Este día estamos de manteles largos festejando los cumpleaños de dos mujeronas que, cada una en ámbitos diferentes del arte y distintas nacionalidades aunque contemporáneas en edad, han hecho cada una su respectiva historia dentro del Séptimo Arte.
La primera de ellas es Evita Muñoz "Chachita", quien nacida el 26 de noviembre de 1936 en Orizaba, Veracruz, llega hoy a los 74 años de edad. Ella ahora sí que es toda una veterana en el cine puesto que desde que estaba por cumplir los 4 años de edad pisó los sets cinematográficos al formar parte del elenco de "El secreto del sacerdote", al lado de una figura de la talla de Pedro Arméndariz, bajo la dirección del maestro Joselito Rpdríguez, y fue precisamente él y no su hermano Ismael como muchos creen a quien se debe que la actriz haya adoptado el nombre de "Chachita" puesto que fue antes que "Nosotros los pobres", su película emblemática, porque fue el realizador el que le dio al personaje que interpretó en la segunda película de Evita Muñoz que fue la muy taquillera "¡Ay, Jalsico, no te rajes"!, de 1941, al lado de otro ícono de la Epoca de Oro del Cine Mexicano como Jorge Negrete el apodo de "Chachita".
Ese mismo mote fue el que la popularizó desde 1947 hasta la fecha al ser dirigida por el mencionado maestro ismael Rodríguez junto a figuras de la talla de Pedro Infante, Blanca Estela Pavón, Carmen Montejo, Katy Jurado, Miguel Inclán y otros grandes en el clásico de clásicos "Nosotros los pobres", la cual se convirtió a su vez en una de las primeras trilogías del cine no sólo mexicano sino internacional con secuelas como las de "Ustedes los ricos", de 1948, y "Pepe el Toro", de 1952, siendo "Chachita" junto a "Pepe el Toro" la única "sobreviviente" de la historia hasta su tercera entrega.
"Chachita" creció así en los sets cinematográficos teniendo como pareja ya en su juventud a su pareja desde "Nosotros los pobres" Freddy Fernández "El Pichi", repitiendo los dos en muchas de ellas sus conocidos apodos, y en los años 70 ya en el género de la televisión hizo otro personaje emblemático como la hermana Carmela de la popularísima telenovela "Mundo de juguete" donde compartió créditos junto a las desaparecidas actrices Sara garcía, Gloria Marín e Irán Eory, entre otras más.
En los años 80 "Chachita" no sólo siguió muy vigente en televisión sino también en el cine, ya que a pesar de que nuestra industria se debatía entre la vasta continuidad de películas de ficheras y narcos y las pocas ofertas d ecine de autor que se producían por entonces, ya que mientras continuaba cosechando éxitos en la televisión gracias ya como adultos a la pareja con Freddy Fernández en la teleserie "Nosotros los Gómez" en el cine nacional seguía haciendo personajes que le siguieron garantizando mucha taquilla en su tiempo como sucedió al interpretar en 1983 a la protagonista del comic "Hermelinda Linda", bajo la dirección del también actor de origen coahuilense Julio Aldama, cuyo gran éxito en los cines propició una consabida secuela en 1986.
Con todo, entre esas dos películas la actriz fue convocada junto a otros actores mexicanos como el también director Alfonso Arau y el primer actor Manuel Ojeda a formar parte del elenco nacional de la muy exitosa producción hollywoodense "Dos bribones tras la esmeralda perdida" ("Romancing the stone"), en 1984, siendo ahí dirigida por el ganador del Oscar Robert Zemeckis ("Forrest Gump") y compartiendo escena con Michael Douglas, Kathleen Turner y Danny DeVito, particularmente con este último en una simpática secuencia cómica dentro de la trama de la misma.
"Chachita" sigue vigente en la actualidad gracias a la televisión, siendo uno de sus últimos éxitos en la misma su participación al lado de los actores William Levy y Maite Perroni en la telenovela "Cuidado con el ángel", de 2008. Muchas felicidades.
Por otro lado, y hablando de la industria del cine hollywoodense, hasta ahi llegó la imponente presencia y talento musical de Anna Mae Bullock, mejor conocida como Tina Turner, quien bajo el primer nombre nació el 26 de noviembre de 1939 en el poblado sureño de Nutbush, Tennessee, y justo a principios de los años 70, como parte todavía del dueto con su entonces esposo Ike Turner, fue cuando hizo su primera aparición frente a las cámaras en su caso en un memorable documental como el protagonizado por los Rolling Stones bajo el título de "Gimme Shelter".
A mediados de la misma década de los 70, ya en solitario, y apareciendo al lado de otra legendaria agrupación británica del rock como The Who y solistas como Elton John y otros más en "Tommy", de 1975, donde Tina Turner hizo su primera gran interpretación en su caso dentro del género musical al interpretar a "La reina del Acido", siendo hasta justo una década después cuando en lo musical sólo interpretó el popular tema "We don't need another hero" pero en lo actoral se enfrentó nada menos que al ganador del Oscar Mel Gibson en la tercera parte de la taquillera serie de películas de "Mad Max" como la villana de la cinta titulada "Mad Max más allá de la cúpula del trueno", en 1985.
En la década de los 90 sin actuar pero basada en su best seller autobiográfico titulado "I Tina" tuvo un "segundo aire" en el cine primero al llegar a la pantalla su adaptación cinematográfica bajo el título de "What's love got to do with it", título de su éxito ganador de varios Grammy, por la cual sus actores protagónicos Angela Bassett y Laurence Fishburne fueron honrados merecidamente con dos nominaciones al Oscar como Mejor Actriz y Mejor Actor de 1993 por interpretar tanto a Tina (Anna Mae) y Ike Turner de manera respectiva, al tiempo que en 1995 fue llamada a interpretar el tema homónimo de la primera cinta de Pierce Brosnan como james Bond "Goldeneye". Muchas felicidades también.
About Me
- Alfredo Galindo
- Trabajo como columnista del periódico Vanguardia desde 1995, escribo sobre música, cine y televisión. Combino la pasión de escribir con la creación cinematográfica.
El primer martes de noviembre coincide no sólo con la celebración del Día de Muertos sino con el aniversario número 35 de la muerte de uno de los cineastas más célebres y polémicos de Italia.
Su nombre era el de Pier Paolo Pasolini, un artista que alcanzó fama y notoriedad mucho antes de ser reconocido como el emblemático cineasta que fue. Nacido el 5 de marzo de 1922 en la provincia de Boloña, Emilia-Romana, en Italia, para cuando Pasolini consiguió la publicación de su poesía a los 19 años de edad, ya había escrito numerosas novelas y ensayos antes de su primer guión cinematográfico de 1954.
Precisamente por ese firme oficio en la escritura que por años cultivó fue que a raíz de su primer guión un grande como Federico Fellini no dudó en invitarlo a colaborar en guiones de emblemáticas obras suyas como lo fueron "Las noches de Cabiria", en 1956, y "La dolce vita", en 1960 (aunque en esta última sin crédito), lo cual dio seguridad al autor para desarrollar su ópera prima de 1961 "Acattone", la cual basada en su propia novela del mismo nombre retrataba la violenta vida de un padrote de los barrios bajos de Roma con un realismo y crudeza que causó sensación por ser un estilo no muy abrazado por sus colegas cineastas de aquel tiempo.
Al año siguiente de 1962 Pasolini fue arrestado por su contribución a la compilación de cuatro cortos que complementaban además del suyo uno de Godard, otro de Roberto Rosellini y otro de Ugo Gregoretti denominado por lo mismo como "Ro.Go.Pa.G." ya que en su historia representaba la vida de Jesucristo en un entorno real y de miseria que era lo que más gustaba retratar, y aún y cuando fue considerado un blasfemo su sentencia fue suspendida parecía que iba a "volver a las andadas" como el ateo marxista que se autodenominaba al anunciar que su siguiente proyecto se iba a titular "El Evangelio según San Mateo".
Con todo, contrario a lo que el público de su tiempo pudiera pensar, "El Evangelio ..." resultó ser una de las más bellas representaciones de la vida de Jesús en el cine a pesar de haberse realizado con el realismo que caracterizó siempre a Pasolini en sus obras pero con un respeto al tema que justificó por haberla dedicado a su madre, una devota católica italiana. El filme no sólo ganó el Premio del Jurado del Festival de Cine de Venecia sino que fue nominado a 3 Oscares en las ternas de Mejor Vestuario, Mejor Dirección de Arte y Mejor Música de Luis Bacalov, el mismo que años después ganaría su respectiva estatuilla por la música de "El cartero", de 1995.
El resto de la obra de Pasolini alternaría escandalosas adaptaciones de clásicos textos literarios como "Edipo Rey", de 1967, con proyectos más personales que expresaban sus propias posturas hacia el ateísmo, el marxismo y la homosexualidad como sucediera con su clásico "Teorema", de 1968, falleciendo en la víspera del estreno de su obra cumbre "Saló ó los 120 días de Sodoma", el 2 de noviembre de 1975 al ser asesinado por un joven de 17 años que argumentó defensa propia por quererse propasar en apariencia Pasolini sexualmente con él. Una vida y muerte tan controvertida como su obra fílmica en general.
Su nombre era el de Pier Paolo Pasolini, un artista que alcanzó fama y notoriedad mucho antes de ser reconocido como el emblemático cineasta que fue. Nacido el 5 de marzo de 1922 en la provincia de Boloña, Emilia-Romana, en Italia, para cuando Pasolini consiguió la publicación de su poesía a los 19 años de edad, ya había escrito numerosas novelas y ensayos antes de su primer guión cinematográfico de 1954.
Precisamente por ese firme oficio en la escritura que por años cultivó fue que a raíz de su primer guión un grande como Federico Fellini no dudó en invitarlo a colaborar en guiones de emblemáticas obras suyas como lo fueron "Las noches de Cabiria", en 1956, y "La dolce vita", en 1960 (aunque en esta última sin crédito), lo cual dio seguridad al autor para desarrollar su ópera prima de 1961 "Acattone", la cual basada en su propia novela del mismo nombre retrataba la violenta vida de un padrote de los barrios bajos de Roma con un realismo y crudeza que causó sensación por ser un estilo no muy abrazado por sus colegas cineastas de aquel tiempo.
