzalez, al lado del idolo Pedro Infante. Fue bajo las ordenes de este ultimo cineasta de origen regiomontano que realiza uno de sus mejores papeles en el cine dentro del compilado de historias femeninas "Por que naci mujer?", de 1968, compartiendo creditos con otras primeras actrices como Sara Garcia, Prudencia Griffel, Ofelia Guilmain, Pilar Pellicer, Alma Muriel y Ana Martin, entre otras.
Es junto a esta ultima interpretando el papel de su madre en el anio de 1979 comienza a ser reconocida en grandes exitos de telenovelasde Televisa bajo la produccion del "Sr. Telenovela" Ernesto Alonso a partir del clasico "Muchacha de barrio", de 1979. Aquel mismo anio, el 26 de marzo de 1979 para ser exactos regresa a su natal Saltillo, Coahuila, para inaugurar el Teatro de la Ciudad Fernando Soler siendo la protagonista de la obra "Los empenos de una casa", de Sor Juana Ines de la Cruz, bajo la direccion del maestro Luis G. Basurto. Coincidentemente en 1974 Magda Guzman comparte creditos junto al tambien primer actor saltillense Fernando Soler en la adaptacion para la pantalla chica del clasico "Los miserables", de Victor Hugo, donde tambien participaron los primeros actores Diana Bracho, Sergio Bustamante y otros mas.
En la decada de los 80 sigue cosechando exitos en telenovelas como "Extranos caminos del amor", de 1981; "Bodas de odio", de 1983 y "Tu o nadie", en 1985 pero es en 1987 interpretando a la querida "manina" de Veronica Castro en el clasico "Rosa Salvaje" que consigue uno de los momentos de mayor popularidad en es genero. En la decada de los 90 destaca su participacion como la madre trastornada del personaje antagonico de Sergio Goyri en la telenovela "Te sigo Armando", producida por Carla Estrada en 1997, protaginizada por Claudia Ramirez y el venezolano Luis Jose Santander y al lado de otras primeras actrices del cine como Carmen Montejo, Katy Jurado y Maria Rojo, entre otras. Justo junto a la primera actriz Carmen Montejo vuelve a participar en la ultima telenovela de la señora Montejo, "En nombre del amor", refrito del clasico "Cadenas de amargura" en 2009 bajo la direccion de la hija en la vida real de la senira Guzman, la tambien actriz Karina Duprez.
Sigue activa y vigente en melodramas de la pantalla chica haciendo grandes actuaciones como el de la madre cizanosa del personaje de Juan Carlos Barreto y suegra de Alejandra Barros en "Para volver a amar", de 2010, siendo su ultima aparicion en telenovela en "Amor bravio", de 2012, protagonizada por Silvia Navarro y Cristian de la Fuente. Descanse en paz y gracias por su legado.
Hoy ha dado nota nacional en secciones de espectaculos relacionada a los recientes premios Oscar la de que uno de los ganadores en la terna al Mejor Guion Original, el argentino Nicolas Giacabone, fue a la ceremonia con su pareja sentimental, un travesti llamado Mariana, que a su vez causo controversia en redes sociales porque hubo quienes aseguraban es mas bien una mujer trans al incluir la nota que se vio envuelto en su natal Argentina en un escandalo bajo la identidad de Ginna y por sostener en aquel pais una relacion con una actriz transgenero llamada Florencia de la V.
Precisamente por el hecho de informar, y de ser posible educar un poco o un mucho sobre la diversidad sexual, asi como la historia de la lucha por los derechos humanos de la comunidad homosexual en Mexico iniciando de manera oficial por la activista coahuilense Nancy Cardenas, realizamos el largometraje "Nadie es libre", que tuvo su estreno mundial en el Festival Mix de la Ciudad de Mexico de 2013, pero volviendo al tema de los Oscares otra ganadora del Oscar, en su caso a la Mejor Actriz de 2014, la norteamericana Julianne Moore, dedico su premio tanto a personas cercanas de su vida como su esposo pero tambien a sus directores, Richard Glatzer y Wash Westmoreland, quienes estaba ausentes de la ceremonia por el trastorno de esclerosis lateral que sufre Richard practicamente desde que dirigieron a Julianne en "Still Alice" y que por lo mismo fue una victoria doble para la pareja de esposos en la vida real porque a pesar de ser de por si la enfermedad una fuerte carga para el proceso creativo de la pelicula, tambien le ayudo a moldear el viacrucis de su protagonista, una maestra enferma de Alzheimer.