Al año siguiente de 1962 Pasolini fue arrestado por su contribución a la compilación de cuatro cortos que complementaban además del suyo uno de Godard, otro de Roberto Rosellini y otro de Ugo Gregoretti denominado por lo mismo como "Ro.Go.Pa.G." ya que en su historia representaba la vida de Jesucristo en un entorno real y de miseria que era lo que más gustaba retratar, y aún y cuando fue considerado un blasfemo su sentencia fue suspendida parecía que iba a "volver a las andadas" como el ateo marxista que se autodenominaba al anunciar que su siguiente proyecto se iba a titular "El Evangelio según San Mateo".
Con todo, contrario a lo que el público de su tiempo pudiera pensar, "El Evangelio ..." resultó ser una de las más bellas representaciones de la vida de Jesús en el cine a pesar de haberse realizado con el realismo que caracterizó siempre a Pasolini en sus obras pero con un respeto al tema que justificó por haberla dedicado a su madre, una devota católica italiana. El filme no sólo ganó el Premio del Jurado del Festival de Cine de Venecia sino que fue nominado a 3 Oscares en las ternas de Mejor Vestuario, Mejor Dirección de Arte y Mejor Música de Luis Bacalov, el mismo que años después ganaría su respectiva estatuilla por la música de "El cartero", de 1995.
El resto de la obra de Pasolini alternaría escandalosas adaptaciones de clásicos textos literarios como "Edipo Rey", de 1967, con proyectos más personales que expresaban sus propias posturas hacia el ateísmo, el marxismo y la homosexualidad como sucediera con su clásico "Teorema", de 1968, falleciendo en la víspera del estreno de su obra cumbre "Saló ó los 120 días de Sodoma", el 2 de noviembre de 1975 al ser asesinado por un joven de 17 años que argumentó defensa propia por quererse propasar en apariencia Pasolini sexualmente con él. Una vida y muerte tan controvertida como su obra fílmica en general.
Saturday, October 2, 2010
2 DE OCTUBRE NO SE OLVIDA ... NI OLVIDAMOS A SUS CREADORES
// Labels: 2 de Octubre
Este día emblemático dentro de la historia de México de la segunda mitad del siglo XX no sólo vamos a hablar de cintas que de alguna manera retrataron la convulsionada realidad que rodeó aquella fecha sino a creadores del cine actual que nacieron en un día como hoy pero de otros años.
La película documental más explícita de aquel día que representó el antes y después del México contemporáneo no sabemos si aún exista ó quedó sepultada, enlatada ó destruida por quienes la tuvieron en sus manos después de que el aclamado cineasta Servando González, director de clásicos como "Viento negro", de 1964, ó "El escapulario", de 1966, fue comisionado por la SEDENA no sólo para filmar el movimiento estudiantil y captar con ocho cámaras los sucesos del 2 de octubre de Tlatelolco.
En su lugar, la cinta que captó hasta donde pudo llegar según los recursos y limitaciones propias del momento y su situación frente a las autoridades represoras de aquel tiempo, fue el documental "El grito", de Leobardo López Arretche, entonces estudiante de cine del CUEC el cual estructurado según lo indica la escritora Perla Ciuk en su "Diccionario de directores del cine mexicano" (CONACULTA) se divide en cuatro bloques temporales correspondientes a cada uno de los meses previos a la fatídica fecha siendo en "Julio" los antecedentes; "Agosto", el desarrollo del movimiento y su creciente politización; "Septiembre", el rechazo al diálogo, la condena a la protesta estudiantil en el informe presidencial y la respuesta de los constestatarios y "Octubre", el desenlace trágico con la masacre en la Plaza de las Tres Culturas.
En 2008, aprovechando el 40 aniversario del suceso, se sacó en DVD bajo el sello de Cinema Films (http://www.cinemafilms.com.mx/) una edición de colección que incluye el documental original de 102 minutos de duración; comunicados cinematográficos del Consejo Nacional de Huelga; el documental "Mural efímero", de Raúl Kamffer; Testominios titulados "Memorial 68"; una galería de fotos inéditas por estudiantes del CUEC y el artículo "El movimiento estudiantil", de Jorge Ayala Blanco, del libro "La búsqueda del cine mexicano" (1968-1972). México, UNAM, 1974. Vale mucho la pena como un documento fílmico e histórico de toda esta época.
Con la consabida censura que con respecto a estos temas le dio el gobierno echeverrista de los años 70 al cine, sólo un director con las agallas del cineasta Felipe Cazals se pudo hacer en una película como "Canoa", de 1975, aproximarse a través de la ficción de un hecho real aparentemente distante de la Plaza de las Tres Culturas de 1968 puesto que narraba los antecedentes dle linchamiento en un municipio de Puebla de un grupo de estudiantes de la Universidad por parte de los habitantes de un pueblo movidos por el fanatismo que impulsaba un sacerdote agitador.
Así, en una especie de docuficción, Cazals nos empapó de los temores, las inquietudes, los miedos, las aspiraciones, de diversos sectores de un pueblo sometido tanto por las autoridades políticas como las religiosas dentro de un microcosmos que no era otra cosa que el malestar social generalizado que llevó a finales de los años 60 y a principios de los 70 en los detonadores de movimientos como el del 68 ó el 71 del jueves de Corpus en el Distrito Federal.
Dentro de la clandestinidad creativa que prosiguió durante los gobiernos de López Portillo y Miguel de la Madrid, en los albores de un aparentemente "alentador" gobierno en lo que al "renacimiento" del cine mexicano se refiere, fue que en 1988 el primer actor Héctor Bonilla apoyado en la producción por el prolífico cineasta Valentín Trujillo se rodeó desde un director de primer nivel como Jorge Fons hasta primeros actores y otros de gran potencial de una nueva generación para filmar "Rojo Amanecer", una ficción empapada de la realidad vivida aquel día por tantas familias de los edificios aledaños a la Plaza de las Tres Culturas y el muy posible desenlace de las vidas de la mayoría de ellos.
Con todo, a pesar de que "Rojo amanecer" tuvo una corrida comercial en 1990 con más apoyos que frenos debido a la política de "libertad creativa" que también propició el estreno 30 años después de enlatada de "la sombra del caudillo", del maestro Julio Bracho, la mayoría del resto de los filmes del salinato apoyaron las válidas propuestas de nuevos realizadores que si bien no buscaban politización en sus filmes buscaban variedad en sus propuestas como lo fueron la épica romántica de "Como agua para chocolate", de Alfonso Arau; la comedia "moral" y de muy buen amanufactura "Sólo con tu pareja", de Alfonso Cuarón; anticuarios de Guadalajara convertidos en vampíros en "Cronos", de Guillermo del Toro ó el feminismo intimista explorado por María Novaro en "Danzón", entre muchas otras más.
Con Zedillo el cine mexicano tocó fondo principalmente por falta de alientos económicos pero curiosamente con "el cambio" al panismo de Fox su falta de autoridad con el cine fue el mejor apoyo que pudo darle puesto que desde la entrada del nuevo milenio una audaz ópera prima como "Amores perros", de Alejandro González Iñárritu, le dio nuevos bríos a la alícaída industria a la que le siguió en particular una filme igualmente parteaguas para ese sexenio que curiosamente además de tener muchos ecos en la "Canoa" de Felipe Cazals tenía involucrados en su producción a dos creadores nacidos un dos de octubre que en conjunto realizaron un drama poco convencional del "coming of age" de dos adolsecentes cargado de erotismo pero también de referencias sociopolíticas y culturales que mantenían latente un explosivo listo para epxlotar en cualquier momento.
El filme en cuestión fue "Y tu mamá también", el regreso de Alfonso Cuarón a filmar a México y en español en el que en conjunción con su hermano Carlos (nacido el 2 de octubre de 1966 en la Ciudad de México) al tiempo que hacían un homenaje al "Canoa" de Cazals al seguir una estructura narrativa de la historia lineal que contaban dando saltos con "salpicadas" de la cruda realidad que rodeaba a sus protagonistas principales, pero a la vez dando un "segundo aire" a la filmografía de una actriz nacida el 2 de octubre de 1970 en Madrid, España, Maribel Verdú, reconocida la década anterior por importantes filmes españoles que van de la ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera de 1992, "Belle Epoque", de Fernando Trueba hasta su papel de la Duquesa de Alba en la biografía "Goya en Burdeos", de Carlos Saura, en 1999.
La rebelión imprimió Maribel Verdú a su papel de Luisa Cortés, la bella española que "conquista" a Julio Zapata (Gael García Bernal) y Tenoch Iturbide (Diego Luna) antes de que en la expansión de su libertad las pasiones compartidas los lleve a darse un beso entre ellos dos, no pasó desapercibida para otro de los cineastas pertenecientes a la generación del "nuevo cine mexicano" de los años 90, el tapatío Guillermo del Toro, quien no dudó en integrarla a su próximo proyecto, "El laberinto del fauno", deonde la Verdú imprimió a su Mercedes ese espíritu de libertad que alentó la creatividad de todos los cineastas activos alrededor del 2 de octubre de 1968 ... ó también a los nacidos alrededor de aquellos años en un día con fecha similar. Felicidades a todos ellos en donde quiera que estén.
La película documental más explícita de aquel día que representó el antes y después del México contemporáneo no sabemos si aún exista ó quedó sepultada, enlatada ó destruida por quienes la tuvieron en sus manos después de que el aclamado cineasta Servando González, director de clásicos como "Viento negro", de 1964, ó "El escapulario", de 1966, fue comisionado por la SEDENA no sólo para filmar el movimiento estudiantil y captar con ocho cámaras los sucesos del 2 de octubre de Tlatelolco.