Julianne Moore, actriz heterosexual, ha sido actriz fetiche del director abiertamente gay Todd Haynes en una trilogia de peliculas como "Safe", de 1995; "Lejos del cielo", de 2002, que le dio su segunda nominacion al Oscar en la categoria como Mejor Actriz y "I'm not there", de 2007, y en 2010 bajo las ordenes de la directora abiertamente lesbiana Lisa Cholodenko la comedia donde interpreto a la pareja sentimental de la tambien nominada al Oscar, Annette Bening, "Los chicos estan bien", pero tambien ha sido dirigida por otros grandes directores heterosexuales como Paul Thomas Anderson en "Boogie nights: Juegos de placer", de 1997; el britanico Stephen Daldry en "Las horas", de 2002 o incluso el primer cineasta mexicano ganador del Oscar al Mejor Director, Alfonso Cuaron, en "Ninos del hombre", de 2006, entre otros.
En resumidas cuentas, mas que buscar escandalo una nota como estas, lo ideal es celebrar la diversidad, como ha sido festejar el truinfo de nuestro compatriota Alejandro Gonzalez Inarritu y todo su equipo de creativos en "BIRDMAN", cualquiera que esta sea.
Dedicado a la primera actriz y amiga Carmen Montejo, en es segundo aniversario de su fallecimiento.
Precisamente por el hecho de informar, y de ser posible educar un poco o un mucho sobre la diversidad sexual, asi como la historia de la lucha por los derechos humanos de la comunidad homosexual en Mexico iniciando de manera oficial por la activista coahuilense Nancy Cardenas, realizamos el largometraje "Nadie es libre", que tuvo su estreno mundial en el Festival Mix de la Ciudad de Mexico de 2013, pero volviendo al tema de los Oscares otra ganadora del Oscar, en su caso a la Mejor Actriz de 2014, la norteamericana Julianne Moore, dedico su premio tanto a personas cercanas de su vida como su esposo pero tambien a sus directores, Richard Glatzer y Wash Westmoreland, quienes estaba ausentes de la ceremonia por el trastorno de esclerosis lateral que sufre Richard practicamente desde que dirigieron a Julianne en "Still Alice" y que por lo mismo fue una victoria doble para la pareja de esposos en la vida real porque a pesar de ser de por si la enfermedad una fuerte carga para el proceso creativo de la pelicula, tambien le ayudo a moldear el viacrucis de su protagonista, una maestra enferma de Alzheimer.
Julianne Moore, actriz heterosexual, ha sido actriz fetiche del director abiertamente gay Todd Haynes en una trilogia de peliculas como "Safe", de 1995; "Lejos del cielo", de 2002, que le dio su segunda nominacion al Oscar en la categoria como Mejor Actriz y "I'm not there", de 2007, y en 2010 bajo las ordenes de la directora abiertamente lesbiana Lisa Cholodenko la comedia donde interpreto a la pareja sentimental de la tambien nominada al Oscar, Annette Bening, "Los chicos estan bien", pero tambien ha sido dirigida por otros grandes directores heterosexuales como Paul Thomas Anderson en "Boogie nights: Juegos de placer", de 1997; el britanico Stephen Daldry en "Las horas", de 2002 o incluso el primer cineasta mexicano ganador del Oscar al Mejor Director, Alfonso Cuaron, en "Ninos del hombre", de 2006, entre otros.
En resumidas cuentas, mas que buscar escandalo una nota como estas, lo ideal es celebrar la diversidad, como ha sido festejar el truinfo de nuestro compatriota Alejandro Gonzalez Inarritu y todo su equipo de creativos en "BIRDMAN", cualquiera que esta sea.
Dedicado a la primera actriz y amiga Carmen Montejo, en es segundo aniversario de su fallecimiento.
Basada en la historia real de la creación de las bombas de Hiroshima y Nagasaki que recibieron los nombres clave de "Fat Man and Little Boy" (de ahí ´que este fue el título en su idioma original) "El proyecto Manhattan" aprovechó las locaciones que le brindaban los estados de Coahuila y Durango para recrear en la Comarca Lagunera el equivalente al desierto de Nuevo México en donde dicho protecto fue concebido originalmente, teniendo como elenco principal al que incluyó al primer actor Paul Newman, al actor en ascenso John Cusack y a la hoy dos veces nominada al Oscar Laura Dern, entre otros bajo la dirección del reconocido director de origen británico Roland Joffe ("Los gritos de silencio"; "La mission").
Vale la pena destacar que el año pasado Roland Joffe regresó a locaciones en su caso del estado de Durango para la filmación de la serie para TV "Texas rising", sobre la guerra entre México y Texas, que protagonizan entre otros el actor texano Bill Paxton como Sam Houston; el francés Olivier Martinez como el General Antonio López de Santa Anna y el actor coahuilense Raúl Méndez como Juan Seguín, entre otros.
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