En su lugar, la cinta que captó hasta donde pudo llegar según los recursos y limitaciones propias del momento y su situación frente a las autoridades represoras de aquel tiempo, fue el documental "El grito", de Leobardo López Arretche, entonces estudiante de cine del CUEC el cual estructurado según lo indica la escritora Perla Ciuk en su "Diccionario de directores del cine mexicano" (CONACULTA) se divide en cuatro bloques temporales correspondientes a cada uno de los meses previos a la fatídica fecha siendo en "Julio" los antecedentes; "Agosto", el desarrollo del movimiento y su creciente politización; "Septiembre", el rechazo al diálogo, la condena a la protesta estudiantil en el informe presidencial y la respuesta de los constestatarios y "Octubre", el desenlace trágico con la masacre en la Plaza de las Tres Culturas.
En 2008, aprovechando el 40 aniversario del suceso, se sacó en DVD bajo el sello de Cinema Films (http://www.cinemafilms.com.mx/) una edición de colección que incluye el documental original de 102 minutos de duración; comunicados cinematográficos del Consejo Nacional de Huelga; el documental "Mural efímero", de Raúl Kamffer; Testominios titulados "Memorial 68"; una galería de fotos inéditas por estudiantes del CUEC y el artículo "El movimiento estudiantil", de Jorge Ayala Blanco, del libro "La búsqueda del cine mexicano" (1968-1972). México, UNAM, 1974. Vale mucho la pena como un documento fílmico e histórico de toda esta época.
Con la consabida censura que con respecto a estos temas le dio el gobierno echeverrista de los años 70 al cine, sólo un director con las agallas del cineasta Felipe Cazals se pudo hacer en una película como "Canoa", de 1975, aproximarse a través de la ficción de un hecho real aparentemente distante de la Plaza de las Tres Culturas de 1968 puesto que narraba los antecedentes dle linchamiento en un municipio de Puebla de un grupo de estudiantes de la Universidad por parte de los habitantes de un pueblo movidos por el fanatismo que impulsaba un sacerdote agitador.
Así, en una especie de docuficción, Cazals nos empapó de los temores, las inquietudes, los miedos, las aspiraciones, de diversos sectores de un pueblo sometido tanto por las autoridades políticas como las religiosas dentro de un microcosmos que no era otra cosa que el malestar social generalizado que llevó a finales de los años 60 y a principios de los 70 en los detonadores de movimientos como el del 68 ó el 71 del jueves de Corpus en el Distrito Federal.
Dentro de la clandestinidad creativa que prosiguió durante los gobiernos de López Portillo y Miguel de la Madrid, en los albores de un aparentemente "alentador" gobierno en lo que al "renacimiento" del cine mexicano se refiere, fue que en 1988 el primer actor Héctor Bonilla apoyado en la producción por el prolífico cineasta Valentín Trujillo se rodeó desde un director de primer nivel como Jorge Fons hasta primeros actores y otros de gran potencial de una nueva generación para filmar "Rojo Amanecer", una ficción empapada de la realidad vivida aquel día por tantas familias de los edificios aledaños a la Plaza de las Tres Culturas y el muy posible desenlace de las vidas de la mayoría de ellos.
Con todo, a pesar de que "Rojo amanecer" tuvo una corrida comercial en 1990 con más apoyos que frenos debido a la política de "libertad creativa" que también propició el estreno 30 años después de enlatada de "la sombra del caudillo", del maestro Julio Bracho, la mayoría del resto de los filmes del salinato apoyaron las válidas propuestas de nuevos realizadores que si bien no buscaban politización en sus filmes buscaban variedad en sus propuestas como lo fueron la épica romántica de "Como agua para chocolate", de Alfonso Arau; la comedia "moral" y de muy buen amanufactura "Sólo con tu pareja", de Alfonso Cuarón; anticuarios de Guadalajara convertidos en vampíros en "Cronos", de Guillermo del Toro ó el feminismo intimista explorado por María Novaro en "Danzón", entre muchas otras más.
Con Zedillo el cine mexicano tocó fondo principalmente por falta de alientos económicos pero curiosamente con "el cambio" al panismo de Fox su falta de autoridad con el cine fue el mejor apoyo que pudo darle puesto que desde la entrada del nuevo milenio una audaz ópera prima como "Amores perros", de Alejandro González Iñárritu, le dio nuevos bríos a la alícaída industria a la que le siguió en particular una filme igualmente parteaguas para ese sexenio que curiosamente además de tener muchos ecos en la "Canoa" de Felipe Cazals tenía involucrados en su producción a dos creadores nacidos un dos de octubre que en conjunto realizaron un drama poco convencional del "coming of age" de dos adolsecentes cargado de erotismo pero también de referencias sociopolíticas y culturales que mantenían latente un explosivo listo para epxlotar en cualquier momento.
El filme en cuestión fue "Y tu mamá también", el regreso de Alfonso Cuarón a filmar a México y en español en el que en conjunción con su hermano Carlos (nacido el 2 de octubre de 1966 en la Ciudad de México) al tiempo que hacían un homenaje al "Canoa" de Cazals al seguir una estructura narrativa de la historia lineal que contaban dando saltos con "salpicadas" de la cruda realidad que rodeaba a sus protagonistas principales, pero a la vez dando un "segundo aire" a la filmografía de una actriz nacida el 2 de octubre de 1970 en Madrid, España, Maribel Verdú, reconocida la década anterior por importantes filmes españoles que van de la ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera de 1992, "Belle Epoque", de Fernando Trueba hasta su papel de la Duquesa de Alba en la biografía "Goya en Burdeos", de Carlos Saura, en 1999.
La rebelión imprimió Maribel Verdú a su papel de Luisa Cortés, la bella española que "conquista" a Julio Zapata (Gael García Bernal) y Tenoch Iturbide (Diego Luna) antes de que en la expansión de su libertad las pasiones compartidas los lleve a darse un beso entre ellos dos, no pasó desapercibida para otro de los cineastas pertenecientes a la generación del "nuevo cine mexicano" de los años 90, el tapatío Guillermo del Toro, quien no dudó en integrarla a su próximo proyecto, "El laberinto del fauno", deonde la Verdú imprimió a su Mercedes ese espíritu de libertad que alentó la creatividad de todos los cineastas activos alrededor del 2 de octubre de 1968 ... ó también a los nacidos alrededor de aquellos años en un día con fecha similar. Felicidades a todos ellos en donde quiera que estén.
Friday, October 1, 2010
"LAS COLINAS ESTAN VIVAS, CON EL SONIDO DE LA MUSICA"
// Labels: Julie Andrews
Hoy iniciamos el mes de octubre con una celebración como pocas en un 1 de octubre puesto que hace 75 años con exactitud nació una actriz que sigue estando activa hoy día en el cine tanto de acción viva como de animación pero quien por varias décadas ha estado presente generación tras generación con una, dos, tres ó más de los clásicos principalmente musicales en los que ha participado en su filmografía.
Nació con el nombre de Julia Elizabeth Wells el 1 de octubre de 1935 en Inglaterra pero para los cinéfilos del mundo es conocida como Julie Andrews, la misma que en el año de 1964 ante la sorpresa de muchos le arrebató con la distinción que siempre la ha caracterizado el Oscar a la Mejor Actriz a otra presencia icónica femeina del cine, Audrey Hepburn, gracias a su desempeño en el clásico con el sello de Walt Disney "Mary Poppins" a pesar de que competía nada menos que contra la protagonista del musical que ganó el Oscar a la Mejor Película del año: "Mi bella dama" ("My fair lady").
Sin embargo, el aplomo de la Andrews no se quedó ahí, y para quienes todavía dudaban si su premio por el papel de la nodriza de unos caprichosos niños londinenses había sido merecido tan pronto como al año siguiente si bien no "dobleteó" su Oscar como Mejor Actriz (este lo obtuvo la también inglesa y "tocaya" Julie Christie por su papel en "Darling", del maestro John Schlesinger) fue ahora sí la protagonista de la ganadora a la Mejor Película de 1965 que si bien en inglés fue conocida bajo el título de "The sound of music", de otro maestrazo del género musical como Robert Wise, en el mundo en castellano conocimos desde entonces como otro clásico musical titulado "La novicia rebelde".
Ahí la Andrews brilló como la novicia del título que en los albores de la Segunda Guerra Mundial abandona el convento austriaco en el que vive para convertirse en otra nodriza, en su caso de los hijos de un oficial de la Marina británica viudo (Christopher Plummer) para enseñarles precisamente "el sonido de la música" a través de temas que se siguen coreando como "The sound of music", "Do re mi" y otras más.
Al año siguiente de 1966 Julie Andrews gozó de otro privilegio de pocas actrices de su generación: trabajar bajo las órdenes del "amo del suspenso", Sir Alfred Hitchock, en el thriller donde compartió créditos con otro ganador del Oscar como el desaparecido actor Paul Newman "La cortina rasgada".
Quizás para no propiciar aquella controversia que en todos lados se da de que en el medio del cine también se da aquello del "nepotismo" fue hasta justo una década después que únicamente con su voz cantando sin crédito en la cinta de la autoría de su marido, el realizador norteamericano Blake Edwards, "La pantera rosa ataca de nuevo", de 1976, no había coincidido en trabajar bajo sus órdenes, pero cerró esa misma década "con broche de oro" finalmente apareciendo a cuadro en la muy taquillera comedia "10: La mujer perfecta", de 1979, donde compartió créditos con el también desaparecido comediante Dudley Moore y "el gancho" de taquilla que fue la hoy desaparecida actriz Bo Derek.
Sin embargo, fue el mismo Edwards quien le dio muy merecidamente a la Andrews el protagónico de un inusual musical que a partir de su estreno en 1982 hizo historia puesto que bajo el título de "Víctor/Victoria" la señora Andrews no sólo obtuvo con justicia su tercera y última nominación al Oscar a la fecha como Mejor Actriz por su papel de una mujer que se hace pasar por hombre que a su vez se hace pasar por mujer en esta gran comedia musical que inclusive en nuestro país acaba de ser muy exitosa hace todavía un par de años protagonizada por nuestra primera actriz Daniela Romo.
Un segundo ó tercer aire en la carrera de Julie Andrews (por ya encontrarse en la tercera edad) se dio con el inicio del nuevo milenio al "amadrinar" a la reciente nominada al Oscar Anne Hathaway como actriz en la no menos exitosa "Los diarios de la princesa", de 2001, bajo la dirección del responsable de éxitos como "Mujer bonita", Garry Marshall, quien volvió a llamar a la señora Andrews para interpretar a la abuela de la princesa en la secuela del filme del 2004, año en el que Julie Andrews inició otra etapa en su carrera, ahora para darle la voz en su caso a la mamá de otra princesa, Fiona, de la saga de "Shrek" a partir de "Shrek 2, también del 2004, hasta el capítulo final de este año de 2010.
De entonces a ahora Julie Andrews ha participado en otras exitosas películas del género al darle voz a la narradora del éxito "Encantada", otra con el sello de Walt Disney, en 2007, para desembocar en este año tanto en presencia física como "la jefa" de Billy Crystal y The Rock en "Hada por accidente" ("Tooth fairy") ó la mamá del comediante Steve Carrell en la voz en inglés de la madre del villano del éxito veraniego "Mi villano favorito". Enhorabuena, bella señora, y que sigan los éxitos ya que gracias a usted, al menos en el cine musical, "las colinas están vivas, con el sonido de la música".
Nació con el nombre de Julia Elizabeth Wells el 1 de octubre de 1935 en Inglaterra pero para los cinéfilos del mundo es conocida como Julie Andrews, la misma que en el año de 1964 ante la sorpresa de muchos le arrebató con la distinción que siempre la ha caracterizado el Oscar a la Mejor Actriz a otra presencia icónica femeina del cine, Audrey Hepburn, gracias a su desempeño en el clásico con el sello de Walt Disney "Mary Poppins" a pesar de que competía nada menos que contra la protagonista del musical que ganó el Oscar a la Mejor Película del año: "Mi bella dama" ("My fair lady").
Sin embargo, el aplomo de la Andrews no se quedó ahí, y para quienes todavía dudaban si su premio por el papel de la nodriza de unos caprichosos niños londinenses había sido merecido tan pronto como al año siguiente si bien no "dobleteó" su Oscar como Mejor Actriz (este lo obtuvo la también inglesa y "tocaya" Julie Christie por su papel en "Darling", del maestro John Schlesinger) fue ahora sí la protagonista de la ganadora a la Mejor Película de 1965 que si bien en inglés fue conocida bajo el título de "The sound of music", de otro maestrazo del género musical como Robert Wise, en el mundo en castellano conocimos desde entonces como otro clásico musical titulado "La novicia rebelde".
Ahí la Andrews brilló como la novicia del título que en los albores de la Segunda Guerra Mundial abandona el convento austriaco en el que vive para convertirse en otra nodriza, en su caso de los hijos de un oficial de la Marina británica viudo (Christopher Plummer) para enseñarles precisamente "el sonido de la música" a través de temas que se siguen coreando como "The sound of music", "Do re mi" y otras más.
Al año siguiente de 1966 Julie Andrews gozó de otro privilegio de pocas actrices de su generación: trabajar bajo las órdenes del "amo del suspenso", Sir Alfred Hitchock, en el thriller donde compartió créditos con otro ganador del Oscar como el desaparecido actor Paul Newman "La cortina rasgada".
Quizás para no propiciar aquella controversia que en todos lados se da de que en el medio del cine también se da aquello del "nepotismo" fue hasta justo una década después que únicamente con su voz cantando sin crédito en la cinta de la autoría de su marido, el realizador norteamericano Blake Edwards, "La pantera rosa ataca de nuevo", de 1976, no había coincidido en trabajar bajo sus órdenes, pero cerró esa misma década "con broche de oro" finalmente apareciendo a cuadro en la muy taquillera comedia "10: La mujer perfecta", de 1979, donde compartió créditos con el también desaparecido comediante Dudley Moore y "el gancho" de taquilla que fue la hoy desaparecida actriz Bo Derek.
Sin embargo, fue el mismo Edwards quien le dio muy merecidamente a la Andrews el protagónico de un inusual musical que a partir de su estreno en 1982 hizo historia puesto que bajo el título de "Víctor/Victoria" la señora Andrews no sólo obtuvo con justicia su tercera y última nominación al Oscar a la fecha como Mejor Actriz por su papel de una mujer que se hace pasar por hombre que a su vez se hace pasar por mujer en esta gran comedia musical que inclusive en nuestro país acaba de ser muy exitosa hace todavía un par de años protagonizada por nuestra primera actriz Daniela Romo.
Un segundo ó tercer aire en la carrera de Julie Andrews (por ya encontrarse en la tercera edad) se dio con el inicio del nuevo milenio al "amadrinar" a la reciente nominada al Oscar Anne Hathaway como actriz en la no menos exitosa "Los diarios de la princesa", de 2001, bajo la dirección del responsable de éxitos como "Mujer bonita", Garry Marshall, quien volvió a llamar a la señora Andrews para interpretar a la abuela de la princesa en la secuela del filme del 2004, año en el que Julie Andrews inició otra etapa en su carrera, ahora para darle la voz en su caso a la mamá de otra princesa, Fiona, de la saga de "Shrek" a partir de "Shrek 2, también del 2004, hasta el capítulo final de este año de 2010.
De entonces a ahora Julie Andrews ha participado en otras exitosas películas del género al darle voz a la narradora del éxito "Encantada", otra con el sello de Walt Disney, en 2007, para desembocar en este año tanto en presencia física como "la jefa" de Billy Crystal y The Rock en "Hada por accidente" ("Tooth fairy") ó la mamá del comediante Steve Carrell en la voz en inglés de la madre del villano del éxito veraniego "Mi villano favorito". Enhorabuena, bella señora, y que sigan los éxitos ya que gracias a usted, al menos en el cine musical, "las colinas están vivas, con el sonido de la música".
El 30 de septiembre de 1955 fue de un shock tremendo para Hollywood: Una de sus estrellas en ascenso, el joven actor James Dean, apenas habiendo terminado de filmar su tercer película al hilo, "Gigante", de George Stevens, falleció al estrellarse su automóvil deportivo en una de las carreteras aledañas a Los Angeles. Tenía tan sólo 24 años de edad y todo un futuro promisorio para su carrera.
Pareciera que la realidad igualó a la ficcíón, pues apenas un año antes había sido el ícono de la rebeldía para la juventud alrededor del mundo de aquellos años al haber protagonizado un clásico de cine que habló por toda una generación, "Rebelde sin causa", de Nicholas Ray.
Con su muerte pareció haber un desplome del sueño americano porque Dean representaba fielmente el ascenso de un joven oriundo de un área rural de Norteamérica como la de Fairmount, Indiana, donde fue criado por unos tíos prácticamente desde que nació hasta que dejó su terruño para lanzarse a la ciudad de Nueva York en pos de hacer carrera en la actuación.
Esto sucedió en los inicios de los años cincuenta, y tan sólo en cinco años después de hacer papeles secundarios al lado de estrellas como Dean Martin, Jerry Lewis, Piper Laurie ó Rock Hudson, su gran oportunidad se la dio uno de sus grandes maestros, el gran director de teatro y cine Elia Kazan quien al darle el papel del problemático Caleb, el antagonista de un clásico titulado "Al este del paraíso", de 1955, lo catapultó a las grandes interpretaciones protagónicas que realizó para "Rebelde sin causa" aquel mismo año ó "Gigante", al estrenarse de manera póstuma, en 1956. Curiosamente, Dean fue pionero también en las nominaciones póstumas al Oscar que posteriormente ganarían actores como Peter Finch por "Poder que mata", de Sidney Lumet, en 1976, ó más recientemente Heath Ledger por "El caballero de la noche", de 2008. Su primera nominación como Mejor Actor se dio por "Al este del paraíso", de 1955, y la segunda por "Gigante", en 1956. Al igual que Heath Ledger, por ejemplo, tuvo también la fortuna ó desgracia según se vea de morir antes de los 30 años, aunque ese hechohaya propiciado que su belleza física jovial sea perenne y siga siendo una presencia obligada dentro de las 100 estrellas más sexys del cine de todos los tiempos. Sin más.
Pareciera que la realidad igualó a la ficcíón, pues apenas un año antes había sido el ícono de la rebeldía para la juventud alrededor del mundo de aquellos años al haber protagonizado un clásico de cine que habló por toda una generación, "Rebelde sin causa", de Nicholas Ray.
Con su muerte pareció haber un desplome del sueño americano porque Dean representaba fielmente el ascenso de un joven oriundo de un área rural de Norteamérica como la de Fairmount, Indiana, donde fue criado por unos tíos prácticamente desde que nació hasta que dejó su terruño para lanzarse a la ciudad de Nueva York en pos de hacer carrera en la actuación.
Esto sucedió en los inicios de los años cincuenta, y tan sólo en cinco años después de hacer papeles secundarios al lado de estrellas como Dean Martin, Jerry Lewis, Piper Laurie ó Rock Hudson, su gran oportunidad se la dio uno de sus grandes maestros, el gran director de teatro y cine Elia Kazan quien al darle el papel del problemático Caleb, el antagonista de un clásico titulado "Al este del paraíso", de 1955, lo catapultó a las grandes interpretaciones protagónicas que realizó para "Rebelde sin causa" aquel mismo año ó "Gigante", al estrenarse de manera póstuma, en 1956. Curiosamente, Dean fue pionero también en las nominaciones póstumas al Oscar que posteriormente ganarían actores como Peter Finch por "Poder que mata", de Sidney Lumet, en 1976, ó más recientemente Heath Ledger por "El caballero de la noche", de 2008. Su primera nominación como Mejor Actor se dio por "Al este del paraíso", de 1955, y la segunda por "Gigante", en 1956. Al igual que Heath Ledger, por ejemplo, tuvo también la fortuna ó desgracia según se vea de morir antes de los 30 años, aunque ese hechohaya propiciado que su belleza física jovial sea perenne y siga siendo una presencia obligada dentro de las 100 estrellas más sexys del cine de todos los tiempos. Sin más.
Wednesday, September 29, 2010
"PARA MI, HACER UNA PELICULA ES VIVIR"- ANTONIONI
// Labels: MICHELANGELO ANTONIONI
Ayer celebrábamos con la conmemoración del natalicio de Marcello Mastroiani la impecable trayectoria de un actor que fue pulido por grandes realizadores de todo el mundo pero particularmente con un par de compatriotas suyos como los grandes maestros del celuloide universal Federico Fellini, Vittorio de Sica y Michelangelo Antonioni, entre muchos otros más.
Pues este 29 de sepetiembre resulta que es el aniversario del cumpleaños número 98 de este último, Michalengelo Antonioni, genial maestro de la estética y la semiótica audiovisual bajo cuyas órdenes Mastroiani estuvo en un clásico de la altura de "La noche", la lado de la actriz francesa Jeanne Moreau, como en el último largometraje del realizador que fuera "Más allá de las nubes", de 1995.
Antonioni nace el 29 de septiembre de 1912 en la población de Ferrara, Emilia-Romagna de Italia, en el seno de una familia de clase media pero tuvo oportunidad a su vez de "codearse" con cícrculos de la burguesía para posteriormente estudiar comercio y economía en Boloña al tiempo que pintaba y escribía críticas en un periódico de aquella localidad. Fue en 1939 a los 27 años de edad cuando viaja a Roma en donde mientras trabaja para el periódico "Cinema" estudia dirección en la Escuela de Cine.
Ese fue el preámbulo de una vasta carrera iniciada de manera oficial diez años después, en 1949, con su filme "Crónica de un amor" para a principios de los años 60 consolidarse como uno de los mejores cineastas del mundo a partir de una trilogía de películas iniciada en 1960 con "La aventura"; continuada en 1961 con "La noche" y cerrada "con broche de oro" en 1962 con "El eclipse".
Sin embargo, cuando el público no acababa de deslumbrarse de ese estilo particular de planos largos y actores que se ajustaban a los emplazamientos de tomas y movimientos de cámara en los que Antonioni desarrollaba todo un universo de mensajes como aquella de "El eclipse" de un encadenamiento literal en una relación tormentosa entre los personajes del actor Alain Delon y la actriz "fetiche" del realizador, Monica Vitti, para representar la naturaleza materialista del personaje masculino, Antonioni se desplaza luego de su ya en color "Desierto rojo", de 1964, hasta la Gran Bretaña, donde realiza una de sus obras cumbres bajo el título de "Blow up", de 1966.
Y es que desde su secuencia inicial "Blow up" no sólo es el retrato de una época de convulsiones ideológicas sino artísticas, al ser pionero como Eisenstein en su tiempo de una innovación del lenguaje audiovisual en el que si bien la imagen nos podía decir una cosa el sonido nos podía decir otra, en un relato original nada menos del célebre Julio Cortázar (su cuento "Las babas del diablo", nada menos y nada más) sobre un fotógrafo que cree haber retratado lo que parece ser un asesinato.
En los años 70 Antonioni siguió combinando las atmósferas de cambios sociales ahora en Estados Unidos como sucedió en "Zabriskie point", de 1970, ó de un estadounidense frustrado por la guerra interpretado por el primer actor Jack Nicholson en "El pasajero", de 1975, para en los años 80 "bajarle el ritmo" a la creación y más bien ser homeanjeado (ó copiado, según otros) por cineastas como Brian DePalma haciendo su respectiva variante de "Blow up" en "Blow out" (Estallido"), de 1981, en la cual en su caso es un sonidista de cine (John Travolta) quien al grabar sonidos para la edición de una película de terror en una noche parece grabar el estallido de un disparo que antecede un asesinato.
En los 90 como ya lo mencionamos Antonioni vuelve a hacer mancuerna con Marcello Mastroiani y Jeanne Moreau (su pareja de "la noche") en lo que pudiera ser uan especie de "8 1/2" suyo teniendo a otro primer actor como John Malkkovich como un director de cine viviendo una crisis existencial en un año, 1995, en el que como en otros casos también la Academia Norteamericana de Cine finalmente le concede un Oscar honorífico luego de haberle dado únicamente dos nominaciones a toda su carrera en 1966 como Mejor Director y Mejor Guión adaptado por "Blow up".
Con todo, "la cereza del pastel" en la carrera cinematográfica de Antonioni se da en 1995 precisamente cuando comienza a circular a nivel mundial su autobiografía que en 1994 sale al mercado en su natal Italia bajo el título de "Fare un film e per me vivere" ("Para mí, hacer una película es vivir"), del cual me apoyé para escribir este breve comentario como tributo a un señor que predicó con el ejemplo puesto que quienes seguimos su ejemplo y su vocación es precisamente toda una vida la que nos brinda cada una de las obras que nos legó. Múchísimas gracias por ello.
Pues este 29 de sepetiembre resulta que es el aniversario del cumpleaños número 98 de este último, Michalengelo Antonioni, genial maestro de la estética y la semiótica audiovisual bajo cuyas órdenes Mastroiani estuvo en un clásico de la altura de "La noche", la lado de la actriz francesa Jeanne Moreau, como en el último largometraje del realizador que fuera "Más allá de las nubes", de 1995.
Antonioni nace el 29 de septiembre de 1912 en la población de Ferrara, Emilia-Romagna de Italia, en el seno de una familia de clase media pero tuvo oportunidad a su vez de "codearse" con cícrculos de la burguesía para posteriormente estudiar comercio y economía en Boloña al tiempo que pintaba y escribía críticas en un periódico de aquella localidad. Fue en 1939 a los 27 años de edad cuando viaja a Roma en donde mientras trabaja para el periódico "Cinema" estudia dirección en la Escuela de Cine.
Ese fue el preámbulo de una vasta carrera iniciada de manera oficial diez años después, en 1949, con su filme "Crónica de un amor" para a principios de los años 60 consolidarse como uno de los mejores cineastas del mundo a partir de una trilogía de películas iniciada en 1960 con "La aventura"; continuada en 1961 con "La noche" y cerrada "con broche de oro" en 1962 con "El eclipse".
Sin embargo, cuando el público no acababa de deslumbrarse de ese estilo particular de planos largos y actores que se ajustaban a los emplazamientos de tomas y movimientos de cámara en los que Antonioni desarrollaba todo un universo de mensajes como aquella de "El eclipse" de un encadenamiento literal en una relación tormentosa entre los personajes del actor Alain Delon y la actriz "fetiche" del realizador, Monica Vitti, para representar la naturaleza materialista del personaje masculino, Antonioni se desplaza luego de su ya en color "Desierto rojo", de 1964, hasta la Gran Bretaña, donde realiza una de sus obras cumbres bajo el título de "Blow up", de 1966.
Y es que desde su secuencia inicial "Blow up" no sólo es el retrato de una época de convulsiones ideológicas sino artísticas, al ser pionero como Eisenstein en su tiempo de una innovación del lenguaje audiovisual en el que si bien la imagen nos podía decir una cosa el sonido nos podía decir otra, en un relato original nada menos del célebre Julio Cortázar (su cuento "Las babas del diablo", nada menos y nada más) sobre un fotógrafo que cree haber retratado lo que parece ser un asesinato.
En los años 70 Antonioni siguió combinando las atmósferas de cambios sociales ahora en Estados Unidos como sucedió en "Zabriskie point", de 1970, ó de un estadounidense frustrado por la guerra interpretado por el primer actor Jack Nicholson en "El pasajero", de 1975, para en los años 80 "bajarle el ritmo" a la creación y más bien ser homeanjeado (ó copiado, según otros) por cineastas como Brian DePalma haciendo su respectiva variante de "Blow up" en "Blow out" (Estallido"), de 1981, en la cual en su caso es un sonidista de cine (John Travolta) quien al grabar sonidos para la edición de una película de terror en una noche parece grabar el estallido de un disparo que antecede un asesinato.
En los 90 como ya lo mencionamos Antonioni vuelve a hacer mancuerna con Marcello Mastroiani y Jeanne Moreau (su pareja de "la noche") en lo que pudiera ser uan especie de "8 1/2" suyo teniendo a otro primer actor como John Malkkovich como un director de cine viviendo una crisis existencial en un año, 1995, en el que como en otros casos también la Academia Norteamericana de Cine finalmente le concede un Oscar honorífico luego de haberle dado únicamente dos nominaciones a toda su carrera en 1966 como Mejor Director y Mejor Guión adaptado por "Blow up".
Con todo, "la cereza del pastel" en la carrera cinematográfica de Antonioni se da en 1995 precisamente cuando comienza a circular a nivel mundial su autobiografía que en 1994 sale al mercado en su natal Italia bajo el título de "Fare un film e per me vivere" ("Para mí, hacer una película es vivir"), del cual me apoyé para escribir este breve comentario como tributo a un señor que predicó con el ejemplo puesto que quienes seguimos su ejemplo y su vocación es precisamente toda una vida la que nos brinda cada una de las obras que nos legó. Múchísimas gracias por ello.
Tuesday, September 28, 2010
MARCELLO MASTROIANI: "¿OTRO FILME SIN ESPERANZA?"
// Labels: Marcello Mastroani
Este martes 28 de septiembre de 2010 mi querido amigo Omar Cervantes cumple 43 años de edad y desde hace días para la ocasión me sentenció en referencia a los efemérides del día que he acostumbrado mencionar primero en mi página de Facebook y posteriormente en este blog con referencia a creadores cinematográficos de todo el mundo que debía "de lucirme" con la de esta fecha.
Dicho esto, espero que este sea un buen regalo para él y todos los admiradores de un actor como el italiano Marcello Mastroiani, con quien mi amigo Omar comparte cumpleaños el saber que en el año de 1963 cuando al hacer una vez más mancuerna con el maestro Federico Fellini luego de su no menos clásica "La dolce vita", de 1959, y de participar en otros clásicos como "La noche", bajo las órdenes de otro maestro como Michelangelo Antonioni, ó "Divorcio a la italiana", de Pietro Germi, la primera por la que fue nominado a uno de los tres Oscares en la categoría de Mejor Actor en su carrera, Mastroiani interpretó al alter ego precisamente de Fellini puesto que dio vida a Guido Anselmi, un director de cine con una crisis existencial al que en los inicios de la película luego de la clásica secuencia onírica e inicial de "8 1/2" le cuestiona un doctor su edad, a la que responde es de 43 años, y la siguiente pregunta es la de al saberlo director de cine si iba a hacer otro filme "sin esperanza".
La realidad es que cuando Fellini y Mastroiani volvieron a hacer mancuerna como director y actor si bien Fellini tenía 43 años al haber nacido el 20 de enero de 1920, Mastroani estaba interpretando a ese director alter ego de Fellini a los 39, puesto que en su caso había nacido el 28 de septiembre de 1924, en Fontana, Italia, pero con esa madurez que el actor ya tenía en el oficio para entonces (casi veinte de iniciar como extra en películas como "Marionette", de 1939; "Historia de amor", de 1942 ó "Lo sniños nos están mirando", de 1944, realizó una de la sinterpretaciones emblemáticas de su carrera que si bien en la temática del filme no tenía nada de esperanzador, en lo que al legado a la historia del cine y los medios audiovisuales en general ha dado desde homenajes en videoclips como el de "Everybody hurts", de R.E.M. realizado treinta años después de "8 1/2", en 1993, pero inspirado totalmente en la secuencia inicial de la autopista, ó el reciente musical de Rob Marshall "Nine: Una vida de pasión", donde el papel que hizo Mastroiani en el clásico de Fellini lo interpreta otro primer actor de otra generación como lo es el inglés Daniel Day Lewis.
La carrera ascendente de Mastroiani como actor continuó en los años 70 con un clásico de la talla de "Un día especial", de 1976, dond ebajo las órdenes de otro gran cineasta italiano como Ettore Scola volvió a hacer mancuerna con la diva Sophia Loren (con quien compartió créditos en célebres cintas como"Matrimonio a la italiana", de Vittorio de Sica, en 1964, entre otras más) en una aparentemente muy simple historia de la más atípica pareja que se puede reunir en un día particular: un ama de casa desaliñada y harta de la cotidianeidad y un homosexual a punto de suicidarse el día en el que los históricos aliados Hitler y Mussolini están a punto de reunires en un poblado de Italia y todos los habitantes están reunidos esperando ese encuentro ... menos ellos dos. El filme le valió a Marcello su segunda nominación al Oscar como Mejor Actor, mientras que la tercera y última ocasión en que fue honrado con esa distinción fue en 1987, al competir contra un actor de 43 años de edad en aquel año como Michael Douglas quien ganó la estatuilla por "Wall Street" por una entrañable cinta titulada "Ojos negros", de la autoría en su caso de un maestro ruso como Nikita MIkalhov.
En los años 90 el maestro Mastroiani siguió cosechando más éxitos con cintas como "Todo estamos bien", de Giuseppe Tornatore (el autor de "Cinema Paradiso"), una cinta de 1991 muy supoerior al reciente remake en el que el primer actor norteamericano Robert DeNiro reinterpretó el papel de Mastroiani en el original italiano; en el cine latinoamericano bajo las órdenes de la argentina María Luisa Bemberg en "de eso no se habla", de 1993; en 1994 bajo las órdenes de otro grande en su caso del cine norteamericano como el desapercido Robert Altman en "Caprichos de la moda" ("Pret a porter"), donde compartió créditos con un sinnúmero de estrellas contemporáneas y de antaño que iban desde la mencionada Sophia Loren hasta Julia Roberts y Bruce Willis y volviendo a ser dirigido por Michelangelo Antonioni en "Más allá de las nubes", de 1995.
Mastroani pasó a mejor vida el 19 de diciembre de 1996 siendo su cinta póstuma la de título irónico de "Viaje al inicio del mundo", estrenada en 1997, bajo las órdenes de un autor sorprendentemente aún activo como el portugués Manoel de Oliveira. ¿Otro filme sin esperanza? Para nada. Gracias al legado de estos grandes lo que uno mantiene es la fé y convicción de que a través de un arte como lo es el cine puede haber actos de trascendencia que lleven a la reflexión, y de alguna manera, a la evolución del género humano a través de la exaltación del espíritu que en el mejor de los casos el cine como el que estos maestros hicieron conlleva.
Dicho esto, espero que este sea un buen regalo para él y todos los admiradores de un actor como el italiano Marcello Mastroiani, con quien mi amigo Omar comparte cumpleaños el saber que en el año de 1963 cuando al hacer una vez más mancuerna con el maestro Federico Fellini luego de su no menos clásica "La dolce vita", de 1959, y de participar en otros clásicos como "La noche", bajo las órdenes de otro maestro como Michelangelo Antonioni, ó "Divorcio a la italiana", de Pietro Germi, la primera por la que fue nominado a uno de los tres Oscares en la categoría de Mejor Actor en su carrera, Mastroiani interpretó al alter ego precisamente de Fellini puesto que dio vida a Guido Anselmi, un director de cine con una crisis existencial al que en los inicios de la película luego de la clásica secuencia onírica e inicial de "8 1/2" le cuestiona un doctor su edad, a la que responde es de 43 años, y la siguiente pregunta es la de al saberlo director de cine si iba a hacer otro filme "sin esperanza".
La realidad es que cuando Fellini y Mastroiani volvieron a hacer mancuerna como director y actor si bien Fellini tenía 43 años al haber nacido el 20 de enero de 1920, Mastroani estaba interpretando a ese director alter ego de Fellini a los 39, puesto que en su caso había nacido el 28 de septiembre de 1924, en Fontana, Italia, pero con esa madurez que el actor ya tenía en el oficio para entonces (casi veinte de iniciar como extra en películas como "Marionette", de 1939; "Historia de amor", de 1942 ó "Lo sniños nos están mirando", de 1944, realizó una de la sinterpretaciones emblemáticas de su carrera que si bien en la temática del filme no tenía nada de esperanzador, en lo que al legado a la historia del cine y los medios audiovisuales en general ha dado desde homenajes en videoclips como el de "Everybody hurts", de R.E.M. realizado treinta años después de "8 1/2", en 1993, pero inspirado totalmente en la secuencia inicial de la autopista, ó el reciente musical de Rob Marshall "Nine: Una vida de pasión", donde el papel que hizo Mastroiani en el clásico de Fellini lo interpreta otro primer actor de otra generación como lo es el inglés Daniel Day Lewis.
La carrera ascendente de Mastroiani como actor continuó en los años 70 con un clásico de la talla de "Un día especial", de 1976, dond ebajo las órdenes de otro gran cineasta italiano como Ettore Scola volvió a hacer mancuerna con la diva Sophia Loren (con quien compartió créditos en célebres cintas como"Matrimonio a la italiana", de Vittorio de Sica, en 1964, entre otras más) en una aparentemente muy simple historia de la más atípica pareja que se puede reunir en un día particular: un ama de casa desaliñada y harta de la cotidianeidad y un homosexual a punto de suicidarse el día en el que los históricos aliados Hitler y Mussolini están a punto de reunires en un poblado de Italia y todos los habitantes están reunidos esperando ese encuentro ... menos ellos dos. El filme le valió a Marcello su segunda nominación al Oscar como Mejor Actor, mientras que la tercera y última ocasión en que fue honrado con esa distinción fue en 1987, al competir contra un actor de 43 años de edad en aquel año como Michael Douglas quien ganó la estatuilla por "Wall Street" por una entrañable cinta titulada "Ojos negros", de la autoría en su caso de un maestro ruso como Nikita MIkalhov.
En los años 90 el maestro Mastroiani siguió cosechando más éxitos con cintas como "Todo estamos bien", de Giuseppe Tornatore (el autor de "Cinema Paradiso"), una cinta de 1991 muy supoerior al reciente remake en el que el primer actor norteamericano Robert DeNiro reinterpretó el papel de Mastroiani en el original italiano; en el cine latinoamericano bajo las órdenes de la argentina María Luisa Bemberg en "de eso no se habla", de 1993; en 1994 bajo las órdenes de otro grande en su caso del cine norteamericano como el desapercido Robert Altman en "Caprichos de la moda" ("Pret a porter"), donde compartió créditos con un sinnúmero de estrellas contemporáneas y de antaño que iban desde la mencionada Sophia Loren hasta Julia Roberts y Bruce Willis y volviendo a ser dirigido por Michelangelo Antonioni en "Más allá de las nubes", de 1995.
Mastroani pasó a mejor vida el 19 de diciembre de 1996 siendo su cinta póstuma la de título irónico de "Viaje al inicio del mundo", estrenada en 1997, bajo las órdenes de un autor sorprendentemente aún activo como el portugués Manoel de Oliveira. ¿Otro filme sin esperanza? Para nada. Gracias al legado de estos grandes lo que uno mantiene es la fé y convicción de que a través de un arte como lo es el cine puede haber actos de trascendencia que lleven a la reflexión, y de alguna manera, a la evolución del género humano a través de la exaltación del espíritu que en el mejor de los casos el cine como el que estos maestros hicieron conlleva.
El 27 de septiembre de 1944 nació en la ciudad de Nueva Orleans, Louisiana, una mujer que sigue haciendo historia dentro del espectáculo mexicano e internacional. Y es que Angélica María, conocida años después como "La Novia de México", acaba de filmar junto a su hija Angélica Vale una película en Israel que a su vez es la ópera prima de una nieta de su alguna vez padrastro, Carlos Velo, quien la dirigiera en uno de sus tantos clásicos del cine mexicano "Cinco de chocolate y uno de fresa", de 1967.
Sin embargo, pocos saben que el lugar en donde Angélica María hizo "sus pininos" en la actuación fue precisamente en un set cinematográfico haciendo el papel de un niño de nombre Miguelito en la película "Pecado", de 1951, a la que siguió su primer y único Ariel a la fecha (ya va siendo hora que le otorguen el de Oro, ¿no lo creen?) por la Mejor Actuación Infantil ya como niña de la película "Mi esposa y la otra", de Alfredo B. Crevenna, la misma que tuvo por lo menos un par de remakes tanto en los años 70 como "La otra mujer", de 1972 como en los 80 como "El sinverguenza", de 1984.
Pero volviendo a Angélica María, todavía de niña tuvo el privilegio de trabajar con íconos de nuestro cine en "Los gavilanes", de 1956, y fue madurando tanto física como histriónicamente para consolidar desde muy joven esa vocación de actriz multifácetica que ha demostrado hacer hasta la fecha.
Entre algunos de sus títulos en cine más sobresalientes y que demuestran su versatilidad en diversos géneros están el drama "Los signos del zodiaco", de Sergio Véjar, de 1963; del género de luchadores como "El señor Tormenta", de Fernando Fernández; la musical "Mi vida es una canción", de miguel M. Delgado, junto a Enrique Guzmán, también en 1963; en la mencionada comedia musical y reflejo de toda una época "Cinco de chocolate y uno de fresa", de 1967; en el remake de "El inocente", con Pedro Infante y Silvia Pinal conocido en 1968 como "Romeo contra Julieta", teniendo como galán a Alberto Vázquez; el clásico picaresco "El cuerpazo del delito", de 1970, al lado del no menos pícaro Mauricio Garcés dentro del segmento de "La rebelde" y el drama musical y ópera prima del cineasta hidrocálido Jaime Humberto Hermosillo "La verdadera vocación de Magdalena", de 1971, al lado de la primera actriz Carmen Montejo, entre muchas otras más eso sin nombrar sus múltiples telenovelas, discos, obras de teatro musical, y mucho más que hacen de Angélica María una grande entre las grandes. Muchísimas felicidades y que sigan los éxitos.
Sin embargo, pocos saben que el lugar en donde Angélica María hizo "sus pininos" en la actuación fue precisamente en un set cinematográfico haciendo el papel de un niño de nombre Miguelito en la película "Pecado", de 1951, a la que siguió su primer y único Ariel a la fecha (ya va siendo hora que le otorguen el de Oro, ¿no lo creen?) por la Mejor Actuación Infantil ya como niña de la película "Mi esposa y la otra", de Alfredo B. Crevenna, la misma que tuvo por lo menos un par de remakes tanto en los años 70 como "La otra mujer", de 1972 como en los 80 como "El sinverguenza", de 1984.
Pero volviendo a Angélica María, todavía de niña tuvo el privilegio de trabajar con íconos de nuestro cine en "Los gavilanes", de 1956, y fue madurando tanto física como histriónicamente para consolidar desde muy joven esa vocación de actriz multifácetica que ha demostrado hacer hasta la fecha.
Entre algunos de sus títulos en cine más sobresalientes y que demuestran su versatilidad en diversos géneros están el drama "Los signos del zodiaco", de Sergio Véjar, de 1963; del género de luchadores como "El señor Tormenta", de Fernando Fernández; la musical "Mi vida es una canción", de miguel M. Delgado, junto a Enrique Guzmán, también en 1963; en la mencionada comedia musical y reflejo de toda una época "Cinco de chocolate y uno de fresa", de 1967; en el remake de "El inocente", con Pedro Infante y Silvia Pinal conocido en 1968 como "Romeo contra Julieta", teniendo como galán a Alberto Vázquez; el clásico picaresco "El cuerpazo del delito", de 1970, al lado del no menos pícaro Mauricio Garcés dentro del segmento de "La rebelde" y el drama musical y ópera prima del cineasta hidrocálido Jaime Humberto Hermosillo "La verdadera vocación de Magdalena", de 1971, al lado de la primera actriz Carmen Montejo, entre muchas otras más eso sin nombrar sus múltiples telenovelas, discos, obras de teatro musical, y mucho más que hacen de Angélica María una grande entre las grandes. Muchísimas felicidades y que sigan los éxitos.
Este 26 de septiembre vale la pena recordar el natalicio de un actor y director como Antonio Moreno acontecido un día como hoy pero de 1887 en Madrid, España, porque de ser un histrión que obtuvo su respectiva estrella en el Paseo de Hollywood por haberse consolidado como uno de los primeros "Latin Lovers" de la Meca del Cine al hacerla de galán de divas de la talla de Greta Garbo, Pola Negri, Clara Bow y Gloria Swanson, tuvo el privilegio ya como director de ser el autor de la primera película sonora del cine mexicano que fue a su vez su ópera prima como realizador "Santa", en el año de 1931.
Según lo cita la escritora Perla Ciuk en su libro "Diccionario de Directores del Cine Mexicano" (CONACULTA, 2000) " con esta producción Moreno introduce en México la técnica estadounidense en la producción fílmica, aunque en la cinta se resiente el ambiente 'hispano' peculiar de las producciones en las que habitualmente participa".
Como previendo su futura "adopción mexicana" como menos como realizador Moreno dijo a la 'Revista de Revistas' con fecha del 8 de febrero de 1920 que "Y créame amigo, que de no ser español, y no es galantería, quisiera ser mexicano. Tengo una enorme simpatía por la patria de Juárez y no ha de pasar mucho tiempo sin que yo vaya a conocerla. Tengo tales deseos de ir que si terminando mi actual contrato me propuesieran ir a filmar allí, hasta por menor sueldo del que aquí gan, iría gustoso. este país (EU) no es mi medio , mi temperamento latino no se encuentra bien aquí. usted no se imagina lo que yo he tenido qué luchar para poder truinfar, por sólo ser extranjero".
Con todo, Moreno sólo dirigió otra película más en México, "Aguilas frente al sol", en 1932, película de aventuras internacionales que traslada de manera pintoresca a la industria cinematográfica mexicana todas las viciosas convenciones del cine hispano que al convertirse por lo mismo en un rotundo fracaso hizo que Antonio Moreno se reintegrara al cine norteamericano para regresar a nuestro país sólo para actuar en el melodrama taurino "Sol y sombra", de Rafael E. Portas, en 1945, para en Hollywood un año después actuar bajo las órdenes de un maestro como Alfred Hitchock en el papel no acreditado del "Señor Ortiza" del clásico "Tuyo es mi corazón" ("Notorious"), protagonizada por grandes como Cary Grant e Ingrid Bergman, y cerrar su filmografía prácticamente una década después en 1956 "con broche de oro" al interpretar a Emilio Gabriel Fernández y Figueroa en uno de los más aclamados westerns en la historia del cine hollywoodense como lo es "Más corazón que odio" ("The searchers"), de otro maestrazo como John Ford y al lado de íconos como John Wayne, Vera Miles, Natalie Wood y otros más.
Moreno fallece el 15 de febrero de 1967 en la ciudad de Beverly Hills, California, pero su paso por la cinematografía mexicana no puede pasar desapercibido por el simple hecho de ser el primero en propiciar que los públicos mexicanos escucharan por primera vez frases clásica en su primer filme como la de "Santa, Santa mía". Felicidades maestro.
Según lo cita la escritora Perla Ciuk en su libro "Diccionario de Directores del Cine Mexicano" (CONACULTA, 2000) " con esta producción Moreno introduce en México la técnica estadounidense en la producción fílmica, aunque en la cinta se resiente el ambiente 'hispano' peculiar de las producciones en las que habitualmente participa".
Como previendo su futura "adopción mexicana" como menos como realizador Moreno dijo a la 'Revista de Revistas' con fecha del 8 de febrero de 1920 que "Y créame amigo, que de no ser español, y no es galantería, quisiera ser mexicano. Tengo una enorme simpatía por la patria de Juárez y no ha de pasar mucho tiempo sin que yo vaya a conocerla. Tengo tales deseos de ir que si terminando mi actual contrato me propuesieran ir a filmar allí, hasta por menor sueldo del que aquí gan, iría gustoso. este país (EU) no es mi medio , mi temperamento latino no se encuentra bien aquí. usted no se imagina lo que yo he tenido qué luchar para poder truinfar, por sólo ser extranjero".
Con todo, Moreno sólo dirigió otra película más en México, "Aguilas frente al sol", en 1932, película de aventuras internacionales que traslada de manera pintoresca a la industria cinematográfica mexicana todas las viciosas convenciones del cine hispano que al convertirse por lo mismo en un rotundo fracaso hizo que Antonio Moreno se reintegrara al cine norteamericano para regresar a nuestro país sólo para actuar en el melodrama taurino "Sol y sombra", de Rafael E. Portas, en 1945, para en Hollywood un año después actuar bajo las órdenes de un maestro como Alfred Hitchock en el papel no acreditado del "Señor Ortiza" del clásico "Tuyo es mi corazón" ("Notorious"), protagonizada por grandes como Cary Grant e Ingrid Bergman, y cerrar su filmografía prácticamente una década después en 1956 "con broche de oro" al interpretar a Emilio Gabriel Fernández y Figueroa en uno de los más aclamados westerns en la historia del cine hollywoodense como lo es "Más corazón que odio" ("The searchers"), de otro maestrazo como John Ford y al lado de íconos como John Wayne, Vera Miles, Natalie Wood y otros más.
Moreno fallece el 15 de febrero de 1967 en la ciudad de Beverly Hills, California, pero su paso por la cinematografía mexicana no puede pasar desapercibido por el simple hecho de ser el primero en propiciar que los públicos mexicanos escucharan por primera vez frases clásica en su primer filme como la de "Santa, Santa mía". Felicidades maestro.
Hoy inauguramos este blog con un comentario con respecto a un actor norteamericano que comparten con su actual esposa Catherine Zeta Jones su cumpleaños el día de hoy, 25 de septiembre, quienes aunque pertenecen a diferentes generaciones cada uno ha escalado hasta muy altos niveles de la industria de cine de Hollywood.
Peor bueno, hoy dedicamos estas líneas a Michael Douglas, heredero del talento y el colmillo de su padre aún con vida Kirk Douglas, quien a sus 66 años de edad a pesar de un cáncer que le impide hablar y por lo mismo no lo dejó articular palabra en la reciente premiere de su más nueva película "Wall Street: El dinero nunca duerme", sigue tan vigente como en los años 80 cuando alcanzara la cúspide de su carrera como actor al ganar el Oscar al Mejor Actor de 1987 precisamente por la primera cinta que lo reuniera con el realizador Oliver Stone, "Wall Street: El poder y la avaricia".
Lo que pocos saben es que para entonces ya tenía Douglas poco más de una década de haber ganado un Oscar, en su caso como productor, de una de las pocas cintas que ha ganado los cinco principales Oscares de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Guión como lo fue "Atrapado sin salida", de 1975. Lo que ocurrió es que Douglas luego de su fugaz pero firme carrerra televisiva en la teleserie "Las Calles de San Francisco" descubrió que le gustó más que actuar la producción d ecine en la que en su tiempo su padre Kirk tuvo sus repspectivos grande slogros al producir y en su caso también actuar bajo las órdenes del maestro Stanley Kubrick en varios filmes de su primera etapa como realizador.
Para fines de la década de los 70 fue cuando Douglas comenzó a actuar si bien no como protagónico como buen personaje de soporte en un clásico como "El síndrome de China", por el cual los actores protagónicos Jack Lemmon y Jane Fonda se ganaron sus respectivas nominaciones al Oscar, y Douglas una confianza para estar frente a la cámara que lo hizo truinfar como productor y actor de uno de sus primeros éxitos de aquella década como lo fuera "Dos bribones tras la esmerlada perdida", de 1984, bajo la dirección d eun futuro ganador del Oscar como Robert Zemeckis ("Forrest Gump").
"Dos bribones ..." fue a su vez el descubrimiento de una buena mancuerna fílmica con la hoy prácticamente desaparecida actriz Kathleen Turner, con quien Douglas concluyó una exitosa trilogía al ser dirigidos los dos en 1989 con muy buen tino por su compañero Danny DeVito en "La guerra de los Roses" luego de iniciar la mancuerna de los tres en el elenco con "Dos bribones ..." y continuar con su respectiva secuela (aunque no tan lograda como la original) "La joya del Nilo", de 1985.
En 1987, justo a sus 43 años de edad, Michael Douglas como quien dice "hizo chuza" en su carrera coo actor puesto que gracias al thriller "Atracción fatal" y la mencionada "Wall Street" tuvo tanto éxito de crítica y de público que lo hizo darle continuidad a su carrera en un thriller todavía mucho más audaz en 1992 bajo las órdenes de Paul Verhoeven en "Bajos instintos", de 1992, que lo mantuvo entre los actores de taquilla asegurada el resto de la década con títulos como "Acoso sexual", de 1994, al lado de Demi Moore; "Mi querido presidente", de Rob Reiner, en 1995 y "El juego", de David Fincher, en 1997, entre otras más.
Douglas recupera su prestigio cuando menos como el primer actor que ya era al protagonizar en el año 2000 "Loco fin de semana" ("Wonder boys"), una cinta dirigida por otro ganador del Oscar como Curtis Hanson ("Los Angeles al desnudo"), sobre un profesor de mediana edad viviendo una crisis existencial pero cómica al ser mentor de un inquieto estudiante interpretado por Tober Maguire y acompañado con primeros actores de la talla de Frances McDormand y Robert Downey Jr.
Por desgracia, a pesar de su excelente manufactura la cinta pasó casi desapercibida para los grandes públicos y en la temporada de premios el único "ganón" fue el cantante Bob Dylan gracias a su tema "Things have changed", no así la controvertida cinta "Tráfico", del mismo año, en donde reemplazando de última hora al actor Harrison Ford tuvo un gran acierto tanto a nivel profesional como personal porque además de coincidir en el set con su esposa Catherine Zeta Jones fue dirigido por el realizador ganador del Oscar al Mejor Director de ese año 2000, Steven Soderbergh.
Con todo, cuando parecía que vendría una especie de segundo o tercer aire en su carrera como actor irónicamente Douglas se vio relegado a papeles secundarios sin mucha relevancia salvo en el que compartió créditos con su padre Kirk y su hijo Cameron en la comedia "The In-Laws", del año 2003, ó el que a pesar de ser secundario brilló más que su protagonista Matthew McCounaghey en "Los fantasmas de mis ex" del 2009, para en este 2009 gracias a su regreso en "Wall Street: El dinero nunca duerme", ó cintas como "Solitary man", donde comparte créditos una vez más con Danny DeVito así como con primeras actrices como Susan Sarandon, hace que a pesar de los problemas de salud siga tan firme como nunca.
A final de cuentas, como dijera su Gordon Gekko en una de las frases que trascdienden ya en su filmografía: "La ambición es buena", ¿ó no?
Peor bueno, hoy dedicamos estas líneas a Michael Douglas, heredero del talento y el colmillo de su padre aún con vida Kirk Douglas, quien a sus 66 años de edad a pesar de un cáncer que le impide hablar y por lo mismo no lo dejó articular palabra en la reciente premiere de su más nueva película "Wall Street: El dinero nunca duerme", sigue tan vigente como en los años 80 cuando alcanzara la cúspide de su carrera como actor al ganar el Oscar al Mejor Actor de 1987 precisamente por la primera cinta que lo reuniera con el realizador Oliver Stone, "Wall Street: El poder y la avaricia".
Lo que pocos saben es que para entonces ya tenía Douglas poco más de una década de haber ganado un Oscar, en su caso como productor, de una de las pocas cintas que ha ganado los cinco principales Oscares de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Guión como lo fue "Atrapado sin salida", de 1975. Lo que ocurrió es que Douglas luego de su fugaz pero firme carrerra televisiva en la teleserie "Las Calles de San Francisco" descubrió que le gustó más que actuar la producción d ecine en la que en su tiempo su padre Kirk tuvo sus repspectivos grande slogros al producir y en su caso también actuar bajo las órdenes del maestro Stanley Kubrick en varios filmes de su primera etapa como realizador.
Para fines de la década de los 70 fue cuando Douglas comenzó a actuar si bien no como protagónico como buen personaje de soporte en un clásico como "El síndrome de China", por el cual los actores protagónicos Jack Lemmon y Jane Fonda se ganaron sus respectivas nominaciones al Oscar, y Douglas una confianza para estar frente a la cámara que lo hizo truinfar como productor y actor de uno de sus primeros éxitos de aquella década como lo fuera "Dos bribones tras la esmerlada perdida", de 1984, bajo la dirección d eun futuro ganador del Oscar como Robert Zemeckis ("Forrest Gump").
"Dos bribones ..." fue a su vez el descubrimiento de una buena mancuerna fílmica con la hoy prácticamente desaparecida actriz Kathleen Turner, con quien Douglas concluyó una exitosa trilogía al ser dirigidos los dos en 1989 con muy buen tino por su compañero Danny DeVito en "La guerra de los Roses" luego de iniciar la mancuerna de los tres en el elenco con "Dos bribones ..." y continuar con su respectiva secuela (aunque no tan lograda como la original) "La joya del Nilo", de 1985.
En 1987, justo a sus 43 años de edad, Michael Douglas como quien dice "hizo chuza" en su carrera coo actor puesto que gracias al thriller "Atracción fatal" y la mencionada "Wall Street" tuvo tanto éxito de crítica y de público que lo hizo darle continuidad a su carrera en un thriller todavía mucho más audaz en 1992 bajo las órdenes de Paul Verhoeven en "Bajos instintos", de 1992, que lo mantuvo entre los actores de taquilla asegurada el resto de la década con títulos como "Acoso sexual", de 1994, al lado de Demi Moore; "Mi querido presidente", de Rob Reiner, en 1995 y "El juego", de David Fincher, en 1997, entre otras más.
Douglas recupera su prestigio cuando menos como el primer actor que ya era al protagonizar en el año 2000 "Loco fin de semana" ("Wonder boys"), una cinta dirigida por otro ganador del Oscar como Curtis Hanson ("Los Angeles al desnudo"), sobre un profesor de mediana edad viviendo una crisis existencial pero cómica al ser mentor de un inquieto estudiante interpretado por Tober Maguire y acompañado con primeros actores de la talla de Frances McDormand y Robert Downey Jr.
Por desgracia, a pesar de su excelente manufactura la cinta pasó casi desapercibida para los grandes públicos y en la temporada de premios el único "ganón" fue el cantante Bob Dylan gracias a su tema "Things have changed", no así la controvertida cinta "Tráfico", del mismo año, en donde reemplazando de última hora al actor Harrison Ford tuvo un gran acierto tanto a nivel profesional como personal porque además de coincidir en el set con su esposa Catherine Zeta Jones fue dirigido por el realizador ganador del Oscar al Mejor Director de ese año 2000, Steven Soderbergh.
Con todo, cuando parecía que vendría una especie de segundo o tercer aire en su carrera como actor irónicamente Douglas se vio relegado a papeles secundarios sin mucha relevancia salvo en el que compartió créditos con su padre Kirk y su hijo Cameron en la comedia "The In-Laws", del año 2003, ó el que a pesar de ser secundario brilló más que su protagonista Matthew McCounaghey en "Los fantasmas de mis ex" del 2009, para en este 2009 gracias a su regreso en "Wall Street: El dinero nunca duerme", ó cintas como "Solitary man", donde comparte créditos una vez más con Danny DeVito así como con primeras actrices como Susan Sarandon, hace que a pesar de los problemas de salud siga tan firme como nunca.
A final de cuentas, como dijera su Gordon Gekko en una de las frases que trascdienden ya en su filmografía: "La ambición es buena", ¿ó no?
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